Indumentaria y Diseño: Lenguajes que hablan de sucesos del pasado, del presente y del futuro
Conoce las propuestas de 10 diseñadores argentinos que trabajan con maestría formas, volúmenes, colores y novedosas texturas que delinean el cuerpo de una mujer.
“La moda es como la arquitectura. Todo depende de las proporciones”
(Cocó Chanel)
Resulta innovadora la labor que permite plasmar ideas inspiradoras sobre el papel para transformarlas luego en prendas de vestir o accesorios.
Los diseñadores son capaces de imprimir en la vestimenta un concepto que logró motivarlos.
Son agentes propulsores del cambio, artistas que crean piezas de vestir.
La idea creativa, la personalidad del diseñador, las tramas que envuelven el cuerpo, son aspectos fundamentales que configuran el mundo de la moda.
El arte, los tonos de la naturaleza, la literatura, la cultura, los movimientos sociales, las percepciones que nos impactan en las ciudades, han servido como disparadores de ideas conceptuales de diseño, materia prima fundamental para quienes se encargan de vestir cuerpos, momentos y épocas.
Cada diseñador logra intervenir con las pinceladas de su propia personalidad a las prendas que crea.
No sólo delinea una tela o una textura, sino que graba el sello de quién es, y así encontrará respuesta en todas aquellas mujeres que se identifican con su estilo de diseño.
Los diseñadores de indumentaria son creadores cuyas obras están estrechamente vinculadas con los sucesos históricos.
La vestimenta puede narrar con su propio lenguaje no verbal los cambios sociales que se produjeron en determinada época. Cada década, especialmente durante el siglo XX tuvo su reflejo en la manera en que la gente se vistió.
La creatividad, como compañera inseparable a la hora de plasmar un diseño, exalta la capacidad que anida en las personas para transformar el medio en el cual viven, trascendiendo las circunstancias actuales para lanzar propuestas hasta entonces no concebidas.
Los diseñadores tienen la posibilidad de integrar en su proceso proyectual una multiplicidad de recursos que atañen tanto a aspectos culturales, geográficos como económicos, impulsando y dando visibilidad a su región, abriendo de esta manera nuevos caminos en los escenarios más diversos y pintorescos del territorio argentino.
La identidad de un diseño aparecerá en los lazos que se forman a partir de un diálogo visual entre conceptos, colores, volúmenes y texturas que dan origen a la categoría “Diseño de autor”.
La impronta personal, el sello del creador ganará protagonismo como un rasgo que agregará identidad e impacto al diseño.
Diseño de autor hace referencia a la actividad proyectual que genera prendas con detalles de originalidad naciendo de la inspiración a partir de los colores y texturas que aparecen en la geografía y en la cultura de una región.
El lenguaje de diseño aparecerá a través de los diferentes entramados de hilos que conforman los tejidos, la construcción y ensamblado de las piezas, las pinceladas de colores y los conceptos simbólicos que secretamente encierra cada prenda.
Esto significa que el diseño de autor no está influenciado por las tendencias de moda que aparecen cada temporada, sino que busca crear productos diferentes sin perder de vista la función principal de cada prenda, por ejemplo; abrigo para un tapado de paño, protección para un trench impermeable.
Argentina es un país extenso conformado por una multiplicidad de colores, texturas, climas, flora y fauna.
La geografía argentina con sus colores, sonidos, aromas, formas y texturas alienta percepciones que encuentran su manera de expresarse en una labor de diseño creativa, apasionada y desafiante.
Un territorio en donde también cobran vital importancia los símbolos que son parte del patrimonio cultural de un lugar, ya que esos paisajes marcan de alguna manera a quienes los habitan.
Sus caminos nos permiten transitar por zonas selváticas y por planicies áridas, subir hacia las altas cumbres montañosas para luego descansar en los verdes bosques.
En la parte de la Mesopotamia y el Noreste, donde la vegetación se caracteriza por ser exuberante predominan los tonos frescos entre los cuales se destacan toda la gama de verdes.
Hacia la región del Noroeste la paleta incorpora los colores tierra, tostados, ocre y amarillo oro.
En el centro del país el amplio paisaje pampeano aporta tonalidades beige y verdes claros que se fusionan con colores celestes pastel y blanco.
El escenario sureño se caracteriza por sus pinceladas de tonos marrones que se fusionan con el verde intenso de la cordillera, el azul profundo de la costa atlántica, el blanco níveo y el celeste helado de las altas cumbres.
La vegetación exuberante y frondosa se plasma en un diseño a través de texturas complejas, mientras que los creadores inmersos en una vegetación más árida trabajan con tejidos simples, de apariencia rústica.
El color es el rasgo más llamativo que permite que un diseño logre un alto impacto y que pueda ser asociado con uno de esos paisajes naturales.
La madre tierra ofrece también abundantes materiales nobles como es el caso de las fibras vegetales, las fibras animales y cueros para materializar un diseño.
Entre las fibras animales que desde tiempos antiguos fueron utilizadas para la producción de prendas de vestir, encontramos los delicados hilos extraídos de camélidos como llama, alpaca, vicuña y guanaco que darán origen a tramas de gran calidez.
Los diseñadores son sensibles al contacto con las telas percibiendo características como suavidad, aspereza, flexibilidad, rigidez, caída, opacidad, brillo, transparencia, durabilidad, entre otras características, que guían sus procesos creativos.
Las tramas, los hilados guardan secretos de antaño, relatos que invitan a develarse y a decodificar símbolos que trascienden el tiempo.
El textil atesora un gran poder simbólico provisto por las culturas ancestrales que habitaron estas tierras.
Los materiales se integran con conceptos estéticos y simbólicos junto con la habilidad creativa que tengan los creadores para lograr como resultado final prendas innovadoras.
Actualmente los aspectos industriales en la construcción de las prendas se fusionan con la sabiduría de las técnicas artesanales.
La manera en como la urdimbre y la trama se entrelazan para dar origen a un textil generará efectos visuales diversos.
Sobre la superficie de los tejidos se pueden aplicar diferentes procesos y acabados que terminarán por definir su aspecto final.
Los tratamientos sobre un tejido permiten un abanico de posibilidades de diseño a través de la aplicación de técnicas de producción que combinan materiales y símbolos diversos.
Las ciudades también se convierten en una fuente inagotable de referencia para los diseñadores: el barrio y su gente, los rincones pintorescos que ofrece cada ciudad, la arquitectura, las expresiones populares, los colores, sonidos y aromas suspendidos en el aire, los hábitos, pasiones y complejidades, la historia y el arte se cuelan en el lenguaje de diseño.
La vida cotidiana de los habitantes cosmopolitas, las historias entretejidas en las calles y las expresiones artísticas, son referencias a experimentar para muchos diseñadores.
Los entornos urbanos se caracterizan por una enorme mezcla de estilos.
Se puede asociar a la ciudad de Buenos Aires con las tonalidades vinculadas a los edificios inmensos donde predominan los grises en sus diferentes gamas.
La sobria arquitectura de los pueblos originarios, los edificios coloniales, la huella de los inmigrantes europeos, los suntuosos palacios de estilo francés, los edificios inteligentes, entre otros, nos permiten pensar a las ciudades como fuente de gran inspiración para lograr recursos aplicables al diseño de indumentaria.
La sensibilidad del artista se relaciona con la capacidad de observar, de relacionar conceptos, de dialogar con el medio.
En cada territorio cada prenda fue pensada, sentida, creada según el escenario que influyó en la percepción de su autor.
Cada prenda afirma su identidad territorial.
La atracción que despierta la naturaleza abre caminos inspiradores a los diseñadores que habitan en las diferentes regiones de Argentina donde la diversidad es una constante.
Esa capacidad de recepción y asimilación de lo diferente es constitutiva de la cultura argentina.
La identidad se vislumbra en la diversidad de orígenes, tradiciones y saberes culturales que conforman la argentinidad.
La lectura de las prendas desde una visión geográfica y territorial es uno de los posibles caminos para leer los relatos que la vestimenta propone.
Cada época, cada generación hace surgir el talento de jóvenes diseñadores que crean y visten Identidades.
10 Diseñadores argentinos que dibujan con extraordinaria creatividad la silueta femenina proponiendo nuevas formas, tonalidades y texturas
La inspiración de Alicia Seoane, creadora de la firma Alise, se nutre de la ciudad y su arquitectura para crear una novedosa propuesta de diseño y también observa la naturaleza, especialmente las flores.
La diseñadora expresa su creatividad sobre una superficie textil imprimiendo formas que luego darán origen a diferentes piezas de indumentaria.
Egresada de la carrera de Artes Plásticas y Arquitectura, plasma dibujos abstractos a través de la técnica de serigrafía artesanal y tejidos Jacquard.
En la obra de Alise se destacan especialmente las gamas de colores, la superposición de figuras geométricas de diferentes tonos y la utilización de la cara interna de los tejidos generando un juego de diseño entre el derecho y el revés de una prenda.
Las siluetas son trabajadas a partir de moldes sencillos y lánguidos con énfasis en los estampados.
En su paleta de colores predominan preferentemente los grises y negros.
Diseñadora de Indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires.
Moldea sus prendas directamente sobre el maniquí, teniendo como eje de referencia su intuición y espontaneidad a la hora de plasmar su propuesta de diseño.
La técnica que utiliza consiste principalmente en experimentar con la forma de la vestimenta a partir de los contornos del cuerpo.
Explora tipologías diversas a través de una molderia de vanguardia.
En sus piezas se destacan las variaciones de volúmenes y largos, las estructuras de diseño envolventes, la superposición de capas, los plisados, frunces y recortes geométricos que dan como resultado prendas de diseño totalmente innovadoras.
Sus intereses adicionales pasan por el arte, la naturaleza y la fotografía.
Las colecciones proyectan un estilo urbano, austero y femenino con acento en los colores neutros.
Su propuesta de diseño consiste principalmente en el desarrollo de la forma de las prendas imprimiéndoles su inconfundible sello personal.
Constanza Von Niederhausern y Rubén Troilo son el dúo creativo al frente de la firma de diseño Garza Lobos.
Su técnica de expresión se caracteriza especialmente por el desarrollo de la forma de la vestimenta y la experimentación con los textiles.
Las prendas desdibujan sutilmente la silueta y la desestructuran dando como resultado formas abstractas.
Sus piezas de diseño se destacan por oscilar entre figuras rígidas y orgánicas, por contornos fluidos e irregulares, planos que se curvan y variaciones de proporciones que señalan una fuerte atracción por las formas escultóricas.
La textura que caracteriza su estilo de diseño es el marmolado (efecto logrado mediante una técnica japonesa de teñido a base de un hongo) a la que se le suman lavados, estampas e intervenciones diversas sobre la estructura de los tejidos.
Los conceptos estéticos que surgen de sus colecciones de ropa rememoran las formas arquitectónicas, el arte y la decoración de interiores.
Mariana Cortés, diseñadora de Indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires, fundó la firma Juana de Arco.
Su estilo personal fusiona el diseño, el arte y el trabajo artesanal.
Su inspiración surge a partir de la observación de la naturaleza, el conocimiento de las tradiciones, los valores latinoamericanos.
En la construcción de sus prendas integra recursos industriales con labores artesanales que le aportan identidad a su marca.
Retoma el trabajo artesanal a través de la técnica de atar nudos y colocar detalles en la vestimenta que será confeccionada a partir de materiales autóctonos como la lana.
El patchwork, la principal técnica que utiliza, le permite lograr combinaciones creativas al experimentar con múltiples colores, telas y avíos.
Reinterpreta tipologías de prendas, formas y texturas. Superpone piezas, varía de largos y juega con las asimetrías.
En sus prendas de diseño aparecen accesorios diversos como pompones, flores, cintas, lentejuelas, puntillas, ribeteados en diversos materiales, creando de esta manera variadas e inéditas texturas que acompañan a una paleta de colores saturados y vibrantes.
La identidad de la marca se originó a partir de los viajes realizados por Clara de la Torre y Diana Dai, sus creadoras, a la región del noroeste argentino, donde las características del lugar, su gente y su cultura fueron vitales para delinear un proyecto de diseño que revaloriza las técnicas de tejido.
Manto proviene de la voz quechua Anaqmanta que significa “del Cielo, de arriba”
Es una palabra que aún se escucha en los pueblos andinos que atesoran el arte textil como una técnica de trabajo y de construcción de su identidad.
Utilizan la técnica artesanal de tejido de lana en telares manuales incorporando además materiales y técnicas no convencionales.
Las diseñadoras integraron en sus piezas de diseño conceptos relacionados a la actividad urbana y a la naturaleza andina junto con los textiles y los estampados.
Las imágenes abstractas realizadas en serigrafía aportan originalidad a cada diseño, destacándose especialmente por el corte, la forma asimétrica y la construcción de las prendas a partir de la sastrería.
Cada diseño encierra la intención de albergar las historias de los artesanos de la Puna respetando su sabiduría ancestral, hábitos y costumbres.
Licenciada en Bellas Artes egresada de la Universidad Nacional de Rosario y con una formación autodidacta en la creación de vestuarios para teatro y cine, Marina Gryciuk confecciona prendas que enlazan conceptos, materiales y estéticas provenientes del mundo del arte y del diseño.
Su propuesta se basa en la resignificación de la materia prima, utilizando desechos textiles y materiales no convencionales.
En sus creaciones explora profundamente el universo textil entrecruzando diversas técnicas artísticas.
Mezcla telas, cueros, plásticos, papeles, bolsas de nylon y cintas, siempre buscando un equilibrio entre la funcionalidad y la estética.
De esta manera crea intensos contrastes de texturas acompañadas de paletas de colores saturados.
Con su trazo singular delinea ropa, objetos para el hogar, accesorios y joyería.
Genera así una propuesta de diseño que dialoga continuamente con el arte.
Formada en Arquitectura, Min Agostini se dedicó al diseño de Indumentaria con el objetivo de plasmar en su propuesta proyectual el concepto “envolvente”
Experimenta con las telas directamente sobre el cuerpo de una mujer a modo de escultura.
Su propuesta de diseño se caracteriza por tener escasas costuras, asimetrías, interacciones entre planos y volúmenes.
Los moldes geométricos y los textiles rígidos le permiten generar formas innovadoras que originan detalles en las prendas como plisados, drapeados, arrugados y recogidos que modifican el vínculo entre el cuerpo y el espacio con el objetivo de crear novedosas siluetas.
Graduada en diseño de Indumentaria y textil en la Universidad de Buenos Aires.
Delinea con destreza la figura humana y observa además la naturaleza en busca de conceptos de diseño que más tarde sintetizará a través de dibujos abstractos.
Sus prendas se asemejan a esculturas, donde la forma de una pieza va más allá de su característica funcional generando así una vestimenta de impacto.
Algunos de los recursos estéticos que utiliza para su propuesta de diseño son los contrastes entre líneas puras y envolventes, torsiones, volúmenes y planos textiles, variaciones en las proporciones, asimetrías.
Sus diseños amplían los límites de la anatomía humana proponiendo diferentes tipologías de prendas.
De esta manera se originan nuevas formas que destacan la silueta femenina.
Utiliza hilados de su propia manufactura en materiales como alpaca, lana, seda y una amplia variedad de mezclas textiles.
La paleta de color varía según la inspiración que rige cada colección, utilizando principalmente los tonos neutros.
Contar historias a través de las prendas es el objetivo principal de Pablo Ramírez, diseñador de Indumentaria egresado de la Universidad de Buenos Aires.
Su singular propuesta de diseño tiñe las pasarelas de una atmósfera teatral y dramática.
Su inspiración se nutre de conceptos provenientes de temáticas como la inmigración, la educación, los grupos sociales, los usos y costumbres de la cultura argentina.
Desarrolla piezas de diseño confeccionadas a partir de cortes y estructuras complejas que llevan la impronta nostálgica de tiempos pasados.
La moldería utilizada en la construcción de sus prendas cobra importancia ya que utiliza recursos y métodos que provienen de la sastrería tradicional.
Las siluetas que propone este diseñador son atemporales, con énfasis en la oscuridad del tono negro acompañado por texturas naturales.
Verónica de Miero es la responsable creativa y mentora de esta firma que continúa su expansión a través de piezas confeccionadas en punto para lucir durante los días soleados.
Pensada en su origen como una marca de paraguas, Seco se fue transformando con el correr del tiempo en un concepto de diseño especializado en prendas para llevar durante los días de lluvia.
Esta propuesta de diseño de autor se destaca por reinterpretar el estilo clásico, utilizando materiales impermeables como plástico, goma, PVC, o interviniendo una superficie textil de algodón con tratamientos de teflón, resinado.
Las prendas exhiben una amplia gama de colores saturados donde predominan los estampados florales y los patrones geométricos junto a dibujos que aluden al pronóstico del tiempo.
Los accesorios que acompañan esta colección incluyen botas texturizadas, gorros y bolsos impermeables, paraguas diversos con estampados novedosos y mangos con inspiración antigua adornados con lentejuelas o brillantina.
CONCLUSIÓN
El propio discurso estético es lo que cada diseñador vuelca en su obra conformando un singular lenguaje de diseño.
Los diseñadores argentinos realizan antes de plasmar su propuesta creativa sobre una superficie textil una incansable tarea de observación, asimilación y transformación de las percepciones que reciben de su entorno geográfico y cultural.
Como relatos visuales inspirados en un territorio, el diseño de autor transciende su aspecto material para convertirse en un discurso que revela la pertenencia de una prenda a un espacio y tiempo determinados.
La innovación a partir del uso de las tecnologías actuales, la necesidad de trascender la escasez de recursos y el interés por expresar los diversos significados que llevan las prendas encuentran su cauce en el desarrollo continuo de la creatividad de los artistas.
Los escenarios donde los diseñadores desarrollan su actividad son referencias importantes de su lenguaje de diseño e influyen en las características simbólicas, estéticas y funcionales de las prendas.
La vestimenta nos permite expresar todos aquellos aspectos que conforman nuestra Identidad brindándonos la oportunidad de expresar a través de cada pieza que llevamos nada más y nada menos que quiénes somos.
La lectura de los signos que portan esas prendas constituyen una invitación a explorar en la comunicación y en el lenguaje de la moda.
El desafío del diseño de autor argentino consiste en lograr como resultado final una vestimenta de carácter atemporal, ideal para ser heredada.
Sólo se heredan aquellas pertenencias que no pierden su función principal, su valor estético, simbólico, ni sus sentimientos asociados.
Indagar, explorar en las múltiples posibilidades que existen para lograr un diseño y crear nuevas propuestas de vestimenta inspiradas sobre todo en la diversidad, resulta una tarea habitual para quienes habitan la tierra argentina.
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» La Moda es una actividad cultural y comercial, generadora de una serie de procesos que van de lo artesanal a lo industrial, con un alto componente de originalidad cuyo eje estético y creativo es la Identidad «
(Francisco Ayala)
Fuente: INTI mapa de diseño 101 diseñadores de autor / Alejandra Acosta. 1a ed. San Martín. Inst. Nacional de Tecnología Industrial – INTI, 2013.
Diseñadora de Indumentaria. Consultora en Imagen Personal Femenina. Capacitación & Coaching.
Apasionada por el Arte, la Moda y el Desarrollo Personal.
Te acompaño a descubrir tu Verdadera Imagen y a diseñar tu Estilo con creatividad desde tu Esencia, para que hagas visible tu auténtica belleza, te sientas mejor con vos misma y proyectes esa seguridad que te aportará un Atractivo Irresistible.
veronica@imagendemujer.com
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