Zapatos de Mujer: ¿Por qué nos fascinan tanto?

Descubre el origen y toda la magia que encierra este objeto de deseo que cautiva a la mayoría de las mujeres.

 

“Llevar sueños en los pies es empezar a hacer los sueños realidad”

Roger Vivier

 

zapatos de mujer

En los tiempos actuales la expresión “estoy corriendo” aparece en múltiples ocasiones.

El movimiento constante, ese ir y venir de un lado a otro es parte de la vida cotidiana de la mayoría de las personas.

La intensa actividad, la acción, el avanzar, constituye un aspecto clave de las sociedades modernas.

El zapato de mujer acompaña toda esta movilización en la carrera que emprendemos hacia nuestras metas y objetivos.

Inicialmente, la función principal del calzado fue la de protección.

De nuestros antepasados primitivos nos diferenció la postura erguida, el andar sobre nuestros propios pies. Ante la sensibilidad de la desnudez fue muy necesaria esta función protectora.

Más tarde surgirá el deseo de diferenciación; y con el correr de los tiempos los zapatos irán adquiriendo una mayor importancia como objetos decorativos fusionándose con las tendencias de moda.

Se considera que el zapato de mujer es un objeto de deseo, de diseño, de arte y se le atribuyen significados como estatus, protesta, autoridad, entre otros.

Los zapatos ayudan a contar relatos sobre las personas expresando de manera no verbal la situación económica, social, los valores y el estilo de vida de su propietaria.

Este objeto de deseo que produce fascinación tiene un largo camino recorrido.

Desde la simple sandalia egipcia tejida en hojas de palma hasta los sensuales stilettos, pasando por las cómodas zapatillas y las plataformas altísimas, cada mujer elige cómo quiere cubrir o desnudar sus pies.

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CURIOSIDADES DE LA HISTORIA DEL CALZADO

La invención del zapato se debe a la necesidad de proteger el frágil pie de los territorios fríos, las cálidas arenas, las regiones húmedas, los suelos irregulares y peligrosos.

Los antiguos cubrían sus pies con cortezas, hojas y pieles de animales.

Los primeros modelos eran una especie de sandalia confeccionada con hojas de palma y, posteriormente, de madera.

Egipto se considera la cuna de la sandalia. Surge como respuesta a las particularidades del clima y a la geografía del lugar.

En el antiguo Egipto, llevar sandalias de plata o adornadas con piedras preciosas era un lujo reservado a los sumos sacerdotes y a los gobernantes.

En las ceremonias oficiales, Julio César llevaba botas de oro, mientras que Nerón prefería las sandalias de plata.

Esta clase de calzado era un símbolo del rango de una persona en la sociedad.

Las sandalias con los pies en punta la llevaban sólo las clases superiores, y en cuanto a tonalidades, los colores rojo y amarillo estaban prohibidos para cualquier persona de rango inferior.

Los esclavos iban descalzos mientras que el resto de los ciudadanos utilizaban sandalias de papiro trenzadas que consistían en una suela atada al pie por una correa entre los dedos.

 

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Mucho tiempo antes de que los zapatos fueran hechos de dos piezas: suela y capellada, se producían de una sola pieza en materiales como cuero o piel.

Las sandalias se consideran el primer calzado confeccionado que sustituyó a estas envolturas del pie primitivas.

Fueron un accesorio fundamental en Egipto, Grecia, Roma y también en Asia, África y América.

Los testimonios que dejaron los egipcios, los chinos y otras civilizaciones hacen referencia a los zapatos, como así también son mencionados en la Biblia.

En la región de  Mesopotamia y Egipto aparecieron tres estilos básicos de calzado: el zapato, la bota y la sandalia.

Las botas al igual que los mocasines fueron habituales en las zonas frías de Europa, Asia y América.

En todas las civilizaciones se puede observar que los zapatos fueron un objeto privilegiado que llevaron inicialmente los ricos y poderosos.

Las damas de la aristocracia veneciana durante el siglo XVI exhibieron modelos de zapatos muy altos con el objetivo de destacar su condición social.

En Venecia nacen los stiltlike ( como zancos). Eran zapatos de mujer de plataforma de madera tan empinados que a las damas de la época se les dificultaba el desplazamiento con ellos.

Por tal motivo se contrataban funcionarios con el fin de ayudarlas en su andar, hasta que su uso excesivo por parte de las prostitutas terminó con su utilización de manera repentina.

Finalmente estos grandes tacones fueron prohibidos por la ley. Su altura era tan prominente que dificultaba la seguridad y estabilidad de las mujeres.

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Durante el siglo XVII en Francia, los nobles usaban para sus viajes en carruaje, zapatos con tacos huecos donde guardaban sus joyas con el fin de protegerlas de los asaltantes.

La punta de aquellos zapatos que al principio de siglo era redonda, se transformó años más tarde en punta  cuadrada.

Todos los zapatos de aquella época tenían aberturas laterales, por lo cual la técnica para atarlos era por arriba mediante una hebilla o un gran moño.

En el siglo XVIII, la época de los Luises, momento en que la aristocracia europea abusó del lujo, los diamantes, las piedras preciosas, los hilos de oro, se adornaron tanto los zapatos hasta convertirlos en joyas.

Durante el reinado del Luis XIV los zapatos con tacos rojos eran de uso exclusivo de la nobleza francesa. El rococó  reveló el pomposo momento barroco que se vivía a través de zapatos muy elegantes y ricamente decorados demostrando que los aristócratas no necesitaban andar por las calles polvorientas  ya que se trasladaban en carruaje.

Los escarpines originariamente lo llevaban los hombres, formaban parte del uniforme de los lacayos y su nombre en inglés » pump» proviene del sonido que emitían cuando se andaba con ellos por el suelo de la corte.

La obsesión de la nobleza europea por adornar el calzado fue tan enorme que su valor llegó a equiparase con el de una joya exclusiva.

Los aristócratas se cambiaban varias veces al día y las damas guardaban un gran surtido de hebillas para lucirlas de acuerdo a la importancia de la reunión social a la que asistieran.

En aquella época se podía elegir entre dos estilos de zapato de mujer:

Chinelas y calzado de talón al descubierto para llevar en ambientes interiores o modelos de tacón alto para lucir en eventos más formales.

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Las francesas lucían tacones con diamantes incrustados, aunque su excentricidad no podía ser exhibida en su totalidad, ya que los vestidos de aquel entonces llegaban hasta el suelo.

Las botas también tuvieron  en la historia su momento de despliegue de lujo.

Dejaron de ser el calzado exclusivo de los militares para ser llevadas por las mujeres, en materiales como brocato y abrochadas por hilos de oro.

La reina Victoria de Inglaterra se sumó a esta moda popularizando unas botas llamadas “balmorales”

Las botas de caña alta con tacos tienen una larga historia como objetos eróticos. Las primeras fotos del siglo XIX mostraban señoras con apretados corsés y botas hasta las rodillas.

Los dandies ingleses lucían sus botas altas con un brillo deslumbrante.

El creador de moda británico George Bryan Brummell, más conocido como el “Divino Brummell” lustraba sus botas con una mezcla de champagne y huevo.

Llevaba botines con cordones, bajo unos pantalones estrechos.

Los británicos siguieron su ejemplo, entre ellos su amigo y admirador, el príncipe de Gales y el Rey Jorge IV de Inglaterra.

Además de los modelos ajustados y elegantes de piel que lucía la corte (era necesario sumergir el pie en agua y contar con la ayuda de un auxiliar para poder calzarse las botas),  aparecieron los modelos de bota de caña alta que se llevaban en el ámbito militar.

Las confrontaciones bélicas que marcaron el siglo XVIII como la Revolución Francesa, entre otras, devolvieron la importancia a la bota.

El espíritu que se respira en la moda actual se desarrolló durante la Revolución Francesa (1789) con la emancipación de la burguesía.

La moda burguesa reflejaba los principios de la revolución: Igualdad y Fraternidad.

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A partir de entonces, los nobles prescindieron de los adornos tan lujosos y llamativos. Se adoptaron colores y formas más discretos y el tacón desaparece de los zapatos.

En los primeros años del siglo XIX, el zapato de mujer adornado con lazos y otros complementos regresa durante un breve período.

Durante el siglo XIX, las damas utilizaban botas de lana hasta el tobillo.

Imperaba en aquella época la moral victoriana. Los tobillos femeninos debían ser cubiertos en su totalidad con el fin de ser resguardados de las miradas masculinas indiscretas.

Los zapatos ricamente adornados estaban reservados a los sectores más acomodados de la sociedad (con estrictas prescripciones de acuerdo con la posición social de la persona).

La clase media (la baja nobleza y los prósperos comerciantes) llevaban modelos más sencillos. Los pobres calzaban zapatos de madera, atados e incluso iban descalzos.

La zapatería tradicional comenzó a cambiar a partir de la Revolución Industrial.

Hasta ese momento en que los zapatos se confeccionaron en masa, estos accesorios fueron hechos enteramente a mano.

Las fábricas y la mecanización llegaron también a la industria del calzado con el objetivo de imitar y perfeccionar todos los procesos que se hacían de manera artesanal.

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La extravagancia y la opulencia también dieron forma al zapato del siglo XX.

Durante este siglo aparecen los desfiles de moda focalizados en el calzado como el que realizó el diseñador André Perugia, y su uso se democratizó.

Ha sido uno de los diseñadores de zapatos más importantes. Creaba piezas exclusivas, verdaderas obras de arte para clientes selectos entre las que se encontraban numerosas estrellas cinematográficas.

Demostró sus dotes de originalidad desde sus primeras creaciones. Cada uno de sus zapatos rendía homenaje a un pintor como Picasso, Braque o Matisse.

Perugia valorizo el zapato como obra de arte sin dejar de lado la función utilitaria que este objeto tiene, dándole además un lugar privilegiado en el mundo de la moda.

Cabe mencionar que algunos modelos de zapatos de mujer que se usan en la moda actual nos remontan a otras épocas.

Las plataformas que en los años 40 y durante la década del 60 obligaron a las damas a caminar cuidadosamente, son similares a los que utilizaron los actores del teatro griego para destacar su personaje en escena.

Los zapatos de tacón alto permanecieron imbatibles durante mucho tiempo. Se decía que una mujer con tacones se veía sensual y a la moda.

Cierta vez el dramaturgo George Bernard Shaw dijo: » Cuando os rebeléis contra los zapatos de tacón alto, hacedlo sólo llevando un sombrero muy elegante en la cabeza».

Vemos que desde el principio de los tiempos, el zapato constituyó todo un símbolo de la condición social de su propietario .

Esta necesidad inicial de protección que tenía el calzado derivó en un deseo por mostrar la propia individualidad y el estatus social a través de los zapatos.

Cuanto más importante era la posición de la persona en la sociedad, más ostentoso era su calzado.

Durante el siglo XX sólo el zapato de mujer poseía tacos altos.

Con el correr de los años los zapatos de mujer trascendieron su función meramente práctica y se convirtieron en bellos objetos de deseo y en accesorios fundamentales que complementan el arte de vestir femenino.

 

Disfruta de la historia del calzado a través del programa de TV «Todo tiene un Porqué»

Programa: ¿Cuándo empezamos a usar  calzado? ACÁ

 

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ZAPATITOS MAGICOS

El zapato de Mujer como fuente de Inspiración, Fantasía y Romanticismo.

Los zapatos  también tuvieron un aspecto mágico que fue más allá de su función utilitaria.

Fueron símbolos de poder y también enviaron mensajes de amor.

Los caballeros enamorados veneraron el calzado de sus amadas, así como lo hicieron con sus cabellos.

Las botas fueron símbolo de fuerza y astucia. Formaron parte de las prendas de los piratas. «Botín» deriva de bota (contenedor de objetos robados)

Muchos cuentos de Hadas han plasmado este atributo mágico que encierran los zapatos de mujer como es el caso de Cenicienta, la esclava que se casa con el príncipe, gracias a que su pie encaja en el zapato.

El calzado también tuvo su atributo mágico relacionado con el más allá.

Los egipcios los incorporaban en las tumbas con el objetivo de ayudar al difunto a caminar hacia la otra vida.

En China se tenía la costumbre de bordar un tigre en las pantuflas de los niños para protegerlos de los malos espíritus.

Muchas civilizaciones integraron el calzado a sus ceremonias tradicionales.

Los chinos, por ejemplo, para atraer armonía a la vida conyugal, durante la noche de bodas arrojaban un zapato rojo de la novia (color del matrimonio) sobre el techo de la casa.

Durante más de mil años en China se practicó la costumbre más dolorosa de la historia del calzado que consistía en deformar los pies de las mujeres.

En esa época los pies eran fuente principal de erotismo.

Para impedir el crecimiento de los pies, las niñas eran sometidas a un doloroso método de vendajes con cintas.

Esta práctica que fue prohibida a comienzos del siglo XX, daba como resultado el llamado “Pie de loto” considerado como símbolo de refinamiento de las clases privilegiadas.

Eran un claro indicador de que las mujeres no trabajaban dotándolas además de un gran atractivo sexual.

La obsesión por los pies pequeños como símbolo de belleza y elegancia también se extendió por Europa durante el siglo XIX.

Los zapatos de mujer tienen un componente mágico y simbólico. Enlazan atributos tales como funcionalidad, creatividad y diseño.

Son símbolo de estatus, seducción, elegancia, estilo de vida. Constituyen un poderoso estímulo visual.

Representan el punto central del vestuario donde tarde o temprano se posarán todas las miradas.

Constituyen el broche de oro que distingue la vestimenta.

Tienen el poder de ser grandes delatores. Reflejan la edad, las intenciones y hasta profesión de su dueña.

Hablan de quien los lleva. Son un diario personal de nuestra vida cotidiana. Evocan épocas, lugares, despiertan emociones intensas.

Este aspecto mágico que tiene el zapato de mujer reside tal vez en que se trata de un objeto que representa la base o pedestal sobre la que se construye la Imagen Personal.

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MAESTROS QUE ADORNARON LOS ZAPATOS DE MUJER

En cuanto a los colores, pareciera ser que los zapatos rojos, altos, de punta fina, brillantes, son el modelo emblema, tal como los que creó Ferragamo y que fueron calzados por la actriz Judy Garland en la película “El Mago de Oz”

Allí, el personaje llamado Dorothy descubre el camino de regreso a casa usando unos zapatos de color rubí.

También fue Salvatore Ferragamo quien diseño las sandalias blancas sobre las que Marilyn Monroe buscaba equilibrio sobre las rejas del subterráneo neoyorkino en la película “La comezón del séptimo año”

Este genial zapatero fue un gran precursor en el mundo del calzado.

Nació en Italia a fines del siglo XIX. Diseñó y creó su primer zapato de mujer cuando tenía 9 años para la comunión de su hermana.

Durante la Primera Guerra mundial emigró a Boston donde trabajó en una fábrica de botas y años más tarde se trasladó a Hollywood donde el brillo del éxito lo aguardaba.

Estudio anatomía en la Universidad de California, con el fin de conocer acerca de la constitución del pie y propiciar la comodidad de cada modelo que creaba.

Analizaba como el peso del cuerpo recaía directamente sobre los pies y a partir de allí diseñó zapatos de gran belleza y confort.

Cualquier material era propicio para utilizar a la hora de diseñar, recurría tanto a plumas como a cortezas de árboles. Cualquier forma podía transformarse en taco, como es el caso de la pirámide invertida o la jaula.

No había imposibles para la inmensa creatividad de este artesano. Fue uno de los diseñadores de zapatos más activos e innovadores del período que va desde los años veinte hasta los cincuenta.

En épocas de guerra se vio obligado a utilizar materiales más económicos, como papel trenzado, paja y cáñamo. La prohibición de utilizar piel para la fabricación de zapatos para la población civil no representaron un obstáculo sino que avivaron su fantasía y su creatividad.

Fue entonces cuando llevó a cabo su más famosa obra: la suela de cuña, que tuvo un éxito rotundo convirtiéndose en el elemento típico de los zapatos de los años cuarenta.

Aprovechó los nuevos materiales en la industria del calzado con lo que mostró su visión de futuro. En 1938 diseñó la sandalia arcoiris,  muy llamativa que se caracterizaba por una suela de plataforma y un tacón con distintas capas de corcho de colores diferentes.

En los años sesenta las mujeres llevaban zapatos de plataforma con pantalones anchos y con faldas vaporosas.

Los zapatos de mujer eran hechos enteramente a mano y su fábrica llegó a producir 350 pares por día.

Las grandes divas del cine como Greta Garbo, Marlene Dietrich, Audrey Hepburn, entre otras, llevaban estas obras de arte a sus pies.

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Mientras Ferragamo creaba sus primeros zapatos, nacía en Francia Roger Vivier.

Estudio escultura en la Escuela de Bellas Artes en París y durante una década trabajó para Christian Dior aportando el complemento perfecto para los vestidos del New Look: los zapatos de tacón alto.

Diseñaba formas sobre una base sólida y equilibrada.

Decoraba sus diseños con piedras preciosas y perlas. Se inspiró en las tendencias vanguardistas surgidas de movimientos como la Bauhaus, en Alemania.

Su toque de distinción lo daban los tacones que eran su sello personal. Los tacones innovadores caracterizaron el estilo de Roger Vivier.

Cada tipo de taco llevaba un nombre según la forma que adquiría, por ejemplo: caracol, prisma, carretel y el famoso taco aguja que fue una creación suya.

El tacón » coma» muy arqueado, así como la angulosidad del tacón » prisma» se copiaron en el mundo entero.

En 1937, inaugura su primera tienda, donde sus modelos eran comercializados a clientes franceses y estadounidenses, conquistando la atención de la diseñadora surrealista Elsa Schiaparelli.

Luego de insertarse en el mundo de la moda y relacionarse con grandes diseñadores, comienza a realizar  colecciones de zapatos de mujer para la firma Christian Dior, estableciendo un departamento de calzado “pret a porter».

En 1967, el estilo hippie inspiro a Vivier a hacer botas a la altura del muslo que fueron muy apreciadas por la actriz francesa Brigitte Bardot y por las seguidoras de la minifalda.

Roger Vivier vistió los pies de grandes personalidades del cine y la música y también diseño los zapatos que la Reina Isabel II luciría durante su coronación en 1953 cuyos tacones estaban adornados con granates almandinos.

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Un gran nombre en el mundo de la alta zapatería es el español Manolo Blahnik.

Su nombre se popularizó gracias a la serie “Sex And The City” y al personaje de Carrie Bradshaw, donde la protagonista aparece luciendo zapatos exclusivos para cada ocasión.

Los zapatos de mujer de Blahnik se caracterizan por ser delicados, exquisitos, altísimos. Así son los “Manolos”.

Celebridades como Madonna y Paloma Picasso se desviven en halagos hacia este gran artista.

El valor agregado lo constituye el trabajo artesanal que cada pieza encierra. Desde el diseño hasta la fabricación, un modelo puede pasar por 50 procesos durante su producción.

La legendaria editora de la revista Vogue, Diana Vreeland fue quien impulso a Manolo Blahnik que se dedicara al diseño de calzado.

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Otro maestro que adornó los zapatos de mujer fue Christian Louboutin.

Nació en Francia en 1964 y desde su adolescencia mostró interés por el diseño de calzado cuando tomó contacto con las actrices de los Music- Hall de Paris.

Trabajó con Cocó Chanel, con Yves Saint Laurent y con Roger Vivier.

Su sello personal lo constituyen las suelas rojas de sus altísimos zapatos de mujer que se aprecian en cada una de sus creaciones.

Algunos de sus tacones invitan al vértigo, ya que miden alrededor de 20 cm.

La famosa muñeca Barbie también se dio el gusto de calzar unos tacones Louboutin.

Para conmemorar los 50 años de la muñeca, se lanzó una edición limitada con cuatro pares diseñados por el artista entre los que se encuentran unas sandalias doradas y unas botas de leopardo.

 

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Otro nombre destacado entre los genios del diseño es el malayo Jimmy Choo.

Creó su primer zapato a los 11 años.

La princesa Diana de Gales lo lanzó a la fama cuando le pidió que diseñara varios pares de zapatos a medida.

Ya sean plataformas o stilettos, botas, chatitas o zapatillas, cueros, gamuzas, piedras preciosas o tachas, no existen límites para la creatividad de Jimmy Choo a la hora de diseñar un zapato de mujer.

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Ferragamo y Vivier iniciaron un camino que luego siguieron Blahnik, Louboutin y Jimmy Choo, el trío más poderoso en el mundo de la alta zapatería.

En cualquier caso, el zapato de mujer es algo más que un objeto funcional. La moda y las fantasías de cada período histórico se pasman en el modelo de la época.

 

ZAPATOS DE MUJER ¿Y LA ESTÉTICA?

Unos pies bien calzados son garantía de elegancia y bienestar.

Los zapatos sellan la vestimenta, por eso su adquisición no puede tomarse como un gasto sino como una inversión.

Poseen la virtud de hacernos sentir sensuales, refinadas o deportistas.

Los modelos de taco son un aliado de la mujer que quiere verse femenina, elegante, esbelta, ya que al llevarlos su actitud al caminar y al sentarse, cambia.

Dentro de las ventajas principalmente estéticas que proyectan los tacos son:

  • Alargan y afinan las piernas, estilizan la figura, nivelan la proporción corporal.
  • El taco aguja revela deseo de conquista y seducción.
  • Se incrementa la altura de una mujer y con ello aumenta el efecto de seguridad en la propia persona.
  • En un evento formal, los tacos altos proyectan más elegancia y distinción  comparados con el calzado plano.
  • Cambia la apariencia de las piernas cuando se utilizan tacos. Al destacar los músculos, las piernas lucen más torneadas y firmes.
  • Los zapatos de mujer escotados alargan las piernas y afinan los tobillos, mientras que los diseños cerrados o aquellos que llevan pulsera las acortan visualmente.
  • Los tacones proyectan una mayor la sensualidad y elegancia al momento de caminar. Potencian las curvas femeninas, reafirman las pantorrillas y dan protagonismo a los tobillos.
  • La figura se afina, los glúteos resaltan, lo que produce como efecto sensual una mayor curvatura en la zona de la espalda.
  • En momentos de conquista, el zapato de mujer cumple un papel muy seductor.
  • La mirada masculina será atraída hacia unas largas piernas, con tobillos curvilíneos colocados en lo alto de unos tacones.

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Los atributos positivos que se obtienen al llevar zapatos de mujer con tacos son fundamentalmente de orden estético, no prestando atención a cuestiones relacionadas con la salud.

Se trata de una moda que ha estado vigente durante décadas, en la que atributos como el confort, la practicidad o la adaptabilidad del calzado a diferentes terrenos son desestimados frente al efecto visual de estilización.

 

CONCLUSIÓN

No sólo el hábito, sino también el calzado hace al monje.

Al principio de los tiempos, la función del calzado fue principalmente la protección, pero a través de la historia fueron adquiriendo una mayor importancia como objeto estético ingresando en la dinámica que tienen los ciclos de la moda.

Para cada estado de ánimo existe un zapato de mujer. Existen muchos modelos que se han despojado del estatus de accesorio siendo verdaderas obras de arte.

El zapato de mujer cumple un rol estético y psicológico. El pie puede estar muy bien formado, pero la elegancia femenina no se muestra hasta que se calza el zapato.

Un par de tacones permiten que la silueta femenina se estilice. La postura erguida fomenta otra actitud ante la vida.

Los tacones proyectan una Imagen etérea, pareciera que cuerpo se eleva.

Desde siempre, el efecto que causa el zapato ha venido determinado sobre todo, por la forma de la suela y del taco. Además de dotar de algunos centímetros de altura a una mujer, los tacones se han utilizado para aumentar el atractivo erótico.

Los diseños de punta pronunciada estilizan el pie, proyectando la ilusión de quien los lleva ocupa un territorio más amplio, por lo tanto, ostenta un mayor poder.

Las botas simbolizan Poder que es altamente afrodisíaco. Sugieren además fuerza, al aumentar la altura vertical y la estatura.

Sin embargo, el exceso de taco si no se tiene habilidad a la hora de caminar con ellos, puede desdibujar la Imagen Personal y volver muy poco elegante el andar de una dama.

Las botas adecuadas para conservar los pies sanos deben poseer la punta redondeada y un talón ancho y con forma cuadrangular.

Esta es la morfología más adecuada porque es la que más armoniza con la forma natural que tiene el pie.

zapatos de mujer

Los zapatos de última moda no suelen caracterizarse por tener un diseño acorde a los requerimientos fisiológicos del pie, por lo que se vuelven auténticos obstáculos para el bienestar.

El calzado apropiado será aquel que tenga flexibilidad para adaptarse a los pies sin resultar demasiado ajustado ni tampoco holgado. Se sentirá como si nos movilizásemos descalzos.

Además, debe poseer atributos tales como flexibilidad y liviandad que permiten la relajación de los músculos del tobillo.

En la actualidad las tendencias en cuanto a zapatos de mujer vienen pisando fuerte.

Son  codiciados objetos de deseo que reclutan cada vez más admiradoras, fascinadas por este accesorio indispensable, funcional y a la vez altamente estético.

La inclinación hacia la elegancia o practicidad a la hora de seleccionarlos dependerá de la elección que haga cada mujer, de cómo se planta en la vida y recorre su propio camino.

Resulta muy saludable para nuestra energía vital producir movimiento, ponerse en marcha, avanzar hacia nuestras metas.

Ya que cuando uno camina, camina la vida.

zapatos de mujer

El calzado cumple un rol fundamental en el arte del vestir y en la imagen que se quiere proyectar. Es un objeto fetiche y también símbolo de glamour.

Puede incluso cambiar el estado de ánimo de su portadora cumpliendo el rol en algunas ocasiones, de termómetro de la autoestima femenina,

porque al fin y al cabo….

 

¿Qué mujer no conoce el poder que tienen un buen par de Stilettos?

 

 “Dale a una mujer los zapatos adecuados y ella conquistará el mundo”

Marilyn Monroe

 

zapatos de mujer

 

Una película famosa por sus zapatos: El mago de Oz

 

 

Un lugar para visitar: Bata, Museo del Calzado. Toronto Canadá.

www.batashoemuseum.ca

 

 

Perfume de Mujer: 7 Familias de fragancias para Impactar con tu Imagen

Descubre los Secretos de Seducción que encierra un Perfume y elige el Elixir que dejará la huella de Tu Estilo  Personal…

 

perfume de mujer

 

Los perfumes han acompañado la existencia del hombre, ya que  “través del humo “ (PER-FUMUM) se adoraba a los dioses.

Al ser humano le ha gustado siempre vivir rodeado de fragancias  agradables y delicadas.

Antes de la elaboración del perfume ya se sentían atraídos por el aroma de las flores.

Luego desearon oler muy bien, lo que dio comienzo a  una larga historia olfativa que los siglos han visto escribirse sobre el humo de mágicas sustancias perfumadas.

El hombre antiguo le daba tanta importancia a las fragancias como el hombre moderno.

Según la mitología griega, el perfume nació de la mano de Afrodita, diosa del amor y la belleza cuando ella salpicó una rosa con una gota de sangre.

Así adquirió la rosa su aroma tan particular. Luego, Cupido su hijo, la besó dotándola de su suave fragancia.

Si destapamos un frasco de mirra o azafrán tal vez surge en nuestra memoria una imagen del antiguo Egipto. Fue esta la primera civilización dedicada a hacer ofrendas de aromas a las divinidades a través de los sacerdotes y del propio faraón.

Los egipcios quemaban maderas aromáticas y resinas naturales. Sus recetas cuentan del enorme grado de sofisticación al que llegó este pueblo en cuanto a la elaboración de esencias.

Aromatizaban sus ceremonias, las curaciones y usaban además  las fragancias  como complemento de belleza para las mujeres.

Las egipcias llevaban el perfume en conos sobre su cabeza emanando fragancias  a cada paso. El brillo y la estela aromática de Egipto se expandió por todo el Mediterráneo.

Mientras tanto,  otros pueblos exploraban el aroma de las flores.

perfume de mujer

Asirios, caldeos y griegos aprendieron a macerar plantas y flores en aceite con el fin de obtener unguentos aromáticos que se utilizaban  para agradar a los dioses y como perfume personal.

Para los griegos el perfume resultaba un artículo divino de origen misterioso. Hacían un verdadero culto a la higiene del cuerpo y a la belleza.

Se untaban con cremas antes del deporte. Los baños perfumados y los masajes con aceites eran los secretos de belleza fundamentales.

Antes que se impusiera el cuerpo atlético y la armonía de las formas, el ideal de belleza de Grecia se basaba  en el aseo.

En esa época seducción y terapéutica iban  de la mano. Se propagó la costumbre de mojarse el cabello con perfume antes de las grandes comidas.

También los romanos otorgaron a los perfumes un lugar considerable.

Las clases sociales privilegiadas dedicaban mucho tiempo al cuidado personal en el que las fragancias ocupaban un lugar preponderante.

imagen perfume

En los cultos religiosos y en los ritos funerarios el benjui, el incienso, el ámbar gris y otras sustancias perfumadas se hicieron indispensables.

Las termas romanas fueron auténticos institutos de belleza. Las mujeres se cubrían con joyas perfumadas que actuaban como amuletos.

Durante las fiestas, los romanos epicúreos mezclaban perfumes con vinos.

Un importante proveedor de materias primas para la elaboración de fragancias era la India de donde llegaban esencias tales como sándalo, aloe, lavanda.

En la India los aromas también estaban relacionados con los ritos religiosos y se llevaban a cabo para alejar los malos espíritus.

Otro país rico en materias primas para la elaboración de perfumes era la exótica Arabia donde se hacían  fragancias de la familia oriental.

Mucho tiempo después, el descubrimiento de América significaría un gran acontecimiento para el desarrollo de la perfumería, pues el nuevo mundo aportaría ingredientes novedosos como la vainilla y el cacao.

Desde hace milenios el perfume no ha perdido ninguno de sus poderes de protección, purificación e  invocación.

fragancias y perfumes

A través de la historia, las fragancias han ocupado un doble carácter: divino y profano.

Este rasgo permanece vigente en la actualidad. Lo podemos sentir en el incienso que sale de  una iglesia y en el perfume utilizado como broche de oro para seducir en una velada romántica.

Los seres humanos utilizamos las fragancias como medio de comunicación debido a que el olfato es un sentido primario y muy potente.

Clasificamos los aromas a través de nuestro sistema límbico, que se vincula con nuestra parte emocional.

Una fragancia puede traernos a la memoria recuerdos olvidados de forma inmediata y hacernos revivir emociones intensas.

 

Una Buena Elección

Elegir nuestra fragancia personal será aquella  de la que nos enamoramos a “primer olfato”

La elección del perfume apropiado es mucho más que la selección de una fragancia.Es una forma de expresar nuestra  forma de Ser y de Sentir.

El uso de un perfume acentúa el impacto de nuestra  Imagen Personal.

Entre una  Mujer y su perfume debe existir una armonía íntima, una mágica afinidad.

El perfume es un accesorio relacionado con la piel, cargado de sensualidad y que tiene la capacidad de atraer a los demás.

La fragancia ideal es la que nos hace sentir maravillosamente. Es ese olor que nos gusta, que no nos hostiga y que está en armonía con lo que somos y lo que queremos proyectar.

Encontrar esa fragancia cómplice resulta toda una aventura de autoconocimiento.

Para hacer una buena elección  es importante apelar a la propia sensibilidad, a nuestros  recuerdos y las emociones asociadas a ellos.

La razón por la cual a unas personas les gustan algunos aromas y a otros no, tiene que ver con la asociación emocional que se hacen con determinados olores.

perfume mujer

 

Antes de comprar un perfume analiza:

– ¿Dónde pasaste tus primeros años? ¿En el mar, la montaña, la ciudad? ¿Vivías en una casa o un departamento?

-¿Cuáles son tus recuerdos más agradables de aquella época y qué referentes olfativos tienes? El olor del pino, las rosas del jardín, la torta de manzana y canela.

– ¿Cuáles son las flores que más te gustan?

-¿Cuáles son los olores que te agradan  y cuáles te disgustan? Cítricos, maderas, flores, los dulces, los suaves?

-¿Que colores prefieres?

-¿Qué comidas disfrutas? Frutas, agridulces, condimentadas, etc.

Seguramente encontrarás un patrón común entre las respuestas y una familia olfativa por la que te sentirás inclinada. Sentirás más atracción por los florales, cítricos, amaderados.

Un perfume debe ser recordado, perceptible, poder deleitar, hacer soñar, ser portador de emociones.

El perfume expresa de una manera sutil todo aquello que no se puede comunicar con palabras.

 

De Buena Familia

Imagen personal -perfumes

Existe una clasificación genealógica de los perfumes que se basa en relaciones de parentesco entre los aromas a partir de los ingredientes  fundamentales que los componen,  destacándose principalmente 7 grandes familias.

Floral: Se compone por las fragancias  clásicas y las más antiguas y representa una familia importante y variada.

Se dice que un perfume es floral cuando en su composición predomina fundamentalmente la presencia de las flores como la rosa, el jazmín, la violeta, el nardo o el narciso.

El énfasis de las fragancias florales puede ser de diversa índole: frutal, verde, fresca, dulce.

Los perfumes florales destacan lo femenino en cada Mujer. Se adaptan muy bien a un estilo romántico.

Cítrica: se define como Hespérides (ninfas de La mitologia griega),  también los denominan «verde» o «citrus».

Forman parte de esta familia las aguas que contienen aceites esenciales de naranja, limón, bergamota, mandarina, lima, pomelo.

Los perfumes cítricos brindan una sensación limpia, fresca, estimulante.

Se adaptan al estilo de vida de una Mujer juvenil y dinámica.

Tienen gran auge en la época de verano dada la sensación de frescura que transmiten.

Chipre: Se compone de una familia de perfumes con notas de musgo, roble o pachuli combinadas con notas frutadas (melocotón) o florales ( rosa).

Pueden tener un carácter frutal, amaderado, fresco o verde.

Resultan ideales para un  estilo de Mujer misteriosa, sofisticada, seductora.

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Amaderados: Evocan el ambiente de un bosque. Las notas olfativas se construyen con raíces y cortezas de madera de árboles y arbustos como cedro, vetiver, ciprés, sándalo.

La madera de sándalo es el espíritu de esta familia junto con la corteza o el fruto de otros árboles como el cedro o el ciprés. Se combina a menudo con notas marinas, de cuero y tabaco dando como resultado perfumes cálidos, profundos.

Hasta hace poco tiempo, esta fue una familia de perfumes masculinos, pero con el paso del tiempo las fragancias femeninas han encontrado en ella una gran inspiración.

Orientales: Se caracterizan por ser perfumes intensos, dulces, apropiados para la época de invierno. Se clasifican en fragancias ambarinas o especiadas.

Los perfumes ambarinos también se conocen como orientales y están basados en vainilla y esencias balsámicas. Esta familia agrupa perfumes de notas dulces, cálidas, con esencias de ámbar y almizcle que dejan una estela intensa.

Especiados: son aquellos en los que aparecen  los aromas habituales del mundo gastronómico adaptados a la perfumería como por ejemplo: café, chocolate, pimienta, comino, canela, nuez moscada. Se mezclan con cítricos, flores y madera.

Se caracterizan por ser perfumes exóticos, dulces, intensos, ideales para mujeres glamorosas y muy sensuales.

Cuero:  los aromas característicos de esta familia son el tabaco, la madera, el abedul, suavizados por notas florales como lirio o violeta.

Sus perfumes se caracterizan por ser  elegantes y muy discretos pues están basados en notas secas e incluso ahumadas.

Acuosos: Los perfumes de esta familia se caracterizan por emanar aromas frescos. Constituyen una de las últimas tendencias en el mundo de la perfumería.

También se los conoce como ozónicos,  ya que poseen un acento de brisa marina que los identifica.

En su composición se incluyen extractos de algas, helechos, hierbas de cultivo húmedo. Se extraen también las esencias de las plantas que conforman la flora marina.

Estos perfumes evocan el frescor de los océanos y de las plantas de clima húmedo.

Van muy bien con un estilo de Mujer Natural,  Informal y con la sensibilidad ecologista de la época actual.

perfumes fragancias

 

Como Perfumarse

El recuerdo del perfume puede quedar grabado a fuego, mucho más que la Imagen Personal.

La clave de la aplicación de las fragancias está en el equilibrio, en el uso con cierto ritmo y proporción.

La aroma nunca debe adelantarse a quién la lleva, sino que debe dejar una sutil estela olfativa al paso.

El triángulo formado por la nariz y los hombros representa uno de los  puntos clave del cuerpo ya que esta zona expande muy bien las esencias.

Puedes aplicar tu perfume detrás de las orejas, en las muñecas, en la parte interior de los codos, y en la parte trasera de las rodillas porque las pulsaciones del corazón se sienten intensamente en esas zonas  y potencian el aroma.

Otra forma de aplicarlo consiste en atomizar el perfume en el aire para luego caminar a través de esta lluvia de gotas. De esta manera, el cabello también quedará delicadamente perfumado.

Una zona del cuerpo muy sensual es el escote. Perfúmalo si lo que se deseas  es una presencia más sugerente de tu fragancia favorita.

Para quienes buscan un efecto más intenso pueden  recurrir al perfumado por capas. Se comienza aplicando el gel de ducha con tu aroma preferido,  luego se coloca  la crema hidratante con la misma fragancia, a continuación el desodorante y por último,  el perfume.

El perfume se aplica preferentemente después de la ducha, para darle tiempo a la fragancia de reaccionar al contacto con la piel, antes de vestirte y colocarte las joyas, pues los alcoholes pueden afectarlas o manchar la ropa.

Otra regla de oro a tener en cuenta a probarlo es evitar frotar el perfume contra la piel, ya que ello altera las moléculas de la fragancia y daña su aroma.

perfumes

Lo más recomendable es colocar el perfume y esperar unos instantes hasta que se  absorba.

Entre más oscura sea la piel de una Mujer, más temperatura genera y por lo tanto, la fragancia se conservará  por más tiempo.

La aplicación dependerá  del estilo de cada una  y de si le gusta anunciar su presencia a través de su  perfume o prefiere crear una discreta aura aromática alrededor de su Imagen Personal.

Los aromas afectan nuestro estado de ánimo, nuestra motivación y conducta.

Generan emociones, reflejan nuestra personalidad, refinan y elevan el espíritu.

En el ámbito de la comunicación el perfume amplía nuestro  «Yo Corporal», potenciando el cuerpo como portador de mensajes no verbales.

El perfume es un accesorio, el más cautivante e intenso y un medio de seducción que revela la personalidad de una Mujer.

Genera bienestar y placer y permite dejar ese toque único e inolvidable de tu Estilo Personal.

imagen perfumes

 

«Una Mujer sin perfume es una Mujer sin porvenir”

(Cocó Chanel)

 

Profundiza en el maravilloso mundo del perfume mirando dos películas relacionadas con los aromas:

Perfume de Mujer

 

El  Perfume

 

Si deseas recordar las 7 familias de perfumes, conserva la siguiente Infografía

 

perfumes para tu imagen personal

Tu silueta: ¿Quieres estilizarla? 5 Claves para verte más delgada

Aprende como delinear tu silueta y lucir más esbelta aplicando trucos de Ilusión óptica.

 

“La moda es como la arquitectura, todo depende de las proporciones”

Cocó Chanel

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Conocernos, saber cómo es nuestra silueta es un factor muy importante para que la ropa que elijamos sea una continuación de nuestra manera de Ser.

Nuestro cuerpo habla a través del movimiento, los gestos, la mirada, la postura, las prendas que lo envuelven, expresándose continuamente.

Si nos agrada nuestro cuerpo sentiremos bienestar en todo momento porque proyectaremos una sensación de conformidad, de satisfacción con respecto a la silueta  que la naturaleza y las experiencias de la vida nos han dejado.

Nuestra personalidad se compone de todos aquellos aspectos de carácter que dan como resultado una manera concreta de sentir, actuar y lucir la vestimenta.

Los rasgos personales están estrechamente ligados con el aspecto físico que tenemos y con la imagen personal que proyectamos.

La mirada interna y externa van formando la imagen que tenemos de nosotras mismas, por eso es tan importante mantener una buena relación con el espejo.

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El sentirse bien con la propia persona dará como resultado un aspecto atractivo. Es mayormente una cuestión de actitud y no tiene que ver con exhibir una silueta de líneas perfectas.

No existe prenda de diseño  que se pueda lucir con impacto si una mujer no se siente a gusto con sus formas naturales.

La personalidad y el aspecto físico son dos caras de la misma moneda que se deben trabajar al mismo tiempo, para que al momento de elegir nuestra ropa, vistamos todo nuestro Ser.

La clave para dominar el arte de vestir consiste en encontrar cierto equilibrio entre la forma que tiene nuestra silueta y el diseño de ropa que vestimos.

Las prendas pueden servirnos para  modificar visualmente nuestras proporciones, ayudándonos a desviar la atención de las zonas que no nos gustan tanto.

Se trata de acentuar los puntos fuertes de nuestra figura y potenciar el encanto personal.

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La Silueta Femenina

 Un primer paso para aprender el arte de vestir es identificar la forma de tu cuerpo: qué altura tiene, cuánto pesa, el largo del cuello, las piernas, la forma del rostro. En definitiva, como son las líneas que conforman tu silueta.

Todos estos factores son importantes para proyectar esbeltez,  influyen en la elección de la ropa que más nos favorece y en cómo nos vemos.

Tenemos un cuerpo real que es la imagen que nos devuelve el espejo y una silueta creada por el diseño de las prendas en un continuo juego óptico de líneas, formas, volúmenes y colores.

Según sea nuestra silueta, existen prendas que nos permiten lucir de manera óptima, mientras que otras ponen en evidencia aquellas zonas que quisiéramos neutralizar.

Identifica principalmente todo aquello que te agrada de tu cuerpo. Analiza cuáles son las zonas de tu figura que más te gustan y prefieres resaltar.

Así sabrás qué necesitas afinar en tu silueta con el objetivo de lograr un mayor equilibrio en la forma.

La esbeltez significa obtener altura y volumen en armonía con las proporciones del cuerpo.

El desafío a la hora de vernos más delgadas será aprender como afinar la silueta con las líneas de la vestimenta, aumentar la sensualidad, encontrar el estilo propio, ganar seguridad y evitar taparse siempre con prendas oscuras.

Lo importante es realzar la femineidad.

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Reglas Válidas para todo tipo de Siluetas

La regla general a tener en cuenta al momento de seleccionar las prendas que envuelven nuestra silueta será:

Atraer la atención sobre las partes más favorables de nuestro cuerpo y distraer la mirada de aquellas zonas que deseamos ocultar.

 Se trata de resaltar primero las cualidades. Desviar no significa tapar las partes que no nos agradan, sino aprender a neutralizar.

Otros detalles a tener en cuenta para verte más  esbelta son:

  1. La mirada sigue a la luz, por lo tanto puedes verte más delgada utilizando la magia del color.

El color  proporciona efectos instantáneos en tu silueta e Imagen Personal.

Aprendiendo a utilizar el poder del color puedes verte más luminosa, joven, sensual y también más estilizada.

  • Los colores claros ensanchan y agrandan las superficies. Si llevas un pantalón blanco sobre una cadera voluminosa, se verá más amplia.

Para las zonas de tu silueta que sean pequeñas, delgadas o angostas los colores  claros y  brillantes siempre lucen muy bien.

Los tonos claros aportan  accesibilidad a tu Imagen Personal.

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  • Los colores oscuros estrechan y profundizan las formas.Esto es válido tanto en indumentaria como en la decoración de interiores y en  maquillaje.

Si lo que deseas es neutralizar alguna zona amplia de tu silueta, lo más aconsejable es lucir prendas de diseño simple,  confeccionada en telas lisas y preferentemente de tono oscuro.

Los matices oscuros absorben la luz. Con una línea cromática vertical se produce un efecto alargador.

El color negro produce un efecto adelgazante, sin embargo, para agregar creatividad a tu look incorpora alguna otra textura diferente; por ejemplo, a un pantalón de cuero agrégale una blusa de encaje.

Selecciona tonos opacos para reducir el volumen ópticamente, especialmente en las zonas más gruesas de tu silueta. Las texturas mate camuflan más que los tejidos brillantes.

Los tonos oscuros aportan autoridad a tu Imagen personal.

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  • Monocromático: Consiste en lograr una línea vertical. La vestimenta monocromática estiliza visualmente. Vestirse de un solo color produce un efecto lineal.
  • Colores de la misma intensidad:  se trata de armar un look mezclando colores similares de tonalidad fría como son los azules y los grises, preferentemente en matiz oscuro.
  • Colores en gama: Consiste en vestirse con prendas de colores análogos como  el marrón, el beige, natural, terracota, con  accesorios dorados y  diseños que estilicen la silueta.

Seleccionando  preferentemente tejidos con caída y movimiento que son dos factores a tener en cuenta para vernos más esbeltas.

  • Linea vertical interior:

Consiste en crear una linea blanca en el interior del outfit, por ejemplo vestir una remera y un pantalón blanco acompañado por una chaqueta azul.

La línea monocromática se consigue debajo de la chaqueta través de la estilización que genera el color blanco.

Verás que no  necesariamente el efecto longilíneo se consigue siempre llevando tonos oscuros.

  • Linea vertical exterior

Consiste en vestirse de chaqueta y pantalón negro acompañado por una camisa blanca.

La linea monocromática se consigue  por medio de las prendas exteriores.

Se logra una mayor esbeltez  si la chaqueta es entallada y el pantalón de corte recto.

La camisa le aportará luminosidad al rostro.

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2. La mirada sigue las líneas.

  • Las líneas verticales adelgazan siempre y cuando aparezcan en un estampado juntas y delgadas, como se ven en el dibujo del código de barras de un producto.

Cuanto mayor es la velocidad con la cual el ojo recorre una línea,  más larga y fina aparece,  ya que la mirada se dirige rápidamente en una dirección arriba-abajo-arriba, lo que produce una sensación de esbeltez.

El cuello en V favorece a todas las siluetas ya que genera líneas verticales estilizando el escote.

  • Las líneas horizontales ensanchan la silueta. Si la mirada se detiene en las franjas que van de izquierda a derecha como si fuera el horizonte, entonces las formas se perciben como más dilatadas.

Este efecto de amplitud se logra con los estampados, los cortes que lleva un diseño o a través de contrastes de color.

Un tono de contraste a la altura de la cintura ensanchará la silueta.

Para que tu torso se vea más esbelto evita las líneas horizontales en el escote como por ejemplo, el escote bote.

Las líneas horizontales aportan amplitud y acortan la zona en la que se encuentran.

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  • Las líneas diagonales aportan dinamismo y alargan la figura cuanto más vertical al suelo se encuentren.
  • Las asimetrías en los vestidos, una raya en diagonal en alguna prenda  o una insignia que luce en un solo lado del cuerpo atraen inmediatamente  la atención porque contrastan con la simetría bilateral de nuestra forma erguida.

Con líneas rectas y angulosas se consigue fácilmente el efecto de altura y esbeltez. Las líneas rectas de los trajes sastre  le dan estructura al cuerpo y lo afinan ópticamente.

Con líneas sinuosas y redondeadas se consigue una imagen de suavidad y femineidad.

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3. La mirada relaciona volúmenes y proporciones para evaluar si una composición es armónica.

Una mujer de baja estatura que lleva el cabello corto, viste con colores neutros, elige prendas de corte recto, lleva estampados pequeños,  accesorios apropiados a su silueta como cartera pequeña y tacones, visualmente se verá más alta.

Todo es cuestión de proporción. Si eres alta, lleva bolsos medianos o grandes y tejidos de grosor medio.

Si eres bajita opta por bolsos pequeños y texturas delgadas.

4. La mirada es sensible al sentido de armonía y equilibrio entre los diferentes elementos de la Indumentaria.

Armonía implica similitud.

El cuerpo es simétrico a lo largo del eje vertical y tenemos la tendencia visual a mantenerlo de esta manera. Así buscamos la elegancia en el vestir.

El equilibrio vertical se basa en el deseo de ver las características simétricas de izquierda a derecha: solapas que hacen juego, bolsillos alineados, botones espaciados regularmente.

La mezcla de texturas como por ejemplo llevar una camisa estampada acompañada por un  pañuelo de color vivo saturan visualmente la armonía de una imagen.

Para vernos más elegantes y esbeltas cuando vistamos una  prenda estampada la acompañaremos por una prenda de textura lisa.

Los estampados grandes ensanchan y agrandan la silueta. Aportan un mayor volumen corporal.

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5. La mirada evalúa el contraste.

 El contraste de colores, estampados o accesorios provoca que la mirada evalúe la importancia de un punto de enfoque frente a otro.

Si decidimos poner foco en el cuello adornándolo con gran collar, los demás accesorios como aros y anillo irán  a juego y serán casi imperceptibles.

Otros tips para verte más esbelta:

 –Evita cambios de color donde no haya articulaciones ya que restan altura.

-Evita las chaquetas que terminan en el punto más saliente de las caderas.

-Evita las faldas que terminan en la parte más ancha de tus piernas.

-Evita las blusas cortas si tu cintura es amplia.

-Evita las prendas largas, de tejidos rígidos, los diseños con pliegues y frunces.

-Evita las prendas cruzadas, las texturas pesadas, brillantes y voluminosas.

-Evita los cinturones anchos, elastizados  y los tonos en contraste.

-Evita los zapatos totalmente planos y las plataformas.

-Evita los bolsos muy grandes ya que aportan mayor volumen a la silueta.

-Evita usar faldas o botas a la mitad de la pantorrilla, te verás menos delgada.

-Evita usar chaquetas y abrigos demasiado largos, las piernas se verás más cortas y amplias.

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Accesorios para verte más esbelta

Los accesorios juegan un papel importante a la hora de definir tu estilo y equilibrar las proporciones de tu silueta. Son los encargados de vestir tu piel.

Son piezas fundamentales para realizar correcciones ópticas.

Pueden ser utilizados para enfocar la atención en el rostro o en alguna determinada parte del cuerpo.

Los complementos:

-Ayudan a describir nuestro estilo personal de una manera visual y estética.

– Expresan  la personalidad. Según su diseño y color proyectan nuestra individualidad.

-Permiten que el guardarropa sea versátil. Imprimen carácter a las prendas básicas.

-Pueden realzar o arruinar un atuendo.

-Transforman conjuntos, iluminan el rostro.

-Actualizan  un vestuario de color neutro.

Llevar accesorios como collares, pañuelos, aros,  en línea ascendente agrega altura y esbeltez. Los complementos largos crean líneas verticales.

Combina varios collares de distinta longitud para darle un toque personal a tu look. Selecciona preferentemente chalinas livianas si tienes el cuello corto.

Los accesorios ayudan a equilibrar las proporciones de la silueta destacando las partes más favorables. Un juego de aros y collar atrae todas las miradas al rostro desviando la atención de una silueta recta.

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Zapatos para ganar altura

 Los zapatos serán del mismo tono que la falda y el pantalón o un tono más oscuro para lograr una silueta más estilizada.

Los tacones finos aportan más altura y esbeltez que los tacos y plataformas gruesos.

El escote del zapato también es un detalle importante a tener en cuenta.

Cuanto más escotado sea el empeine, más largas y delgadas lucirán tus piernas.

Un color de contraste en el calzado acorta y ensancha las piernas.

Evita los zapatos con suelas gruesas, las puntas cuadradas y los diseños cerrados si quieres verte más estilizada.

Aléjate de los zapatos Mary Jane que son aquellos que tienen pulseras en los tobillos. Generan una línea horizontal que aumenta el volumen de los tobillos y las piernas.

Las medias  deben ser de un color similar al de la falda, vestido o pantalón preferentemente de poco grosor, casi transparente.

Acompaña tu falda con  tacones color nude y medias a tono con la piel.

Al crear un solo matiz de la cintura para abajo, te verás más alta.

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 Peinados

Puedes agregar altura a tu silueta también con tu cabello.

Generar volumen en la parte superior de la cabeza con un peinado recogido siempre funciona, te verás más alta y más delgada.

Los peinados recogidos aportan esbeltez mientras que los cortes asimétricos dan un mayor atractivo al aspecto.

Los cortes de cabello con  líneas degradadas a los lados del  rostro  lo estilizan.

Recuerda que el flequillo  clásico produce un efecto de línea horizontal, por lo tanto, ensancha los rasgos.

Mientras que un flequillo colocado en sentido diagonal ayuda a esconder una parte de la cara y reduce además su amplitud,  proporcionando una mirada más sensual.

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Conclusión

 Aprender el arte de vestir requiere tener conocimiento sobre el propio cuerpo y saber que efecto se quiere lograr en la silueta cuando seleccionamos una prenda o una combinación de ellas.

Tenemos un cuerpo real que es la imagen que nos devuelve el espejo y una silueta creada a través del diseño de indumentaria  en un continuo juego óptico de formas, líneas, volúmenes y colores.

La esbeltez no depende tanto del talle real que tiene una mujer, sino del conocimiento sobre  las proporciones del cuerpo y la armonía que con creatividad se logra mezclando prendas.

Conocer acerca de las  proporciones corporales y tener la habilidad de jugar con las correcciones ópticas nos permitirá alargar, equilibrar, disminuir volúmenes con el fin de transmitir una imagen personal más elegante y esbelta.

El secreto para crear una imagen personal atractiva es aceptar la forma básica que tiene nuestra silueta y aprender a sacar el mayor partido a sus puntos fuertes.

Por lo general tendemos a obsesionarnos con alguna parte que no nos gusta, pero nuestro cuerpo es un todo, no está separado de nuestra forma de ser.

La forma de nuestro cuerpo está influenciada por la genética que traemos, pero los hábitos de alimentación, las  rutinas de belleza, el ejercicio que hagamos  y el estilo de vida que llevamos juegan un papel fundamental a la hora de maximizar el encanto personal.

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Piensa que es lo que más te gusta de tu silueta. Puede ser tu escote, tus piernas, tus ojos, tus manos, tu cabello.

Sácale partido a tu parte física. La vestimenta puede potenciar tu forma natural  y transmitir además como te sientes.

Tu personalidad se refleja en tu silueta, en los colores que vistes , en la ropa que eliges,  en tus gestos y movimientos.

Aunque la naturaleza no nos haya favorecido con grandes atributos físicos podemos desarrollar un gran atractivo personal  mediante un buen conocimiento de nosotras mismas.

Tu forma de ser te convierte en una persona con características únicas.¡Aprovéchalas!

Cuando una mujer tiene Presencia, el impacto que causa es fuerte y duradero.

No necesita tener un físico perfecto para que la consideren bella, porque su satisfacción  no depende tanto de lo que tiene, lo que hace, de la forma de su cuerpo o de sus dones y talentos.

Sino que ese atractivo arrollador que emana depende más de lo a gusto que esté con lo que hace, con lo que tiene, con su cuerpo y con sus dones.

¿Ya sabes qué parte de tu cuerpo quieres resaltar?

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Recuerda las Claves principales para verte más delgada  y esbelta con la siguiente Infografía:

 

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5 ideas para embellecer tu armario, renovarte y regresar a tu esencia

Como organizar tu guardarropa y construir un armario cápsula que potencie tu Estilo Personal.

Arma nuevos looks desatando toda tu creatividad.

 

«El orden es la base donde descansa la belleza”
Pearl Buck

 

armario

El contenido de nuestro armario satisface una necesidad emocional ya que somos en parte, lo que usamos.

El guardarropa refleja:

  • Tu imagen personal: cómo eres físicamente; tus colores naturales, tu silueta y tu estilo personal.
  • Tu vida emocional.
  • Tu estilo de vida.

Tu imagen personal, tu vestidor y tu estilo de vida tienen que estar en armonía para funcionar saludablemente.

No es la cantidad, sino la elección cuidadosa de las prendas lo que convierte a tu fondo de armario en versátil.

Elegir y lucir de manera acertada la ropa que te envuelve es esencial para proyectar una imagen que esté en consonancia con tu personalidad y estilo de vida.

Con cada cambio de estación aparece nuevamente la oportunidad para renovarnos y hacer lo mismo con el contenido de nuestro armario.

Tener demasiadas prendas significa que no nos tomamos una pausa para reinventarnos, para limpiar el armario y a la vez nuestra mente de cosas con las que ya no nos sentimos identificadas.

¿Sabes exactamente lo que tienes en tu guardarropa y cómo utilizarlo?

No pienses en tu armario como en un simple espacio para guardar cosas.

También es un lugar especial que te puede proporcionar placer estético al observar la armonía de los colores, las cajas y demás elementos decorativos, la iluminación, el diseño del vestidor.

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Para simplificar nuestra vida es esencial aprender a elegir aquellas prendas y objetos que nos aportan VALOR.

La sencillez consiste en abrir paso a lo esencial. Es necesario quitar de la vista las cosas que nos estorban para ver nuevas opciones a la hora de vestirnos.

Para embellecernos tenemos que aprender a simplificar nuestra vida y nuestras pertenencias y decidir con que  objetos nos quedaremos. Estos deben aportarnos belleza y utilidad.

Minimalismo

Cada día nos ofrece múltiples oportunidades para definirnos como mujeres únicas.

El desafío pasa por cuestionar ciertos paradigmas. Lo que actualmente está de moda es el estilo de vida minimalista.

El minimalismo no significa reducir tus pertenencias con el objetivo de “no tener”, de vivir en la carencia sino con el objetivo de invertir.

Significa invertir tiempo y energía en lo que verdaderamente tiene importancia para nosotras.

Cuando quitas lo que ya no te sirve, ya sea en tu vida, en tu casa o en tu armario, dejas espacio para que lleguen cosas y experiencias nuevas, pero sobre todo ganas una sensación de libertad.

Normalmente miramos las cosas que tenemos, pero no las valoramos porque deseamos adquirir siempre la última tendencia o porque simplemente disfrutamos al salir de compras.

Nuestra cultura está orientada hacia el consumismo compulsivo. No sólo compramos ropa y objetos sino también nos saturamos de información y actividades.

La clave para simplificar radica en no confundir materialidad con afecto.

Los recuerdos se llevan anclados en nuestras emociones y generalmente no se asocian con objetos materiales, sino con buenos momentos compartidos.

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Los recuerdos agradables no se desvanecen cuando desechamos los objetos que ya cumplieron su ciclo y no nos definen.

Deshacerse de cosas no significa perder las experiencias vividas ni la Identidad.

Lo que debemos atesorar no son las experiencias del pasado sino la mujer en que nos hemos convertido gracias a esas vivencias.

Acumuladoras

Hay prendas que sobreviven varias temporadas y siguen ocupando espacio en tu armario.

El motivo es el lazo emocional que tienes con ellas.

La acumulación de ropa y objetos genera desorden físico y mental, falta de espacio, dificultad para encontrar las prendas que necesitamos y la inseguridad constante que genera el eterno “No tengo nada que ponerme”.

¿Sabías que el acumulamiento de cosas en el hogar y el hábito de desordenar están relacionados con los miedos?

Miedo al cambio, miedo a ser olvidado o a olvidar, miedo a la carencia.

Simbolizan además confusión, falta de enfoque, inestabilidad y puede estar asociado a una sensación de incertidumbre acerca de tus metas y objetivos, acerca de tu identidad o de lo que quieres en tu vida.

Acumular refleja que estás viviendo en el pasado y dejando que tus viejas ideas y emociones se apoderen de tu momento presente, evitando que nuevas oportunidades y personas lleguen a tu vida.

Es necesario soltar y liberarse de aquello que ya no nos representa.

Acumular:

  • Nos distrae del momento presente. Guardamos porque albergamos la creencia “lo guardo por si acaso lo llego a necesitar” y así vamos desdibujando nuestro Yo Actual.
  • Acumular implica asumir responsabilidades acerca de nuestras pertenencias. Tener “Mucho” implica también mucho esfuerzo, energía, espacio y cuidado.
  • Acumular no te permite disfrutar. La acumulación resalta una vida centrada en la escasez. Pone en evidencia nuestras propias carencias internas.
  • Disfrutar tiene que ver con usar todo lo que tienes y Habitarlo.
  • Cuando eliges con qué cosas finalmente te quedas lo disfrutas, porque tienes espacio mental y físico para que esas prendas u objetos te proporcionen placer.
  • Deja un espacio vacío en tu armario. No pienses que tienes que llenar cada uno de los rincones.

Los espacios vacíos permiten que el aspecto de tu guardarropa sea aún más agradable y que la ropa se arrugue mucho menos.

Si quieres guardar alguna prenda porque te trae un recuerdo muy especial colócala en una bella caja y en otro sitio.

Analiza cada prenda que tienes y vuelve a elegirla. Detrás de la ropa existe todo un lenguaje no verbal y un mundo de definiciones.

La organización de tu armario es un factor clave para lograr construir un espacio armonioso, donde encuentres fácilmente las prendas que te acompañarán cada día.

De esta manera ganarás energía y vitalidad teniendo un espacio que te proporciona bienestar, liviandad, IDENTIDAD.

Recuerda que tu armario es el fiel reflejo de quién eres física y emocionalmente, comunica como es el estilo de vida que llevas y lo atributos de imagen que deseas proyectar.

Armario Cápsula

Un armario equilibrado será principalmente:

  • Funcional: donde todas las prendas serán utilizadas cumpliendo la función para las que fueron diseñadas, por ejemplo; protegernos de la lluvia.
  • Versátil y duradero: debemos ser capaces de poder crear con un mínimo de prendas un máximo de combinaciones posibles.

Todas queremos mostrarnos diferentes y construir un estilo único que nos identifique.

Tu manera de combinar las prendas y los complementos hablará acerca de cómo es tu personalidad.

Lograr armar un armario cápsula es no es necesariamente una tarea compleja y los beneficios que obtendrás son innumerables.

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¿Qué es un armario cápsula?

Es tu propio armario transformado en un espacio ordenado.

El objetivo es reducir al máximo las prendas que necesitas para vestirte en tu vida cotidiana.

No se centra en la cantidad, sino que contiene las prendas justas y necesarias para desenvolverte en tu día a día.

Un armario cápsula o minimalista es uno que contiene entre 30 y 40 piezas de vestir por temporada (incluye ropa y calzado) donde cada prenda combina con las demás dando como resultado nuevas propuestas de vestuario.

Se compone esencialmente de prendas básicas y atemporales fácilmente combinables.

Al centrarse en los básicos, los conjuntos que vayamos armando resistirán al paso del tiempo y a la tiranía de tendencias de moda.

Tener un armario cápsula facilitará la elección de los outfits para toda la semana, ya que estas prendas se caracterizan por su versatilidad.

La ropa interior, los pijamas, la ropa deportiva y las prendas para ocasiones especiales son excepciones y no entran dentro del armario cápsula, pero si el calzado, el bolso y los accesorios.

Ventajas de tener un armario Cápsula:

-Ganas tiempo y espacio.

-Encuentras tu estilo, aquel que expresa tu personalidad, tu manera de ser y que además te proporciona una sensación de bienestar y seguridad.

-Ahorras dinero porque compras menos y seleccionas más, evitando las compras compulsivas.

La clave para crear un buen armario cápsula estará en la elección de las prendas que más te favorezcan, confeccionadas en materiales de calidad, que sean combinables y que además te permitan transmitir aquellos atributos que deseas proyectar.

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Cómo personalizar tu guardarropa. Crea un nuevo armario con el sello de tu Estilo.

  1. Analiza tu estilo de vida. Realiza un ejercicio de auto-conocimiento para poder tomar mejores decisiones a la hora de comprar y poder ser la protagonista del embellecimiento de tu armario.

Para crear un guardarropa altamente funcional debes comenzar por tomar conciencia sobre quién eres y cuál es tu estilo de vida.

Pregúntate:

  • ¿Cuál es tu visión de vida? ¿Hacia dónde te diriges?
  • Escribe cómo sería tu estilo de vida ideal.
  • ¿Cómo te gustaría vivir?
  • ¿Cuándo piensas tomar acción y caminar el primer paso que te acerque a tus objetivos?

Un nuevo estilo de vida comenzará después de poner tus espacios en orden.

La organización del armario es sólo un aspecto de la renovación. La meta final es clarificar quién eres y qué estilo de vida deseas llevar.

  1. Organiza tu armario para que veas con facilidad con qué piezas cuentas, ya que lo que no vemos, no lo usamos.

El objetivo de la organización del guardarropa es que nos permite tener un lugar ordenado y con el contenido a la vista para poder utilizar todas nuestras prendas.

Tener un armario ordenado, aireado, perfumado te ayudará a conectar con tu potencial creativo al momento de combinar prendas y lograr un estilo más genuino.

El apilamiento de prendas, accesorios y el desorden en general te harán dudar sobre qué ponerte para cada momento y contexto.

Dedica un día entero para ordenar tu armario. Este espacio en tu agenda resulta esencial.

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Mientras ordenas tu armario tienes que ir haciendo el ejercicio de valorar cada prenda que guardas. Analiza si todavía te gusta y sobre todo si te favorece.

Para ello resulta fundamental conocer cómo es nuestra imagen y definir qué atributos queremos proyectar (elegancia, distinción, sensualidad) para recién después orientar toda nuestra energía y presupuesto hacia ese objetivo de comunicación.

La organización del armario consta de 3 etapas principales: Conservar, renovar y eliminar.

Conserva todas aquellas prendas que armonizan con tu estilo, coloración personal, con la forma de tu cuerpo y que se encuentren en buen estado.

Elige prendas y accesorios que expresen quién eres y que sean útiles.

Renueva los diseños básicos que estén desactualizados y que aun sigas necesitando.

Deja algunas prendas “a la vista” para arreglar, reciclar, piezas que te gustan pero que no sabes cómo combinarlas.

Guarda este grupo de ropa para revisar minuciosamente.  Si todavía te gustan, entonces las recuperas. Si no es así, deshazte de ellas.

Elimina las prendas que no armonicen con tu figura actual, los colores que no te quedan bien, los diseños que no concuerden con tu estilo, la ropa que no te gusta, la que te trae malos recuerdos, los tejidos que no te permitan libertad de movimientos.

armario

Debemos desechar las prendas que han vivido más allá de su propósito.

Desintoxica tu armario para añadir aire, luz y liviandad, desprendiéndote de todo lo innecesario. Los armarios atestados y desordenados reflejan simbólicamente una mente en desorden.

Si queremos actualizar nuestra imagen, en primer lugar será imprescindible que nos desapeguemos de la ropa y los recuerdos que ya no reflejan la persona que actualmente somos y nuestro estilo de vida actual.

Guarda aquellas prendas que vayan en sintonía con tu estilo, que sean de tu talle y que resalten lo mejor de tus atributos físicos.

Las prendas que conservas en tu armario tienen que estar bien conservadas, bien guardadas y bien dobladas. Ten siempre a mano los modelos que más utilices.

Organiza tu armario por tipología de prendas (faldas, pantalones, vestidos, abrigos, chaquetas, etc) por circunstancias y ocasiones de uso y por colores.

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Retira lo que ya no usas, no favorece a tu figura o se encuentra en mal estado.

Pruébate todas las prendas frente a un espejo de cuerpo entero y evalúa si te queda bien, si la prenda es cómoda, si armoniza con tu estilo, si todavía es actual.

Quédate con todas aquellas prendas que:

  • Sean confortables y además iluminen tu tez.
  • Sean fácilmente combinables.
  • Cuando el diseño vaya de manera fabulosas con tu estilo.
  • Si te proporcionan seguridad , bienestar y la usas a menudo.
  • Si se trata de una prenda básica de muy buena calidad.

Si cuentas con un armario grande cuelga el mayor número de prendas, ya que te ayudará a ver mejor tus posibles conjuntos y además la ropa se arrugará menos.

Dobla remeras, suéteres, pijamas, ropa interior, medias, separadas por color y diseño.

Al doblarlas cuidadosamente las mantenemos en forma y borramos arrugas. Las prendas dobladas se distinguen de las que se han metido en los cajones.

Puedes guardar tu ropa al estilo japonés, o sea en forma vertical, agrupada por estilos y colores para que tu armario respire armonía y equilibrio.

Consigue perchas, cajas y contenedores similares en diseño para que el resultado final sea más estético. De esta manera evitas la saturación visual y el contenido de tu armario aparecerá más minimalista y atractivo.

Selecciona perchas que sean de material similar ya que así crean armonía visual. Colócalas en el mismo sentido.

Al finalizar la tarea de organización añade tu toque personal colocando aromas en tu armario para que el acto de vestirte sea una experiencia agradablemente placentera.

Con un armario ordenado y perfumado la ropa que tenemos adquiere otro valor y podemos mirar lo que tenemos de manera objetiva evitando apuros a la hora de vestirnos.

  1. Entrena tu mirada estética. Conoce tu estilo.

Mírate en un espejo de cuerpo entero y detecta qué colores, formas y volúmenes te estilizan más.

Examínate con cada prenda sobre tu cuerpo y responde a las siguientes preguntas:

  • ¿Me gusta esta prenda todavía?
  • ¿Armoniza con mi silueta?
  • ¿Este tono me favorece?
  • ¿Ilumina mi rostro?
  • ¿Potencia mi estilo personal?
  • ¿Comunica mi profesión?
  • ¿Me siento atractiva?
  • ¿La volvería a comprar?
  • Si tienes ropa que nunca usaste, piensa dónde la compraste y qué sentiste al adquirirla.
  • ¿Con qué la puedo combinar?

Analiza el estado de tus prendas básicas, pues éstas son la clave para lograr un armario cápsula.

Para sacarle el mayor partido a tus prendas inferiores como pantalones y faldas, tienes que tener por lo menos 3 prendas superiores de diferente diseño y combinables.

Fíjate si durante el análisis detectas algún patrón repetido a la hora de elegir tus colores.

Selecciona en primer lugar 2 o 3 colores neutros que serán la base, la espina dorsal de tu vestuario (son prendas de diseño simple, de muy buena calidad, atemporales).

Luego añade otros colores más vivos, afines a tu paleta que acentúen tu imagen y proyecten tu personalidad.

Elige un pantalón o falda de color neutro (de matiz medio a oscuro) y combinalos con 2 o 3 prendas superiores.

Cuantos menos colores haya en tu vestuario más fácil te resultará vestirte.

¿Se te ocurren nuevas combinaciones? ¿Hay algún color que te gustaría incorporar a tu armario y que no habías tenido en cuenta?

Combina prendas de vestir con básicos; por ejemplo unos jeans con un top de seda.

No encasilles tus prendas en una sola manera de usarlas ya que el resultado será muy monótono.

El objetivo de la prueba de vestuario es poder encontrar nuevas combinaciones, transformar conjuntos, mezclar texturas y comprobar que nuestra Imagen personal esté renovada.

Recuerda que, si entra una prenda nueva, otra salga para conserva la esencia del armario cápsula. Ten siempre presente que ¡Menos es Más!

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Desata toda tu creatividad y crea nuevas combinaciones entre las distintas prendas con las que te has quedado.

Toma fotos de cada uno de los conjuntos que armaste. Te ayudará a visualizar lo que tienes y lo que te hace falta.

  1. Busca ideas inspiradoras

Define cómo quieres verte: elegante, sofisticada, sensual, creativa, etc.

Crea un tablero de inspiración con todas las prendas y accesorios que te gusten.

Selecciona fotografías de outfits  para poder enfocar e identificar tu estilo personal.

Construye siempre tu vestuario sobre prendas básicas y luego agrega colores de acento y accesorios para actualizarlo.

Un truco para darte cuenta si un color te favorece, es tener en cuenta que cuando te lo pones, tu piel y ojos destacan más que el color de la prenda.

A veces llevamos prendas y accesorios de la misma manera y no nos detenemos a experimentar con la moda.

Prueba nuevas maneras de lucir las prendas. Arma con creatividad nuevas propuestas de vestuario.

Con el objetivo de lograr looks modernos y diferente puedes mezclar prendas formales con otras de diseño informal.

Adapta a tu personalidad las tendencias de moda. Si en tu armario predomina el último grito de la moda, te alejarás de tu esencia y carecerás de estilo.

A partir de ahora disfruta de tu viaje hacia el encuentro con tu estilo y hacia el desarrollo de tu potencial creativo.

Siéntete renovada, atractiva y sensual.

  1. Fórmulas prácticas antes de salir de compras

Nuestras pertenencias delatan las decisiones de compra que hemos tomado.

Para cuidar mejor tus finanzas, antes de salir de compras aplica las siguientes fórmulas:

  • Rentabilidad: es el precio de una prenda dividido el número de veces que la vas a usar.

Cuanto mayor sea la utilidad que le demos a determinada prenda, mayor será la inversión que tenemos que hacer al momento de adquirirla y luego olvidaremos el precio.

No es el costo de la prenda lo que realmente cuenta, sino la frecuencia con que la usas.

Las prendas más rentables son aquellas a las que recurres en varias ocasiones (modelos básicos y atemporales).

  • Fórmula +1: Antes de salir de compras aplica mentalmente la fórmula +1.

Consiste en que por cada conjunto que adquieres incluyas una prenda de la máxima calidad que puedas adquirir y que permita brillar a todas las demás.

  • Fórmula 70/30: Significa que el 70% de las compras que realices serán prendas básicas y sólo 30% de tendencia de moda.

Identifica que diseños, líneas, colores y texturas tienen las prendas que más te favorecen para tener en cuenta estos detalles la próxima vez que salgas de compras.

Anota lo que tienes y lo que te falta, teniendo en cuenta las cualidades de imagen que quieres proyectar, tus actividades cotidianas y tu estilo de vida.

Haz una lista con las prendas y complementos que necesitas para enriquecer tu estilo personal.

La moda puede convertirse en un juego donde la salida de compras se puede convertir en una aventura de autoconocimiento y en una experiencia creativa que nos proporciones exitosos resultados.

¿Estás lista para reinventar y potenciar tu imagen personal?

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Los Infaltables

Las prendas que componen un armario cápsula serán de estilo clásico, de líneas simples, colores neutros y con poco volumen.

Así combinarán fácilmente y no pasarán rápidamente de moda. Los colores neutros aportan equilibrio y serenidad.

Estas prendas atemporales son aquellas que te permiten aumentar el número de combinaciones durante todo el año.

Están confeccionadas con materiales livianos, texturas lisas o con diseños pequeños.

Los infaltables que debes conservar siempre en tu armario son:

Chaqueta negra, es una prenda indispensable para estilizar la figura, semi-entallada, de muy buena calidad. Combinala con jeans, pantalones de vestir o faldas.

Vestido negro, es un clásico, se adapta a la edad y al estilo que tengas. Muy versátil, elegante y útil para llevar en múltiples eventos y contextos.

El famoso little black dress, a la rodilla o ligeramente por encima, de líneas simples, nunca pasará de moda.

Puedes lucir el vestido negro encima de una camisa blanca, remera o suéter delgado, con una chaqueta básica o una de fiesta, con sandalias, stilettos o botas, con pañuelos, collares, cinturones y diversos bolsos.

En tejido de crepé puede ser una muy buena opción.

Dependiendo de los complementos que lo acompañen, lo podrás utilizar tanto para un cóctel como para llevar al trabajo.

Los que marcará la diferencia será la manera en que lo combines y sobre todo con qué accesorios lo acompañes.

Un estilo formal lo conseguirás con una chaqueta de vestir.

Un look casual lo lograrás colocándole tacones y una chaqueta de cuero.

Y si quieres lucir informal basta que lo combines con una chaqueta de jean.

El vestido es la prenda que más se ajusta a nuestro cuerpo.

Si tienes un vestido que dibuja tu silueta, conservalo, si no lo tienes y lo encuentras, compralo y si lo tienes pasado de moda, renovalo.

Pantalones, adquiere diseños que estilicen tu figura y que además te proporcionen confort y bienestar, en colores básicos que nunca fallan como el negro, blanco, marrón, azul, gris.

Los pantalones ideales para crear un armario cápsula serán preferentemente de bota recta.

Recuerda tener un pantalón para fiestas en materiales como crepé, raso, seda preferentemente en tono negro.

Faldas, elige un modelo de corte recto para combinar con prendas de tendencia y conseguir un look actual y otra falda de diseño moderno para sentirte juvenil y creativa.

El largo apropiado de la falda para la mujer profesional no deberá exceder los 4 o 5 dedos sobre la rodilla.

Jeans, son insustituibles, fáciles de combinar y adaptables a todas las épocas del año, aptos para llevar con tacones, botas, chaquetas, suéteres, para el día y para la noche.

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Suéteres, son útiles para trabajar, para estar en casa y para salir a cenar. Selecciona un modelo en escote en V, otro de cuello alto y cardigans en colores básicos y vivos. Siempre te sacarán de apuro a la hora de vestir de manera profesional con un toque casual.

Camisas, existen diversos diseños, colores y tejidos.

Una camisa blanca no tiene restricciones ni horarios. Se adapta a todo tipo de combinaciones y looks.

Será imprescindible que cuentes con una camisa blanca para combinar con jeans, con una falda larga, con un pantalón de vestir y con casi todas las prendas de tu armario.

Son muy favorecedoras las camisas de corte masculino siempre entalladas y de algodón.

Remeras, son una prenda multiuso, se adaptan a cualquier contexto y ocasión. Muy útiles para lucirlas exteriormente en épocas cálidas o para esconderlas cuando llega el invierno.

Lucen muy bien con todos los tipos de cuerpo los modelos de escote redondo y los de escote en V.

Top, Considerado una prenda comodín que podemos llevar debajo de una chaqueta, camisa o suéter. Se pueden encontrar diseños en materiales diversos.

Si una camisa te queda algo ajustada, prueba ponerte un top debajo y abróchate sólo un par de botones. Te dará un efecto más esbelto y sensual.

Infaltables son los tops en colores blanco, negro y otro de un tono más vivo.

Abrigos,  Con la llegada de los días fríos envuelve tu cuerpo en el abrigo más apropiado a tu estilo: tapado, campera, trench o parka.

Resulta muy elegante que el abrigo sea básico, de corte recto o cruzado y debajo de la rodilla.

La gabardina o trench resulta ideal para protegerte en los días de lluvia.

Las parkas son aptas para todo el año. La mayoría sirven para crear un look informal.

Zapatos,cuenta con diseños básicos estilo mocasín, chatitas, sandalias, botas o botines, zapatillas y tacones a elección.

Tu elección dependerá principalmente de tu estilo personal.

El tacón aportará un toque más femenino y esbelto a tu silueta.

Los zapatos son una inversión. Se consideran un símbolo de Status.

Si fallas a la hora de elegirlos puede decaer el atractivo y el efecto de tu imagen.

Escoge zapatos de la mejor calidad que puedas adquirir.

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Bolsos, Lo ideal es elegir un bolso que se adapte a tu estilo personal, a tu silueta y tus actividades cotidianas.

El bolso habla de la personalidad de una mujer ya que depositamos allí nuestras pertenencias necesarias.

Tan importante es lucir un buen bolso como saberlo llevar con elegancia. Rechaza siempre las imitaciones de las marcas de lujo.

Invierte en dos bolsos de diferentes colores, uno para invierno y otro para los días de verano, de tamaño mediano.

No es necesario el tu bolso vaya a juego con el tono de los zapatos.

Para el fin de semana elige otro modelo diferente al bolso que llevas todos los días.

Recuerda tener en tu armario un bolso de vestir para acompañar tu vestido de fiesta.

Cinturones, son un complemento que te ayudará a conseguir un efecto esbelto a tu silueta

Se caracterizan por ser decorativos y a la vez funcionales. Sirven para ajustar cualquier pantalón, falda, chaqueta, abrigo, blusa.

Se recomienda tener uno de diseño clásico en material como el cuero para lucir con pantalones de vestir y otro más moderno, de diseño para llevar con cualquier prenda casual.

Selecciona el cinturón que mejor se ajuste a tu cuerpo y a tu estilo personal.

Algunas siluetas lucen mejor sin cinturón.

Evita llevar cinturones muy apretados o lograrás el efecto contrario.

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Pañuelos,  son un accesorio ideal para dar un toque de color a tu rostro y realzar tu vestimenta.

Los puedes combinar con casi todo estilo de prendas: camisas, tops, vestidos, decorando tu bolso, sujetando tu pelo, envolviendo tu cintura. Aportará tu sello personal.

Pashminas, te abrigan y aportan un toque de distinción a tu imagen personal. Son símbolo de arte y seducción.

Ropa interior, tiene que ser preferentemente cómoda, estética y ser prácticamente invisible.

Las prendas interiores no deben notarse debajo de la ropa y si adaptarse a cada tipo de prenda.

Tu ropa interior tiene que estar a tono con tu ropa exterior.

Cuando te pruebes un corpiño colócate encima una camisa entallada y delgada para poder observar el resultado final.

Con las bombachas pasa algo similar. Vigila que no se marquen ni asomen por encima del pantalón.

Tus prendas íntimas siempre tienen que moverse contigo.

Medias, las medias pueden realzar o arruinar el impacto de tu imagen personal.

Cuenta como mínimo con un par de medias en color natural, negras y adquiere un tono de moda.

Las medias son indispensables para lucir elegantes en cualquier época del año.

Existen modelos casi invisibles, sin puntera ni talón.

Evita los modelos brillantes durante el día.

Regálate una prenda distinta cada temporada, así tendrás un guardarropa actualizado a tu medida.

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Conclusión

Nuestro armario es aquel lugar donde todos los días nos encontramos con nosotras mismas y mientras más ordenado lo tengamos, mejor nos sentiremos a la hora de salir a conquistar el mundo.

Cuando tomas la decisión de organizar tus espacios afinas tus habilidades para la toma de decisiones, lo que te ayudará a convertir tus espacios en lugares sagrados donde sentirás  bienestar y claridad a la hora de meditar acerca de tus metas y proyectos.

La organización de tu armario tiene como objetivo principal clarificar el estilo de vida que deseas tener.

Los cambios externos pueden simbolizar procesos internos de crecimiento, por eso es tan importante tener el coraje de tirar todo lo que ya no te representa, soltar y cerrar etapas.

Esta acción en el plano material simboliza los cambios que estás emprendiendo a nivel más íntimo y emocional.

Liberarnos de las cosas que no necesitamos nos permite encontrar lo que tenemos y a la vez nos refuerza emocionalmente.

Nos ayuda a desprendernos del pasado permitiéndonos vivir más plenamente el momento presente.

Soltar te permitirá elegir quién quieres ser y habitar esa mujer.

Te permite preguntarte ¿Quién soy? cada vez que te miras al espejo con una prenda que envuelve tu cuerpo.

Ese es el único equipaje necesario para llevar durante este viaje de transformación personal, porque ser vos misma ya es más que suficiente.

«Lo bello será para nosotros lo que es útil”

Platón

 

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Para continuar jugando con tu creatividad, aplicada a tu atractivo personal prueba la herramienta LOOKASTIC que te dará recomendaciones personalizadas para construir tu armario.

 

Descarga además la siguiente  plantilla  y trabaja sobre ella antes de salir de compras. Haz click aquí

 

Mandala: ¿Por qué pintar un mandala? Guía con 25 diseños para colorear

¡Pinta los colores de tus emociones en un mandala y conecta con tu esencia más profunda!

 

“El color es el medio para ejercer influencia directa sobre el alma”

Wassily Kandinsky

 

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Colorear un mandala es una actividad muy saludable porque no solo exploramos a través de ellos nuestra creatividad, sino que también nos conectamos a nuestro aspecto espiritual por medio de este estilo de meditación activa.

Las actividades artísticas nos permiten observar nuestros pensamientos, nuestras emociones y nuestros estados de ánimo dándonos las posibilidad de experimentar con otras maneras de expresión, concentración y relajación.

Cuando las artes son visuales, las imágenes armoniosas nos producirán belleza estética y un sentimiento de bienestar hacia la obra.

Cuando miras, lo que percibes genera una emoción, lo que produce una reacción.

Todo estilo de expresión artística produce efectos muy beneficiosos a nivel emocional.

Las emociones poseen un papel protagónico al momento de darle un sentido a todo lo que experimentamos.

Las emociones nos ayudan a crecer, a comprender nuestras experiencias y a evolucionar.

Estar atentas a cada una de ellas es la clave para lograr una mejor calidad de vida.  Existen para generar una respuesta a determinadas situaciones.

Resultan ser una especie de brújula para guiarnos en la toma de decisiones.

Dejan de ser saludables cuando una emoción se apodera de nosotras, o las magnificamos o peor aún, si las dejamos de lado. 

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¿Para qué sentimos? ¿Cuál es el propósito de las emociones?

  • Nos motivan.
  • Nos alejan del peligro.
  • Nos ayudan a tomar decisiones.
  • Facilitan la interacción social.
  • Nos permiten comprender a los demás.

Ser conscientes de la propia vida emocional nos ayudará a motivarnos y propicia el encuentro con los demás. 

Sentir y pensar interactúan entre si y construyen los modelos mentales a partir de los cuales formamos nuestro sistema de creencias.

La razón y la emoción determinan cómo es nuestra calidad de vida.

El psicólogo Robert Plutchik diseño la Rueda de las Emociones en la cual se muestra la interrelación de las emociones humanas comparándolas con el círculo cromático, donde los colores primarios se fusionan dando como resultado los colores secundarios.

Comparándolas con los colores, las emociones mezcladas generan diversidad de sentimientos y conductas asociadas.

Gestionar nuestras emociones y vivir con Inteligencia Emocional no consiste en ignorarlas, sino más bien se trata de saber dirigirlas y equilibrarlas para ser protagonistas de nuestra historia y escribirla saludablemente.  

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La película INTENSAMENTE muestra de una manera animada las cinco emociones que conviven en el interior de una niña llamada Riley: la alegría, el miedo, el desagrado, la ira y la tristeza, compiten por tomar el control de sus acciones cuando la pequeña se traslada junto a su familia a vivir a San Francisco.

La adaptación a una nueva ciudad, una nueva escuela y unos nuevos compañeros no será una tarea sencilla para ella.

¿Qué es un Mandala?

En sánscrito, mandala significa círculo. Numerosas culturas utilizaron el mandala y en la actualidad aparecen en el mundo occidental.

En un sentido más amplio representa una forma de concentración y meditación a partir de círculos y de formas circulares como las flores o las ruedas.

Estas estructuras son dibujadas y pintadas y se emplean arquitectónicamente como planos en la construcción de algunos templos.

Cada templo es un mandala. El centro señala un camino hacia la introspección, la concentración y la meditación.

Un mandala es un cosmograma, una proyección geométrica del universo y simboliza también la psiquis que busca la unidad, que busca encontrar la propia esencia.

En la tradición tibetana el mandala representa a la totalidad y se le considera como un modelo de la organización estructurada de la vida, un diagrama que nos recuerda nuestra relación con el infinito.

El círculo hace referencia a las cosas que no tienen nombre, mientras que el punto central representa el propio Yo, donde se encuentran latentes todas las posibilidades de crecimiento personal.

Un mandala es un fiel reflejo de la personalidad de quien lo pinta y permite alcanzar también un estado de meditación y concentración.

Puede utilizarse como un juego o como un sistema de exploración de las emociones que se refleja a través del simbolismo que encierran los colores elegidos.

El mandala es una herramienta de curación interior, una puerta que conecta cuerpo, alma y espíritu.

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¿Por qué pintar mandalas?

Colorear un mandala estimula la creatividad ayudando a vencer el estrés y permite generar un estado interior de confianza, espontaneidad y serenidad.

Se trata de realizar un trabajo creativo y también terapéutico.

Es un recurso para lograr un estado de introspección permitiendo tener además una experiencia espiritual de conexión y totalidad.

Al pintar mandalas meditamos de forma activa y podemos exteriorizar nuestros sentimientos a través de una fotografía a todo color de nuestro estado emocional actual.

La pintura de mandalas proyectan nuestra imagen interna y permiten reforzar estados de ánimo positivos.

Los mandalas son  un método de curación para el alma, la apertura al centro de tu Ser.

Entrando en la magia del círculo podrás ser la hacedora de tu propia realidad.

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Colorear un mandala nos ayudará a:

  • Alcanzar un estado meditativo y disfrutar del momento presente.
  • Conocerte a vos misma y conectarte con tu verdadera esencia.
  • Incorporar en tu vida cotidiana un espacio para el bienestar y la armonía interior alejando el estrés.
  • Lograr una introspección más profunda de tu vida para conocer tus recursos y superar tus desafíos.
  • Calmar tus pensamientos y equilibrar tus emociones.
  • Desarrollar la virtud de ser paciente y disfrutar de los procesos de cambio.
  • Mejorar tu habilidad de concentración y expandir tu talento creativo obteniendo un mapa de tus sentimientos.
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¿Cómo empezamos a pintar un mandala?

Al momento de elegir un diseño conecta con tu intuición y gusto personal.

Se trata de no juzgar, sólo observar y desplegar en el mandala toda tu capacidad creativa.

Para relajarte y aumentar tu concentración puedes pintarlo en silencio o con la compañía de una suave música de fondo.

Antes de comenzar a pintar un mandala obsérvalo durante unos minutos, respira profundamente y siente su gratificante efecto.

Puedes comenzar a colorear por el centro del mandala para liberar la energía que esconde.

Si eliges pintarlo de afuera hacia adentro te encontrarás con el centro de tu Ser.

Para colorear necesitas tener lápices de colores, lápices acuarelables, marcadores, lapiceras de gel o microfibras, crayones, acuarelas, témperas o cualquier otro material para dar color, hojas tipo canson para trabajar con materiales húmedos, pinceles.

Es importante que tengas al menos 24 colores. Te una dará mayor posibilidad de combinación y un buen resultado estético.

La sensación de jugar y a la vez meditar con un mandala puede ser un poderoso motor de inspiración y creación en tu vida cotidiana.

Lo más importante es que podamos descifrar los mensajes que los mandalas nos traen de nuestro mundo emocional, que los registremos y los podamos transformar.

A través de colores, formas y tu propia capacidad creativa desarrollarás la capacidad de autoobservación y encontrarás tus propias herramientas de crecimiento y transformación.

Un mandala te permite realizar un trabajo profundo de autoconocimiento. Te llevará por un camino de belleza y creatividad, de colores, círculos y de intuición.

Te permitirá conectar con tu propia sabiduría y expresarte artísticamente desde la real armonía de tu Ser.

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¿Cómo influyen los Colores en nuestra vida emocional?

La incidencia que el color produce en nuestros estados de ánimo, salud y hasta en nuestros pensamientos ha sido objeto de estudio durante largos años por distintos científicos.

Se cree que la preferencia por un color sobre otro puede relacionarse con el efecto sutil que cada tonalidad le hace sentir a un individuo.

Esto podría explicar la tendencia de algunas personas a utilizar por ejemplo en sus prendas, determinadas combinaciones de colores y a rechazar otros.

Es importante que seleccionemos los colores que enmarcan nuestro colorido personal o sea todos aquellos tonos que realcen nuestra belleza natural  y nos proporcionen vitalidad.

Los colores nos alegran, nos calman, atraen nuestra atención o nos invitan a reflexionar.

Tienen un efecto muy significativo en nuestro estado de ánimo, nuestras emociones y en la comunicación cotidiana.

Resulta de mucha utilidad conocer el mensaje que encierra cada color para conocernos, sintonizar con nuestras emociones, pasiones y para expresarnos de una manera más eficaz.

Para comprender de qué modo nos afectan los colores, primero tenemos que conocer su simbología.

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Rojo

El rojo fue el primer color al que se le puso nombre.

El simbolismo del rojo está determinado por dos elementos vitales: el fuego y la sangre. En casi todas las culturas poseen un significado existencial.

Este significado permite formar asociaciones duales como: poder y masculinidad, amor y felicidad.

El rojo es el color del amor y del odio, de todas las pasiones, es el tono más vigoroso.

No hay color más materialista. Nos cautiva, nos energiza, nos motiva. Es activo, competitivo, eficiente.

Es también el color de la fuerza, el vigor, el valor, la ira y la agresividad, el color del peligro y de lo prohibido.

A Marte, dios de la guerra, se le atribuía el color rojo, el color de la sangre. El planeta Marte es el “planeta rojo”.

En la naturaleza, el rayo rojo predomina al atardecer. Es tono más energizante y se relaciona con la voluntad y la determinación.

El color rojo transmite acción, aventura, coraje, rebelión.  Representa poder, atracción, excitación. Es el color de la sensualidad y la seducción.

Representa por excelencia a las personalidades extrovertidas. Una mujer no puede quedar en segundo plano vestida de rojo.

El color rojo emocionalmente ayuda a superar pensamientos negativos.

Resulta muy adecuado para momentos de apatía, dejadez, melancolía.

Es el color de la vida. Pinta con rojo tu mandala. Es ideal si estás en un momento de concreción de proyectos, para hacer foco en lo importante a la hora de plantear nuestras metas y objetivos.

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Naranja

Es alegría, diversión, jovialidad, vitalidad. Es un color vivo y cálido.

Representa entusiasmo, felicidad, creatividad. Proporciona una sensación de prisa o impulso.

El naranja combina la energía del rojo con la felicidad del amarillo. Se relaciona con el movimiento, la actividad. También con el bienestar y los placeres compartidos.

Significa entusiasmo, exaltación. Es un tono lleno de sabor, gustoso y aromático. Es el color que despierta más aromas.

Mientras que el rojo es dulce y el amarillo es ácido, lo agridulce es naranja.

El naranjo es un árbol que puede tener a la vez flores y frutos, lo que lo convirtió en un símbolo de fertilidad.

Es el color de la diversión, la sociabilidad y uno de los colores que simboliza la alegría. El anaranjado estimula los sentimientos sociales.

Dionisio, llamado Baco por los romanos, fue el dios de la fertilidad, de la embriaguez y el vino, dios de las diversiones mundanas, y en sus representaciones vestía de naranja.

El color naranja emocionalmente es apropiado para tratar el cansancio mental. Brinda confianza en sí mismo. Libera de condicionamientos antiguos y ayuda a desprenderse de inhibiciones.

Colorea de naranja tu mandala. Resulta ideal para momentos de juego, para dedicar un tiempo a ser creativos, espontáneos y animarse a vivir experiencias divertidas.

En la naturaleza el rayo naranja predomina al mediodía, momento propicio para crear y expresarnos espontáneamente desde nuestro ser interior.

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Amarillo

Es el color de la luz, del mediodía y del oro. Luminoso y cálido. Se relaciona con el sol y el optimismo.

Es el color del entendimiento, la impulsividad y lo positivo además de simbolizar poder, voluntad y estímulo.

Se le asocian significados como el optimismo y la fuerza, pero también con la mentira y la envidia.

El color amarillo es activo, expansivo, ambicioso e inquisitivo. Favorece la claridad mental y los procesos lógicos.

Es el color del intelecto. Mejora el razonamiento y abre la conciencia a nuevas ideas e intereses.

Ayuda a expandir horizontes, convirtiendo la propia experiencia en un sendero de vida emocionante y divertido.

El color amarillo es ideal a la hora de conectar con los demás y disfrutar de una buena conversación.

Es un tono que se asocia con el gusto ácido, refrescante y amargo.

En la naturaleza el rayo amarillo es más intenso por la mañana (desde el amanecer).

Elige el amarillo para tu mandala. Emocionalmente es un color apropiado para quienes se sienten melancólicos y desanimados. Sugiere alegría, deleite, regocijo.

Utilizado en exceso puede generarse ansiedad, tensión mental e

hiperactividad.

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Verde

El verde simboliza la naturaleza, la conciencia medioambiental.

Es considerado un matiz de transición y comunicación entre los dos grandes grupos de colores: cálidos y fríos.

La mayoría de los significados del verde se asocian con la primavera, la vida que se renueva y el desarrollo de la vegetación.

El color verde se asocia a la juventud, la lealtad, la esperanza, así como a la vida y al renacimiento.

Simboliza lo natural, vital, fértil, fresco, ecológico, sanador.

Es el color de la salud, de todo lo que crece, de todo lo que puede desarrollarse y prosperar.  Lo sano es verde, como las hortalizas y las verduras.

El trébol de cuatro hojas, símbolo de la buena suerte, es de color verde.

Es un color tranquilizante, representa pasividad, equilibrio y transmite calma.

En la naturaleza el rayo verde predomina a últimas horas de la madrugada, antes del amanecer.

El color verde es ideal para hacer ejercicio físico, practicar algún deporte, caminar, bailar, moverse.

Adorna con verde tu mandala. Remite al bienestar y a todo lo relacionado con la buena calidad de vida.

 

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Azul

Es el color del cielo y el mar, lo cual hace que se le atribuyan las características de los dioses: profundidad, lealtad, calma, dignidad.

Simboliza eternidad, ya que vemos el agua y el aire de color azul.

Cuanto más profundo es un lago, más azul se percibe el agua. Cuanto más se oscurece, atrae hacia el infinito.

El azul es de dimensiones ilimitadas, es muy grande. Es el color de la lejanía, representa ilusión y espejismo.

El color azul significa constancia, fidelidad, serenidad, verdad, libertad.

Representa la inteligencia, la ciencia y la concentración. Siempre que ha de predominar la razón frente a la pasión, el azul es el color principal.

Emocionalmente posee un simbolismo de melancolía y de calma. Se le asocia a la introspección y a las emociones profundas.

En cuanto a sensaciones térmicas, el azul es un color frío.

A nivel emocional, el color azul es muy beneficioso para el cuerpo y la mente. Tiene un efecto relajante, refrescante y sedante.

Añade azul a tu mandala. Es un color ideal para desarrollar la introspección para los momentos de reflexión, meditación y de expansión espiritual.

En la naturaleza el rayo azul surge antes del amanecer.

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Violeta  

Es el misterio.El violeta es el color de la transmutación, formado por el  rojo y el azul. Aporta la estabilidad del azul y la energía del rojo.

Es el color de los reyes y el poder. Otorga autoridad, prestigio y distancia.

Los antiguos egipcios llevaban joyas de amatista para intensificar su energía personal y sus vibraciones.

La piedra amatista se relaciona con la profundidad y los altos ideales, la devoción y la lealtad.

El color violeta se relaciona con el encanto, la sensibilidad y la originalidad.

Se lo asocia con la teología, la alquimia, la intuición y la espiritualidad.

Simboliza riqueza, dignidad, sabiduría. Representa creatividad, misticismo, magia.

Es casi sagrado en la naturaleza: la lavanda, la orquídea, la lila, violeta y otras flores son a menudo consideradas muy bellas y delicadas.

El violeta suele ser apreciado por los artistas y las personas creativas que desean diferenciarse de los demás.

En la naturaleza el rayo violeta predomina después de la puesta del sol.

Es intuitivo, sensible, el color de la renovación y el cambio. Selecciónalo para tu mandala.

Emocionalmente es un color ideal para descansar, para lograr un sueño de calidad, para consolidar los aprendizajes del día y recobrar fuerzas.

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Rosado

El rosa es el color intermedio entre el rojo y el blanco.

Simboliza encanto, cortesía, sensibilidad, afectuosidad. Todas las cualidades atribuidas al color rosado se consideran típicamente femeninas.

Es el color de la ternura erótica y del desnudo, de la delicadeza. Es suave y tierno, un tono delicado.

La piel desnuda luce más bella en un entorno rosa. El rosa es el color de la ilusión, la ensoñación y el romanticismo, todo se ve “color de rosa”.

Es además el color de los confites, representa lo dulce, el deleite.

Hay sentimientos y conceptos que sólo pueden describirse mediante el color rosa y generalmente son positivos.

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Negro

Es la ausencia de todos los colores. Representa la falta de luz y por lo tanto potencia a las demás tonalidades. Aunque no es un color, se lo nombra como tal.

Simboliza sensualidad, sofisticación, profundidad, sombra.

Se vincula a la noche, a la oscuridad. Está asociado con el mundo  sobrenatural, con el misticismo.

El color negro denota misterio, magia, introversión. Activa las energías magnéticas. Es un color de protección.

Es formal, fuerte, poderoso, elegante. Sugiere nobleza, riqueza y sofisticación.

Está fuertemente conectado con los ideales, la filosofía. Se vincula también al poder. Posee un tinte dramático, solitario y distinguido.

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Blanco

Símbolo de paz, honorabilidad, inocencia y verdad.

El blanco es el color que contiene el espectro de luz en su totalidad. No hay ningún “concepto blanco” de significado negativo.

Es el color del comienzo, el nacimiento y la resurrección. Simboliza el bien y la honradez. Otorga una idea de pureza y modestia.

Representa inocencia, frescura, simplicidad. El blanco es positivo, estimulante, luminoso, delicado.

Emocionalmente es un color fortalecedor, limpiador y purificador de todo el sistema energético.

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Gris

Es neutro y pasivo, simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía. Representa neutralidad e imparcialidad.

En él, el noble blanco está ensuciado y el fuerte negro debilitado.

Depende mucho más de los colores que lo acompañan que de su propio matiz.

Es el color de la sobriedad y la penitencia; de la piedad y la tristeza, el color de todos los sentimientos sombríos, la soledad y el vacío.

El color gris representa neutralidad e imparcialidad. No llama la atención. Puede resultar monótono. Es excelente para resaltar tonos más vivos.

Simboliza la falta de sentimientos. Es también uno de los colores del duelo, de la vejez, puesto que la edad pone a todas las personas el pelo gris.

Las grises telarañas son símbolo de lo olvidado y las cenizas de todo lo destruido.

El color gris recuerda los cielos de invierno, las lluvias, la niebla, las sombras y los días nublados.

En un día gris, muchas personas se sienten abatidas. Las hojas del sauce llorón son grises.

El gris es también el color de la teoría y la reflexión.

El entendimiento se localiza en la materia gris del cerebro. Las publicaciones especializadas y las tesis doctorales conforman la “literatura gris”.

Cuando alguien viste mucho de gris indica que ha establecido una barrera a su alrededor. Puede parecer una persona inabordable.

El tono gris expresa una frialdad casi metálica pero también aporta una sensación de lujo, elegancia y modernidad.

 

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Marrón

Es el color de la Madre Tierra. Se lo asocia con las cosas sólidas, seguras y permanentes, con la estabilidad.

Es el color de la naturaleza y el hogar. Evoca el ambiente otoñal.

El marrón es acogedor, sensible, ecológico, confortable.

Expresa permanencia, practicidad. Se relaciona con la simplicidad y la comodidad.

En la naturaleza es el color de lo marchito, de lo que se extingue, es el tono que manifiesta la antigüedad de las cosas: el papel, las telas, la madera, se ponen cada vez más oscuras con los años.

En el marrón desaparecen todos los colores luminosos, desaparece la pasión.

Resulta más agradable cuando se combina con otros colores como el dorado o el naranja.  

El marrón es el sabor que denota sabores fuertes y tostados, que emanan un intenso aroma. El café y el cacao presentan este color.

Emocionalmente el color marrón significa permanecer aferrados a  viejos modelos mentales.

Sin embargo, debemos estar abiertas a nuevas ideas, nuevas maneras de pensar, actuar y aprender a ser más flexibles.

 

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En Conclusión

Los colores encierran mensajes simbólicos que podemos utilizar para conocer nuestras emociones.

Experimentá con la magia de los colores en tu vida y aprende a “leer” lo que tienen para comunicarte a través de un mandala.

Encontrarás en ellos recursos maravillosos y siempre accesibles para encontrar el equilibrio interior , recuperar tu creatividad y relajarte después de un día de intensa actividad

¡Que a tu vida no le falte una pincelada de color!

¡Comienza a pintar tu primer mandala!

 

 

“Muere lentamente quien se convierte en esclavo del hábito, quien no cambia de rutina, o no se arriesga a vestir un nuevo color

Pablo Neruda

 

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¿Qué es la Imagen Personal? Elementos que la conforman y su importancia

Descubre las dos claves fundamentales a tener en cuenta para aumentar tu atractivo y proyectar una imagen personal que fascine

 

“Primero conócete y luego adórnate en consecuencia”

Epicteto

 

imagen personal

 ¿Qué significa la palabra Imagen?

Según el diccionario de la Real Academia Española, la palabra imagen viene del latín imago, quiere decir representación, figura, ícono.

Imagen es la representación mental de algo o alguien.

Se refiere a todos aquellos juicios, ideas, percepciones que tenemos sobre la apariencia visible de las personas y los objetos.

A su vez, la palabra Persona etimológicamente deriva del latín “personare” y quiere decir “sonar a través de”, mientras que en griego “proposon” significa máscara, aludiendo a las que llevaban los actores en la antigua Grecia para representar determinados personajes.

imagen personal

Imagen personal por lo tanto se define como el conjunto de recursos físicos, atributos y actitudes que proyectamos y que los demás reciben de nosotros.

La Imagen personal constituye la huella individual de una persona que capta la mente de su interlocutor.  Es percepción emocional y racional, transmitimos silenciosamente con nuestra presencia.

Todas tenemos una Imagen. La imagen personal es el fiel reflejo de nuestra individualidad.

La personalidad  se refleja a través de la imagen que proyectamos al exterior.

Como las imágenes se perciben a través de los sentidos, la imagen personal posee un gran componente subjetivo, emocional.

Implica una profunda conexión sensorial; observamos y vamos emitiendo juicios sobre la imagen que tienen los individuos, los objetos, las marcas y las organizaciones.

Una imagen es una construcción mental que cobra vida como resultado de una multiplicidad de estímulos. La imagen mental que nos hacemos acerca de todo lo que percibimos genera actitudes que influyen en las conductas.

Todo aquello que nos llega por medio de nuestros sentidos genera algún tipo de información. La imagen es comunicación. Enviamos  constantemente mensajes que son interpretados por las personas generando ideas que se transformarán más tarde en opiniones.

La apariencia que construimos es nuestra principal tarjeta de presentación, nuestro primer contacto con el mundo exterior, sería algo así como nuestro prólogo, ya que narramos nuestra historia personal en torno al cuerpo.

Las primeras impresiones cuentan, especialmente en la actualidad. Las personas, las marcas, los productos, los servicios, los lugares, son evaluados de un vistazo.

Lo crucial de una primera impresión es que dejará una opinión duradera; por eso se dice que no hay una segunda oportunidad para causar una primera buena impresión.

Somos vistos antes de ser escuchados, de tal manera que lo que decimos cuenta poco en comparación con toda la información que proyecta nuestro aspecto.

No podemos proyectar una imagen neutral. Aunque permanezcamos en silencio nuestra imagen hablará de todos modos contando quiénes somos y qué hacemos.

La imagen es el resultado del fondo y la forma. Si uno de los dos aspectos falla o falta, no cumpliremos con el objetivo de dejar una huella positiva.

La imagen personal se relaciona con la Identidad, con los atributos que hacen que una persona sea única e irreemplazable.

Transmite mensajes a través de símbolos y códigos de manera instantánea, como es el caso del lenguaje que trasmiten los colores; rojo, para indicarnos fuerza, pasión y sensualidad y azul para zambullirnos en un mar de frescura y tranquilidad.

imagen personal

 

La imagen personal se sustenta en cuatro pilares fundamentales:

  • La apariencia: conformada por la vestimenta, peinados y complementos.

El vestir constituye todo un sistema de signos siendo fundamentalmente un sistema de comunicación no verbal.

Los elementos que componen un atuendo: prendas, accesorios, peinados, maquillaje, tonalidades, texturas, están cargados de significados, de conceptos y los caracteriza más su valor simbólico que la función utilitaria que cumplen.

Los zapatos, por ejemplo, son considerados símbolos de status.

  • El lenguaje gestual y la comunicación corporal.

En la comunicación no verbal intervienen los gestos, los movimientos del cuerpo, las miradas, el tono de la voz. También incluye nuestro aspecto visual, la imagen estética que tenemos.

  • La comunicación verbal. El canal verbal se utiliza principalmente para proporcionar información mientras que el canal no verbal transmite toda una gama de emociones y estados de ánimo.
  • El comportamiento y la actitud. Cada comportamiento implica un acto de comunicación.

Los elementos más importantes que componen la imagen personal no son tangibles, no se pueden tocar ni percibir de manera precisa, sino que se relacionan más con la actitud que emanamos y con las características que conforman nuestra singularidad, las cuales arrojarán como resultado un modo concreto de ser, sentir y actuar.

La apariencia exterior resultará efímera si no se tiene como base un trabajo interior de autoconocimiento.

Para construir una atractiva y saludable imagen personal no bastará con ocuparse solamente del aspecto externo.

imagen personal

Se trata de comenzar conociendo cómo está conformado nuestro mundo interno para luego ocuparnos de cuidar, embellecer y potenciar nuestro aspecto exterior.

Si queremos sentir una mayor confianza en nosotras mismas, primero tenemos que conocernos y aprender a valorarnos,  para recién después salir y compartir con el resto del mundo todo aquello que hace de nosotras, mujeres únicas.

 

“Dado que eres distinta de cualquier otro ser que haya sido creado desde el principio de los tiempos, eres incomparable.

 Existe una potencia, una fuerza vital, una energía, una animación, que se traduce en acción en ti, y como de tu persona sólo hay una en toda la historia del tiempo, esta expresión es única.

 Y si la bloqueas, nunca existirá a través de ningún otro medio y se perderá.

 Martha Graham

 

imagen personal

 

Primer aspecto: La imagen interna: Autoestima

 ¿Cómo te ves?

La autoestima es la capacidad que tenemos de valorarnos, aceptarnos y sentirnos satisfechas con nosotras mismas.

Es un conjunto de creencias, valores y percepciones que tenemos sobre nuestra persona y las capacidades con las que contamos.

Las creencias que provienen de nuestras experiencias de vida y de la valoración positiva que hacemos de nuestros recursos son fundamentales para poder desarrollarnos de manera saludable.

Autoestima significa quererse, cuidarse, aceptarse, respetarse, comprenderse.

La autoestima sana significa sentirse bien con una misma, emitir lo que se piensa, defender lo que se desea, independientemente de la mirada de los demás.

Aprendemos a valoramos sin que las opiniones ajenas nos hagan cambiar nuestros objetivos y nuestra sensación de satisfacción hacia nuestra persona.

Una persona con una sana autoestima reconoce el valor que cada persona tiene por sí misma, más allá de la apariencia personal, las capacidades o incapacidades que posee, las virtudes o los defectos que tiene, los aciertos y también los errores que haya cometido en su trayectoria de vida.

Una acertada autoevaluación incluye el conocimiento de nuestras fortalezas y también de nuestras debilidades.

imagen personal

La autoaceptación implica reconocer todas las partes de uno mismo como una forma particular de ser, sentir y actuar.

En primera instancia, tenemos que empezar por aceptarnos como esencialmente somos, luego encontraremos tiempo y opciones para mejorar nuestra imagen personal y potenciar los atributos naturales que tenemos.

Cuando frente a un desafío sentimos que podemos con él, florece nuestra fuerza interior y encontramos las herramientas para actuar con creatividad y entusiasmo.

La autoestima es el pilar básico del bienestar personal, el cimiento de la confianza.

Comenzaremos con la aceptación de la forma que tiene nuestro cuerpo físico, y esta actitud irá transformando la manera en la que nos vemos. De esta manera, cuando empiezas a aceptarte tal como eres, el cambio personal se pone en marcha y comienza a funcionar.

En lugar de desear modificar tu imagen inmediatamente, analiza primero quien eres, como eres y que es lo que específicamente quieres mejorar.

La imagen personal refleja nuestras particularidades físicas y las características únicas de nuestra personalidad, transmitiendo además cómo te quieres y te cuidas.

La imagen no es estática sino dinámica, la vamos creando constantemente a medida que crecemos, maduramos y, junto con la actitud se pueden transformar continuamente.

Trabajar la autoestima es esencial para lograr una belleza integral y duradera.

Sentirnos atractivas acrecienta la autoestima. No podemos querernos si no tenemos clara nuestra Identidad y nos sentimos a gusto con ella.

Mientras la moda es un juego creativo de volúmenes, colores y texturas sobre la superficie corporal, tu imagen personal revelará los tesoros de tu interioridad.

Trabajar al mismo tiempo sobre el desarrollo de la personalidad y el aspecto físico son detalles a tener en cuenta para la construcción de una Imagen personal que cautive.

¿Por qué es tan importante la Imagen Personal?

 Porque nadie puede evitar proyectar una imagen. La gente se hará una imagen de ti, tanto si te ocupas de ella como si no lo haces.

La vestimenta y gestualidad, la comunicación escrita y la comunicación no verbal arrojarán características de nuestra persona, aun cuando las palabras no estén presentes.

El lenguaje corporal es tan importante como el lenguaje hablado pues a través de él nos comunicamos con el mundo.

La imagen personal refleja cómo nos cuidamos, nuestra seguridad, las experiencias vividas, el nivel educativo que alcanzamos, nuestra cultura, nuestra capacidad profesional, nuestras intenciones y deseos y, por supuesto, nuestra autoestima.

Cuando nuestra imagen refleja con fidelidad lo que somos, logramos transmitir un mensaje coherente y auténtico.

Trabajar en nuestra imagen personal implica que, siendo fieles a nosotras mismas, proyectemos al mundo nuestra mejor versión.

Anímate a identificarte como una mujer auténtica, única, llena de valor y segura de sí misma.

Ama tu identidad. Solo así podrás mostrarte tal y como eres.

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Segundo aspecto: La imagen externa: Comunicación

 ¿Cómo te muestras?

Durante un encuentro lo en primera instancia perciben los demás es nuestra apariencia física, nuestra imagen personal.

En cuanto conocemos a alguien nos hacemos una rápida impresión inicial de esa persona en breves segundos y sin ser muy conscientes de ello.

Todos asignamos características a los demás, muchas veces basadas simplemente en el aspecto físico o en los gestos que percibimos en esa crucial primera impresión.

Cada gesto, cada mirada, cada movimiento o cada color que vestimos constituye una señal que nos permite conectar consciente o inconscientemente con los demás.

Los gestos expresan una gran variedad de emociones, pensamientos, sensaciones. No son casuales, muestran nuestra personalidad, nuestra manera de pensar y sentir en determinado momento.

La imagen personal comunica a través de las expresiones del rostro, con el cuerpo, la voz, el lenguaje gestual, el aroma, la manera de escribir, la actitud, la indumentaria que vestimos con sus líneas, formas, colores y texturas.

 

imagen personal

 

La imagen interior se refleja en nuestro físico expresándose a través de la postura, los movimientos del cuerpo, del vínculo que tenemos con la alimentación y la actividad física, irradiando o no, una imagen personal saludable y vital.

El cuidado de la piel, el aroma que desprende tu perfume, la manera en que saludas, tu tono, timbre y volumen de voz, la forma que tienes de caminar, de sonreir, de lucir los accesorios con creatividad, forman parte de tu imagen personal.

Nuestra presencia habla en silencio. La superficie corporal constituye un soporte magnífico de comunicación ya que nos narramos alrededor de nuestro cuerpo.

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Con el cuerpo podemos contar una historia mientras la palabra cuenta otra. Esta comunicación silenciosa descubre nuestro Ser más profundo.

El lenguaje no verbal es muy poderoso como transmisor de mensajes. Con frecuencia, los mensajes no verbales tienen mayor impacto y significación que los verbales.

Con nuestra presencia comunicamos continuamente y lo hacemos a través de códigos.

El arte de vestir es un fenómeno que comunica: las telas y sus tonalidades, los diseños, estampados, peinados se consideran códigos. El objetivo  a la hora de respetarlos consiste en crear o mejorar la percepción a través de la vestimenta que llevamos con el fin de transmitir un mensaje claro.

Los códigos que transmite la imagen personal se reciben a través de los sentidos. Hay códigos de autoridad y de accesibilidad.

El código de autoridad comunica rigor, firmeza, poder, seguridad, control y se traduce en la indumentaria a través de colores oscuros como negro, azul oscuro, gris,  texturas lisas, trajes sastre, zapatos cerrados, buena cartera, collar de perlas, portafolio delgado.

Mientras que el código de accesibilidad comunica calidez, confianza, cercanía, sencillez, naturalidad, amabilidad. En las prendas se plasma a través de combinaciones de diferentes colores y texturas para faldas y pantalones, zapatos de diseño, accesorios diversos.

Durante un proceso comunicacional emitimos y recibimos múltiples mensajes que no siempre son expresados en palabras.

Interactuamos con los demás a través de distintos lenguajes que se manifiestan simultáneamente.

A la hora de comunicarnos es tan importante tener en cuenta lo “que” se dice, prestando atención al contenido, y también “cómo” se emite aquello que deseamos comunicar.

El entorno y los elementos que forman parte del proceso comunicativo decidirán la significación del mensaje.

El vestir constituye todo un sistema de signos, un lenguaje.  La vestimenta siempre significa algo, es esencialmente y desde sus orígenes un sistema de COMUNICACIÓN.

En todas las épocas históricas el hecho de transmitir quienes somos por medio de nuestras prendas y adornos, ha sido un factor tan importante como lo era el abrigo que proporcionaba el vestirse.

Nos vestimos por necesidad y también por deseo, para protegernos del clima y para expresarnos. Las prendas constituyen un lenguaje que nos brinda información sobre lo que nos rodea.

Queremos decirle algo a los demás a través de nuestra vestimenta.

imagen personal

Todo aquello con que adornamos nuestro cuerpo porta un mensaje sobre nosotras mismas. Día tras día, al vestirnos, nos describimos.

La ropa que nos ponemos a diario nos cubre y a la vez nos desnuda. Cada vez que elegimos nuestras prendas, vestimos nuestra personalidad, revelamos nuestro Ser, nuestra Identidad.

La vestimenta refleja lo que somos, lo que queremos ser, nuestras aspiraciones, nuestra imagen real, nuestra imagen ideal.

El cuerpo es sincero. El ser humano comunica con todo su Ser, incluso cuando no dice nada.

Cuando nuestra imagen personal refleja fielmente como somos, transmitimos un mensaje congruente y auténtico.

La autenticidad es el elemento fundamental para mantener una buena presencia a lo largo del tiempo y lograr una imagen personal atractiva, seductora, inolvidable, siendo esencial para dejar una huella indeleble.

La imagen personal de una mujer que domine el arte del vestir tendrá en cuenta a la hora de mostrar sus atributos; detalles como: el estilo personal, el cuerpo actual, la edad, el momento, el contexto, el tipo de evento al que asiste, ajustará las tendencias de moda según su personalidad y mostrará armonía y coherencia entre sus aspectos interior y exterior.

Se trata de que, siendo fieles a nosotras mismas, podamos proyectar nuestra mejor imagen personal, logrando que nuestra presencia cautive mucho más allá del aspecto externo  y que podamos irradiar atributos tales como carisma, energía positiva, entusiasmo, vitalidad, sensualidad.

Cuando trabajas con tu imagen potencias tu personalidad. La imagen personal es el complemento perfecto, la otra cara de tu personalidad.

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Conclusión

Tener en cuenta nuestra la imagen personal significa prestar atención a un aspecto fundamental de la comunicación humana, ya que en la era donde reinan las imágenes somos vistos antes de ser escuchados.

La imagen es fundamentalmente un resultado. Se trata de simplificar una parte de nuestra vida cotidiana pudiendo dar respuesta al eterno dilema ¿Qué me pongo?

Lo que implica descubrir y construir la imagen personal y el mensaje que queremos transmitir.

Es Comunicación, ya que  cada acto transmite una mensaje. La imagen es también percepción.

Si la imagen es percepción y de acuerdo a lo que percibimos, decidimos, entonces la imagen se torna crucial a la hora de tomar decisiones.

Ocuparse de la imagen personal no significa seguir fielmente los cánones de belleza impuestos o adoptar inmediatamente las tendencias de moda ni bien aparecen en escena.

La imagen personal y la industria de la moda son herramientas con las que contamos para conocernos, para jugar y sentirnos mejor con nosotras mismas, mientras emprendemos un camino de exploración y de expresión creativa de nuestra personalidad, de nuestra esencia más profunda.

imagen personal

La vestimenta actúa sobre el ser, hacer y parecer de las personas a través del sentido visual.

Lo fascinante de crear tu imagen personal reside en la capacidad de poder sumergirte en un trabajo de autoconocimiento para diseñar tu propio estilo, tu identidad estética eligiendo quién quieres ser y qué valores deseas transmitir.

Si las prendas que visten tu cuerpo acompañan una imagen personal verdadera, aparecerá como resultado el reflejo de tu esencia única, que resultará mucho más fascinante y seductora que cualquier silueta de líneas perfectas.

Nuestras prendas serán únicamente un accesorio adicional para embellecer las cualidades que llevamos dentro.

Una imagen personal que cautive tendrá como base un profundo trabajo de autoconocimiento y autovaloración.

La propia valoración y la actitud dejan huella en tu aspecto ya que como te sientes con vos misma, te proyectas.

imagen personal

Sin autoconocimiento no hay crecimiento personal.

Sin crecimiento personal no hay posibilidad de desamarrarse de identificaciones, juicios, creencias, miradas propias y ajenas, mandatos heredados.

Sin capacidad de desaprender y de soltar todo aquello que ya no nos representa, no podemos llegar a ser nosotras mismas.

El gran desafío será encontrarse y ser una misma en un mundo repleto de estereotipos que tratan de convertirnos en otra mujer.

Se trata de sacar a relucir tu mejor versión y marcar la diferencia. Las mujeres somos una por una, singulares y diferentes.

La femineidad será una cuestión de creatividad, una invención, una creación personal.

Cada una será o no consciente del deseo que la habita y de su construcción personal.

imagen personal

La belleza exterior puede resultar postiza o estereotipada si no se completa con la gracia interior.

La belleza interior perdería luz y brillo si no encuentra sustento en una imagen exterior armoniosa, atractiva y sensual.

La moda es arte, juego, creatividad, uno de los múltiples caminos para llegar al conocimiento personal.

Brinda la posibilidad de transformarnos continuamente, de re- crearnos sin dejar de lado la propia Identidad.

No tiene por qué alejarnos de nuestro Yo esencial ni permitir su falsificación.

La moda es un lenguaje, depende de nosotras ponerla a hablar.

La moda tiene un papel que jugar con la Mujer. La ayuda a SER.

imagen personal

 

“Se tú misma, los demás puestos están ocupados”

Oscar Wilde

 

Historia de la Moda: Siglo XX: Cambios en la Imagen y Silueta Femenina

Conoce de qué manera los diferentes cambios sociales impactaron en la vida y en el cuerpo de las mujeres en cada década del siglo XX.

 

“Para mantener la elegancia, camina con la certeza de que nunca estás sola.

La belleza de una mujer crece con el pasar de los años”

 Audrey Hepburn

 

historia de la moda

 

Moda significa uso, modo o costumbre nuevamente introducida.

La moda en Indumentaria es el resultado de un entrecruzamiento de varios factores: sociales, estéticos, psicológicos, económicos, enmarcados por la atracción hacia lo nuevo y la necesidad de transgresión.

La moda con toda su magia y encanto es efímera, en tanto que transmuta permanentemente. Fascina debido a la necesidad de cambio y transformación que tienen las personas.

Se caracteriza por la búsqueda intensa de la novedad y está marcada por un ritmo de breves espacios de duración.

Oscila entre la repetición y la diferencia de las prendas. Se recicla y el ciclo vuelve a empezar.

Según el momento y el contexto en que se viva, los códigos del vestir cambian cada vez a mayor velocidad. Y a esta dinámica la llamamos Moda.

Moda es la producción de vestimenta creada en serie según una tendencia anteriormente pautada y que se repite en grandes grupos de población.

La moda satisface la necesidad que tenemos de cambiar, de distinguirnos.

A través de la moda buscamos reafirmar nuestra Identidad, comunicar, seducir, agradar.

Existe una actividad que realizamos día tras día: Vestirnos.

historia de la moda

Al vestirnos realizamos un acto de Identidad y Comunicación.

Generalmente nos vestimos a primeras horas del día pensando en las actividades que realizaremos, y vamos adaptando la vestimenta según el esquema planeado para esa jornada.

La vestimenta constituye un lenguaje no verbal.

La presentación personal mediante signos no verbales es más inmediata que a través de la palabra. La vista llega antes que el discurso.

Somos vistos antes de ser escuchados.

Todo sistema de comunicación, incluida la vestimenta, suscita una respuesta inmediata según la manera en que el otro nos perciba.

Antes de que una persona pronuncie su primera palabra ya empezamos a tener una idea preconcebida sobre ella.

El vestido siempre habla y nos proporciona relatos que, en algunas ocasiones, revela más detalles de un otro que su propio lenguaje.

Nos comunicamos en todo momento a través de este lenguaje visual que permite mostrarnos a los demás de una manera creativa y con nuestro sello personal.

El cuerpo funciona como un soporte lingüístico. El lenguaje del vestir y sus complementos son muy expresivos.

historia de la moda

Nos vestimos para expresarnos y de esta manera aparece en escena la comunicación simbólica.

El vestido siempre significa algo, transmite variada información relacionada con la edad, el sexo, la cultura, la profesión, el grupo social al que se pertenece, la inclinación ideológica, la personalidad, momentos de alegría (como es el caso del traje de novia) o de dolor (el negro riguroso de luto) en la vida de una persona.

La vestimenta puede emplearse también para dar indicios sobre el nivel de disponibilidad sexual, el grado de poder, la rebeldía, la sumisión, el estatus social, las inclinaciones políticas.

El vestido es una construcción social y constituye una manera de mostrarse u ocultarse. Tiene su propio lenguaje, que utilizamos de manera consciente o inconsciente y suscita múltiples interpretaciones.

El estado de desnudez con que el ser humano nace, es el único momento de igualdad con sus semejantes.

La vestimenta constituye una manera de marcar la propia singularidad. Y, cuando lo consigue, decimos que esa persona tiene ESTILO.

Mientras la moda se compra, el Estilo se tiene. Está íntimamente conectado con nuestro Ser.

El estilo es un aspecto clave para saber si lo que somos coincide con los atributos que proyectamos.

La moda es intercambio simbólico comunicacional.

historia de la moda

 

BREVE RESEÑA DE LA HISTORIA DE LA MODA

 «Moda» hace referencia a un conjunto de comportamientos que reflejan los valores de una época.

Cuando algún cambio aparece en la sociedad, también cambia la vestimenta.

La moda cuenta el momento histórico en que se vive, muestra el espíritu de los tiempos que corren.

Desde el momento en que las clases altas francesas se vistieron “a la mode” es decir según el gusto francés para diferenciarse del traje español, esta palabra se emplea para designar cambios periódicos en el vestuario.

La moda se unió con las grandes manifestaciones del hombre. Hubo atuendos, uniformes, colores, que marcaron los momentos cruciales de la humanidad.

Pareciera ser que en los pueblos primitivos el deseo de engalanarse fue anterior a la necesidad de cubrirse.

Las grandes civilizaciones antiguas surgieron alrededor de los valles fértiles de los ríos Éufrates, Nilo e Indo; regiones tropicales, donde la protección contra el frío no pudo haber sido el motivo principal para vestirse.

La principal función del vestido sería la del adorno, la cual se relaciona con lo simbólico.

historia de la moda

El ser humano es social por naturaleza y su necesidad de adornarse aparece por la existencia de la mirada del otro.

La necesidad de protección y el sentimiento de pudor fueron otras de las principales causas que motivaron la cobertura de su desnudez. La vida en sociedad creará reglas que influenciarán sobre el modo de vestir.

La gente que habitaba en clima templado pronto descubre el uso de las fibras animales y vegetales. Tejer suponía un lugar fijo para instalarse.

Mientras que, la población que vivía cerca de los glaciares comenzó a cubrirse con pieles.

Esta forma de protección les impedía libertad de movimientos y además dejaba partes del cuerpo al descubierto. Por lo tanto, se hacía necesario darle una forma.

Aparece así uno de los grandes inventos de la historia de la humanidad: la aguja, lo que permitió coser unas pieles con otras y ajustarlas al cuerpo.

Se encontraron agujas hechas con marfil de mamut, huesos de reno y colmillos de focas en las cuevas paleolíticas.

Antiguamente, la forma más sencilla de cubrir el cuerpo con una tela era enrollándola alrededor de la cintura. Así nacía el sarong, la forma más primitiva de la falda.

El siguiente paso fue poner otro rectángulo de tela sobre los hombros. Egipcios, griegos y romanos usaron prendas de este estilo.

Las prendas “drapeadas” se convirtieron en  signo de civilización. Consistían en rectángulos de tela que se enrollaban o colgaban del cuerpo sin cortar.

Los griegos llevaban una túnica llamada chitón.

historia de la moda

Los romanos tomaron una prenda de los etruscos: la toga.

Era la prenda de las clases altas que requería una considerable destreza para enrollarla alrededor del cuerpo y, además, hacía imposible cualquier tipo de actividad física.

Hasta la llegada del Renacimiento y a lo largo de los siglos, se llevaron a cabo múltiples cambios de estilo en la forma de vestir.

Durante siglos la moda fue privilegio de la clase aristocrática.

El prestigio de la Corte de Versalles produjo en Europa la aceptación del dominio de Francia tanto en materia de moda como en otras áreas culturales. De ahí que los trajes de moda se considerasen como trajes franceses.

En este periodo aparece nuevamente el miriñaque. Las mujeres prefieren la amplitud corporal y la falda se extiende hacia los lados mediante varillas de mimbre, resultando imposible que dos damas pasaran por una puerta o que se sentaran juntas en el mismo carro.

Los modistos creaban pensando en la realeza y hasta existieron leyes suntuarias que impedían que los demás miembros de la sociedad llevaran determinados colores, texturas y adornos.

Todo lo que significaba “Moda” concernía a la clase dominante.

historia de la moda

Como todo profundo cambio social, la Revolución Francesa tuvo una gran repercusión en la historia de la moda. La nueva consigna a seguir sería “El Retorno a la Naturaleza.”

El cambio consistía en el abandono del estilo francés y en la adquisición de los trajes de campo ingleses. La nueva tendencia se dirigía hacia la simplicidad.

Cuando aparece en escena la burguesía, la moda pasa a ser el arte de vestir y adornar a la gente rica.

Se dice que la moda nace en el XVIII cuando se edita por primera vez el primer folleto de modas, el cual dictaba el aspecto que se debía llevar y la manera en que había que comportarse.

En el siglo XIX aparece en la historia de la moda la figura del dandy inglés.

Estos caballeros habían accedido a la educación de la aristocracia y sus amistades se encontraban dentro de esta clase social.

Llamaban la atención por su exquisita elegancia. El dandy proyectaba su imagen con una enorme capacidad creativa basada en la búsqueda de la propia diferenciación.

Era un creador de estilo. A un dandy se le recocía por el arreglo de su corbata, su sombrero y su bastón.

A fines de 1800 aparecen las casas de alta costura. Con ellas los diseñadores dejaron de ser subordinados y se convirtieron en artistas.

La historia de la moda reconoce a Frederick Worth como el primer diseñador de alta costura.

Otra figura destacada como creadora fue Coco Chanel.

Acortó los vestidos, eliminó el corsé, utilizó el jersey para la ropa de mujer (tela que anteriormente sólo se utilizaba para las prendas interiores masculinas).

Imaginó a una mujer libre, femenina, independiente.

Creó un estilo propio y lo impuso con éxito porque supo captar las necesidades de la época.

historia de la moda

 

LA HISTORIA DE LA MODA DURANTE EL SIGLO XX 

1910

 La época comprendida entre principios de siglo y la Primer Guerra Mundial se conoce como periodo Eduardiano.

En Francia se le denominó la Belle Époque. Se vivían momentos de gran ostentación y extravagancia donde abundaban los bailes, las cenas y las fiestas. Se gastaba mucho más dinero en vestuario.

Este ciclo de la historia de la moda se denominó “los últimos buenos tiempos de las clases altas” y los tonos de la indumentaria: rosa, celeste, malva pastel reflejaban este alegre optimismo.

El cuerpo de una mujer se adornaba con capas de encaje.

Las plumas hacían furor y los sombreros se adornaban con algunas de ellas al igual que las boas que lucían alrededor del cuello.

Los tejidos que llevaban las mujeres de la época eran principalmente el crêpe, el chiffon, la muselina y el tul.

historia de la moda

En 1910 se produce un cambio fundamental en el atuendo femenino.

Los suaves tonos se remplazaron por unos más estridentes, las faldas se estrechan, aparece el “cuello en V” que fue catalogado como una exhibición indecente.

Se publicó un decreto por el que se multaría a aquellas mujeres que llevasen “las faldas a más de tres pulgadas por encima de los tobillos”.

Paul Poiret cambia la silueta femenina presentando una moda que enfatiza la naturalidad.

La figura ideal en esta época tenía la forma de ánfora.

Surge una ola oriental en París por la llegada de los ballets rusos. Estos conceptos se trasladaron al vestuario que remitía al mundo de las odaliscas, el folklore ruso y el lejano Oriente.

historia de la moda

Otro aspecto llamativo de este periodo es la notoriedad que adquieren los traje sastre que se usarán frecuentemente durante la primera década del siglo y pasarán a ser un símbolo de la mujer trabajadora e independiente.

Durante el transcurso de la primera guerra mundial la mujer ocupó nuevos roles. Las damas de clase media comenzaron a trabajar como institutrices o secretarias y los complejos vestidos llevados hasta ese momento impedían la realización de estas tareas.

 

Si quieres sumergirte en la moda de la primera década del siglo XX,  puedes hacerlo a través de la película Titanic.

1920

Nace un nuevo Estilo de Mujer.

Las chicas se esforzaban por parecerse a los muchachos. Las curvas se ocultan, las mujeres jóvenes se cortan el pelo.

Desde Francia, la novela “La garcón” puso de moda el nuevo ideal femenino: mujer andrógina, de caderas estrechas, cabello corto, maquillaje, cara de niña, boca piñón, que fuma en público y maneja automóviles.

Las mujeres se adornaron con sombreros, plumas, flores, guantes largos.

La ropa deportiva se llevaba para los días de picnic, los paseos por el campo y para asistir a las carreras de caballos.

Usaban pantalones bombachos para andar en bicicleta. Jugaban al tenis y al golf con pollera y blusa.

En 1925 se impone la falda a la rodilla para bailar al ritmo del jazz.

El vestido Charleston se convirtió en un símbolo de distinción y sensualidad.

historia de la moda

Aparecen nuevos nombres en la historia de la moda de esta época, pero el más sobresaliente talento revolucionario de los años 20 fue indudablemente Coco Chanel, quien crea una nueva línea de ropa funcional y refinada para la mujer trabajadora y autosuficiente.

Al finalizar la guerra una mayoría optó por continuar con estos logros alcanzados por las mujeres, que cambiaron sus hábitos, sus costumbres y hasta su propia Imagen Personal.

Si quieres conocer aún más la historia de la moda de aquellos locos años 20, vívela a través de las películas de Clara Bow; “Los enemigos de la mujer”, “El pecado de volver a ser joven”.

 

1930

Época de crisis económica y el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

En este período las faldas se alargan, la cintura vuelve a su lugar. Aparecen los tejidos gruesos y los colores oscuros.

La ropa ofrecía Protección. Era el símbolo que anunciaba el retorno al paternalismo.

El ideal de mujer era una figura de piernas largas, hombros anchos, caderas estrechas personificado en la actriz Greta Garbo.

Las estrellas del cine eran las referentes de la moda. Marlene Dietrich introdujo el traje con pantalón.

La diseñadora Madeleine Vionnet impone el corte al bies con el objetivo de que las prendas tuvieran un mejor confort y que las mujeres sintieran los vestidos como una segunda piel.

La creadora Elsa Schiaparelli imprime un aire surrealista a la moda.

Aparece una femineidad tradicional y elegante.

Los modelos de la época permitían lucir la espalda y los vestidos de noche eran imponentes.

historia de la moda

En 1935 aparece la fibra de nylon. Los trajes de baño que anteriormente eran muy pudorosos cambiaron la línea y agrandaron el escote.

En el verano de 1939 un reportero de la revista Vogue comentaba: “Nada cambia tanto como la silueta».Cualquier mujer puede diferenciarse de su vecina en la forma de vestir. La única cosa que se debe tener en común es una cintura diminuta”.

Si quieres profundizar en la historia de la moda de la década del 30 puedes hacerlo a través de la película

“La alegre divorciada” con Fred Astaire y Ginger Rogers.

 

1940

Segunda Guerra Mundial.

La indumentaria en tiempos de guerra suele expresar cómo la vestimenta refleja el estado de ánimo de una sociedad.

Las mujeres participaban en misiones arriesgadas. El atuendo se vuelve funcional, rígido, debido a la influencia de los uniformes militares.

Los escasos recursos limitaron la cantidad de textiles para la confección de prendas de vestir.

Las faldas se acortan a la rodilla, se acompañaron con sencillas blusas de corte masculino.

Los pantalones eran holgados, las telas más resistentes.

historia de la moda

Luego de una enorme crisis, la moda a menudo tiende hacia el lujo y la nostalgia de épocas más benévolas.

Las mujeres anhelaban reemplazar los rígidos cortes masculinos por curvas femeninas y alegres faldas.

En 1947 Nace el New Look de Cristian Dior, y de su mano y su tijera regresa el glamour que resaltará las curvas de la silueta femenina.

Dior alegró las calles francesas con sus guantes, sus sombreros y sus faldas en forma de corola.

París se consagró nuevamente como el centro de la moda mundial.

Si quieres revivir la historia de la moda de la década del 40, puedes hacerlo a través de la película “Alma en suplicio”, con Joan Crawford.

 

1950

En tiempos de paz la moda retorna hacia el disfrute del lujo y la nostalgia de otras épocas.

La vestimenta elegante y femenina va a dominar este período de la historia de la moda junto con el surgimiento de los valores burgueses y la vuelta a los roles tradicionales de cada sexo.

La mujer nuevamente será el sostén emocional de la familia y la vidriera que mostrará el éxito económico de su marido.

La vestimenta vuelve a mostrar glamour. Las damas lucen su silueta con faldas amplias, en forma de corola, de flor.

Se impone el strapless, el vestido de cóctel, el taco aguja, los guantes y sombreros.

Nace el prét a porter (ropa lista para usar) y la producción de prendas en serie.

A partir de 1950 se produjeron cambios en la vestimenta que modificaron los hábitos y costumbres de la sociedad; surgen el jean, la minifalda, la ropa deportiva.

Fuera de París se estaba tramando una joven revolución. Las chicas querían una moda para ellas.

historia de la moda

La demanda de ropa joven fue muy grande. Cuando la diseñadora Mary Quant abrió su tienda percibió la necesidad que había de diseños juveniles.

Durante la década del 50 los jeans se convirtieron en la prenda de vestir de los “chicos malos de Hollywood”, representados en la piel de Marlon Brando, James Dean y Elvis Presley.

Adoptaron esta prenda como pieza cotidiana de su guardarropa transformándose en un símbolo de rebeldía.

El jean es la prenda más legendaria en la historia de la moda y la más duradera.

Su origen se remonta a mediados del siglo XIX con Levi Strauss, un inmigrante que se estableció en San Francisco atraído por la fiebre del oro.

Inicialmente abre su propia tienda de venta de lona para confeccionar carpas y toldos para las carretas.

Ante la escasez de ventas advierte que lo necesitaban aquellos hombres eran pantalones fuertes para soportar el trabajo en las minas. El éxito fue rotundo y la aceptación inmediata.

La palabra jean proviene de Génova, ya que de este lugar era traída la tela, una dura y resistente lona con la que se confeccionaron los primeros pantalones.

Más tarde, se sustituyó la lona por un tejido de sarga en algodón de gran calidad a la hora de teñir. Era la Sarga de Nimes, hoy conocida como Denim.

Al jean se le añade un último detalle: remaches en los puntos de tensión; pequeñas piezas metálicas en las esquinas de los bolsillos o en la base de la bragueta.

Así el mercado del jean se fue ampliando hacia los granjeros y vaqueros.

Durante la década del 60 y 70 los vaqueros se convirtieron en símbolo de igualdad. Lo usaban los negros, los blancos, los pobres, los ricos, los hombres y las mujeres.

historia de la moda

Era una prenda tan aceptada y universal que trasciende todas las barreras de geografía, de clima, de género, de preferencia sexual y hasta de clase social.

El jean ha sobrevivido a los cambios de contexto social, cultural, político, económico y se ha convertido en uno de los pocos testigos de la historia de la moda que existen.

Zambúllete en la historia de la moda de los años 50 a través de la película “Rebelde sin causa” con James Dean y Nathalie Wood.

 

O también puedes sentir el espíritu de la década del 50 con la película “Funny Face”, con la inolvidable Audrey Hepburn.

1960

Luego de una época marcada por la postguerra, el consumismo y el modelo de vida familiar norteamericano, aparece la rebeldía.

La juventud irrumpe como el nuevo ideal de la sociedad y se subraya la protesta también a través de la ropa.

La cultura joven aparece representada en todos los ámbitos de la vida y se transforma en un gran sector consumidor.

En San Francisco surge el movimiento hippie que influenciará en la historia de la moda de esta época.

Proclamaban la no violencia, el amor, la libertad y se opusieron a la guerra de Vietnam.

historia de la moda

Durante la década del 60 la moda se centró por primera vez en los adolescentes. Perdió su carácter elitista convirtiéndose en un fenómeno de masas.

Se impuso un estilo de vestir sexy influenciado por Elvis Presley y las estrellas del cine.

Aparecieron fenómenos artísticos como el op art, el pop art, la psicodelia.

Para los diseñadores el cuerpo era un objeto de diseño, un lienzo en el cual podía plasmarse cualquier idea creativa.

El ideal de mujer consistía en una imagen aniñada, con ojos grandes y figura adolescente. La silueta era una mezcla de inocencia, inexperiencia, inapetencia.

Se llevaban diseños geométricos sobre una silueta rectangular, los escotes bajos, el cabello batido, las pestañas postizas.

Cambiaron las líneas curvas de los años 50 por las líneas rectas.

Twiggy (ramita) era la modelo a seguir.

La colección de André Courrèges hizo furor con su ropa de la era espacial. Diseñó un estilo futurista.

historia de la moda

Londres se convertía en el lugar donde el mundo centraba toda su atención y allí la diseñadora Mary Quant entró en la historia de la moda causando sensación con la presentación en sociedad de la minifalda, una pieza diminuta que terminaba quince centímetros por encima de la rodilla.

En 1964, Mary Quant mostró por primera vez la prenda que se convirtió en fetiche y símbolo de la década del 60.

En ese momento las mujeres querían ser libres; y mostrar las piernas significaba el deseo y la aspiración de libertad e igualdad que ellas perseguían.

Se crea además en este período la moda unisex, basada en la similitud de diseños, queriendo de esta manera demostrar la necesidad de tener igualdad de oportunidades.

Regálate una tarde de cine y revive los felices años 60 a través de una película clásica en la historia de la moda como es “Desayuno en Tiffany’s”, con Audrey Hepburn.

 

1970

La moda se convirtió en esta época en un medio para expresar las opiniones personales, romper con lo establecido y transmitir una nueva conciencia sobre el cuidado del medio ambiente.

Era una década alegre retratada en la película “Fiebre de sábado por la noche”, con John Travolta y la música de los Bee Gees.

La vestimenta hippie tendrá gran influencia en la moda de esta década, basada en conceptos de culturas indígenas, africanas y orientales.

Aparece la naturalidad en las prendas. Se usa el jean de noche y de día. Los pantalones se ajustaron aún más al cuerpo.

Las mujeres lucen con estampados grandes, el sastre pantalón, el look gitano, las plataformas altas de corcho, los pantalones oxford, el estilo folk y campestre.

historia de la moda

La moda disco se plasma también en la vestimenta que se inunda de brillos y flecos.

La actriz Farrah Fawcett impone la piel bronceada, el cuerpo atlético y el peinado salvaje, natural.

Yves Saint Laurent representa al diseñador de la década. Crea y presenta el smoking para la mujer.

Uno de los fenómenos interesantes en la historia de la moda de los años 70 fue la popularidad que alcanza la ropa punk y sus peinados, ya que de ser en sus orígenes la vestimenta que llevaban las pandillas, se convierten en el último grito de la moda.

Estados Unidos surge en este momento como centro productor de tendencias.

Por primera vez los modistos americanos dirigen la moda. Calvin Klein, Ralph Lauren y Perry Ellis eran algunos de los creadores de esta década.

Baila un día al ritmo de la historia de la moda de los años 70 a través de la película “Fiebre de sábado por la noche”, con John Travolta.

1980

La naturalidad de la década del 70 se pierde en esta época con el surgimiento del culto al éxito social y económico.

Se impone la idea de vestirse para tener Éxito.

Los jóvenes ejecutivos (yuppies) hicieron del consumo de moda un culto al estatus.

La imagen ideal era la de una mujer profesional, musculosa, ambiciosa, que triunfaba tanto en su vida personal, como en su vida laboral y social.

Las grandes hombreras destacaban la silueta significando la búsqueda de igualdad de oportunidades.

Las mujeres llevaban las faldas cortas, las chaquetas ajustadas, la ropa interior que asomaba hacia el exterior, los cinturones gruesos, las calzas con tacos.

Durante los años 80 cambiaron los hábitos, dirigiéndose hacia el cuidado de la salud y el cuerpo modelado.

La actriz Bo Derek con la película “10, la mujer perfecta” inauguró la obsesión por lucir una silueta firme, tonificada.

Jane Fonda popularizó el ejercicio aeróbico en los programas de televisión.

El auge del surgimiento de los gimnasios generó el nacimiento de una moda específica para llevar durante el tiempo libre.

En cuanto a la música, se destaca la cantante Madonna, el pop, las melodías de la película Flashdance.

Aparecen en esta década varios grupos musicales de estilos diversos.

Los punks se sentían marginados por la sociedad y respondían con agresividad a través de su vestimenta, adornos y comportamiento.

En estos años, comienza la era del consumo en los grandes centros comerciales o shoppings, que despliegan toda una estética de lujo representando un escenario ideal para desear y comprar.

historia de la moda

 

Sumérgete en la historia de la Moda de la década del 80 a través de la película “Secretaria Ejecutiva”, con Melanie Griffith y Harrison Ford.

 

1990

En esta década la austeridad volvió a ser un Valor.

Aparece el estilo minimalista en la vestimenta que simplificó las formas, texturas y estampados. Se lleva en la Imagen Personal una estética despojada de adornos.

El jean uniformó a las mujeres de todas las edades.

Es el reinado de las súper modelos, los cuerpos light. Muy delgados y definidos.

Los avances en la tecnología textil permiten durante los años 90 nuevos desarrollos en la creación de texturas para la confección de prendas de vestir.

A medida que se profundiza la globalización económica y cultural, surge la necesidad de encontrar una Identidad tanto a nivel individual como regional.

Dos conceptos cierran la historia de la moda del milenio: por un lado, se encuentra el glamour nutrido por el espíritu de otros tiempos y por el otro lado, vemos la moda funcional.

Durante el siglo XX el arte de vestir no se caracterizó por marcar principalmente la distinción social, sino que lo que sobresalió fue el cambio permanente.

De esta manera las casas de alta costura tuvieron que dar paso a la producción industrial o prét- a-porter (listo para usar).

No se realizaban creaciones de moda para un grupo minoritario. Se diseña y se produce para todo el mundo.

historia de la moda

El siglo XX significó el cambio continuo. Se lo ha denominado  “El siglo de las masas” porque enmarcó las necesidades humanas en lo colectivo.

Su cualidad fue la Universalidad. Fue el siglo de la estética, la producción seriada y el consumismo.

La moda ya no representaba un conjunto de símbolos de diferenciación sino más bien de unificación. Un francés, un italiano, un mexicano o un argentino comparten códigos similares a la hora de vestirse.

Puedes capturar la esencia de la historia de la moda de los años 90 a través de la película “Mujer bonita”, con Julia Roberts y Richard Gere.

 

2000

Es la época del “Vale Todo”

La moda actual es más democrática, alejada de cualquier concepto tiránico. Todo está permitido.

Es la época del individualismo, del eclecticismo. Surge la moda como espectáculo, aparecen en escena una gran diversificación de estilos de indumentaria.

Vivimos en un mundo globalizado y audiovisual donde lo más importante en cuestión de Imagen Personal es ser visto e impactar.

En el inicio de este nuevo siglo nace una moda de la calle. Los jóvenes son los protagonistas a la hora de crear.

Los Cool Hunters o cazadores de tendencias detectan pistas sobre los estilos y conceptos que surgen. Miran, oyen, perciben, sienten, prueban con diferentes propuestas.

Todos los conceptos innovadores son registrados. Su trabajo se basa en la investigación y la observación.

Las nuevas tendencias tienen un universo a su disposición dispuesto a aceptar propuestas de indumentaria cada día más revolucionarias.

Hoy los consumidores digitales tienen fácil acceso a las pasarelas virtuales.

historia de la moda

En este movimiento constante, todo se rescata. Conviven el estilo clásico y el diseño vanguardista. Se mira al pasado y a la vez hacia el futuro.

Las mujeres se liberan de los estereotipos del pasado y descubren su Estilo Personal. Aparece la necesidad de construir una Identidad definida.

El nuevo ideal de belleza consiste en un mix racial. Crece a pasos agigantados la participación de la mujer en la esfera pública.

Todas las décadas del siglo XX están presentes en la moda actual, configurando un estilo retro permanente y constantemente actualizado.

Ante tanta diversidad de estilos con que contamos para experimentar, el gran desafío consiste en no perder la capacidad de elegir ni la propia Identidad, ya que es la llave que permite a una mujer exhibir una Imagen Personal que cautive.

El siglo XXI evoluciona hacia una ética de respeto al individuo, hacia el diseño personalizado y la libertad a la hora de crear.

En esta época se multiplica la figura del “diseño de autor”.

Se trata de un diseñador de Indumentaria que resuelve necesidades a partir de su propio estilo personal e inspiración, sin seguir las tendencias que se imponen desde los centros productores de moda.

Estos creadores ocupan un lugar cada vez más importante en el sector, debido a la forma innovadora de plasmar conceptos e identidades.

Pueden enlazar en una misma propuesta de diseño diferentes técnicas, materiales y medios para enfatizar los conceptos que desean comunicar.

Subrayan la originalidad y la creatividad a la hora de dibujar nuevas formas, experimentan con diferentes tipologías, colores y estampas, incorporan conceptos de otras culturas y emplean tanto técnicas artesanales como industriales.

historia de la moda

Retratan a sus clientes según sus gustos e intereses.

La característica fundamental del diseño de autor es el desarrollo de conceptos que surgen de la propia inspiración y que representan la base para plasmar sus ideas de diseño.

Incorporan una mínima parte de las tendencias que imperan, con el objetivo de ofrecer propuestas de prendas que se llevarán en la sociedad actual.

Al ocupar hoy la moda un lugar diferente al que tenía en otras épocas, las nuevas formas de vestir ya no arrojan a las personas a competir agresivamente por la exhibición de la clase social a la que se pertenece, sino por lograr reconocimiento y admiración por el estilo de vida que se lleva.

Aunque algunas personas todavía apuestan al “parecer” al momento de proyectar su Imagen Personal, en este nuevo contexto hace su aparición fuertemente el “Ser”, o sea la exhibición de un “Yo” que utiliza su propio cuerpo como soporte de símbolos y lugar de Identidad.

historia de la moda

El espacio central que antiguamente tenía la palabra para explicar y comprender el mundo que nos rodeaba, pierde en esta época ese sitio de privilegio para dar lugar al poder de la IMAGEN.

Así, cada persona podrá, si puede, si se atreve, a poder ser ella misma, a proyectar de manera auténtica una Imagen Personal que va a construir paso a paso, según los dictados de su propia Singularidad.

 

“La filosofía del vestido es la filosofía del hombre.

Tras el vestido se oculta toda la antropología»

G. Vander Lew

 

¿ Con qué década de la historia de la moda del siglo XX te identificas más?

 

historia de la moda

 

Conoce un poco más sobre la Historia de la Moda con el programa » Todo tiene un por qué.

¿Por qué usamos ropa?

Junto a varios exponentes, nos preguntamos sobre la ropa, su historia y evolución. De qué se habla cuando decimos moda y como llevamos lo que nos ponemos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Diseño Argentino: Los caminos hacia la belleza y el diseño de la silueta

Indumentaria y Diseño: Lenguajes que hablan de sucesos del pasado,  del presente y del futuro

Conoce las propuestas de 10 diseñadores argentinos que trabajan con maestría formas, volúmenes, colores y novedosas texturas que delinean el cuerpo de una mujer.

 

“La moda es como la arquitectura. Todo depende de las proporciones”

(Cocó Chanel)

 

Resulta innovadora la labor que permite plasmar ideas inspiradoras sobre el papel para transformarlas luego en prendas de vestir o accesorios.

Los diseñadores son capaces de imprimir en la vestimenta un concepto que logró motivarlos.

Son agentes propulsores del cambio, artistas que crean piezas de vestir.

La idea creativa, la personalidad del diseñador, las tramas que envuelven el cuerpo, son aspectos fundamentales que configuran el mundo de la moda.

El arte, los tonos de la naturaleza, la literatura, la cultura, los movimientos sociales, las percepciones que nos impactan en las ciudades, han servido como disparadores de ideas conceptuales de diseño, materia prima fundamental para quienes se encargan de vestir cuerpos, momentos y épocas.

Cada diseñador logra intervenir con las pinceladas de su propia personalidad a las prendas que crea.

No sólo delinea una tela o una textura, sino que graba el sello de quién es, y así encontrará respuesta en todas aquellas mujeres que se identifican con su estilo de diseño.

diseño

Los diseñadores de indumentaria son creadores cuyas obras están estrechamente vinculadas con los sucesos históricos.

La vestimenta puede narrar con su propio lenguaje no verbal los cambios sociales que se produjeron en determinada época. Cada década, especialmente durante el siglo XX tuvo su reflejo en la manera en que la gente se vistió.

La creatividad, como compañera inseparable a la hora de plasmar un diseño, exalta la capacidad que anida en las personas para transformar el medio en el cual viven, trascendiendo las circunstancias actuales para lanzar propuestas hasta entonces no concebidas.

Los diseñadores tienen la posibilidad de integrar en su proceso proyectual una multiplicidad de recursos que atañen tanto a aspectos culturales, geográficos como económicos, impulsando y dando visibilidad a su región, abriendo de esta manera nuevos caminos en los escenarios más diversos y pintorescos del territorio argentino.

La identidad de un diseño aparecerá en los lazos que se forman a partir de un diálogo visual entre conceptos, colores, volúmenes y texturas que dan origen a la categoría “Diseño de autor”.

La impronta personal, el sello del creador ganará protagonismo como un rasgo que agregará identidad e impacto al diseño.

Diseño de autor hace referencia a la actividad proyectual que genera prendas con detalles de originalidad naciendo de la inspiración a partir de los colores y texturas que aparecen en la geografía y en la cultura de una región.

El lenguaje de diseño aparecerá a través de los diferentes entramados de hilos que conforman los tejidos, la construcción y ensamblado de las piezas, las pinceladas de colores y los conceptos simbólicos que secretamente encierra cada prenda.

Esto significa que el diseño de autor no está influenciado por las tendencias de moda que aparecen cada temporada, sino que busca crear productos diferentes sin perder de vista la función principal de cada prenda, por ejemplo; abrigo para un tapado de paño, protección para un trench impermeable.

 

diseño

 

Argentina es un país extenso conformado por una multiplicidad de colores, texturas, climas, flora y fauna.

La geografía argentina con sus colores, sonidos, aromas, formas y texturas alienta percepciones que encuentran su manera de expresarse en una labor de diseño creativa, apasionada y desafiante.

Un territorio en donde también cobran vital importancia los símbolos que son parte del patrimonio cultural de un lugar, ya que esos paisajes marcan de alguna manera a quienes los habitan.

Sus caminos nos permiten transitar por zonas selváticas y por planicies áridas, subir hacia las altas cumbres montañosas para luego descansar en los verdes bosques.

En la parte de la Mesopotamia y el Noreste, donde la vegetación se caracteriza por ser exuberante predominan los tonos frescos entre los cuales se destacan toda la gama de verdes.

Hacia la región del Noroeste la paleta incorpora los colores tierra, tostados, ocre y amarillo oro.

En el centro del país el amplio paisaje pampeano aporta tonalidades beige y verdes claros que se fusionan con colores celestes pastel y blanco.

El escenario sureño se caracteriza por sus pinceladas de tonos marrones que se fusionan con el verde intenso de la cordillera, el azul profundo de la costa atlántica, el blanco níveo y el celeste helado de las altas cumbres.

La vegetación exuberante y frondosa se plasma en un diseño a través de texturas complejas, mientras que los creadores inmersos en una vegetación más árida trabajan con tejidos simples, de apariencia rústica.

El color es el rasgo más llamativo que permite que un diseño logre un alto impacto y que pueda ser asociado con uno de esos paisajes naturales.

 

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La madre tierra ofrece también abundantes materiales nobles como es el caso de las fibras vegetales, las fibras animales y cueros para materializar un diseño.

Entre las fibras animales que desde tiempos antiguos fueron utilizadas para la producción de prendas de vestir, encontramos los delicados hilos extraídos de camélidos como llama, alpaca, vicuña y guanaco que darán origen a tramas de gran calidez.

Los diseñadores son sensibles al contacto con las telas percibiendo características como suavidad, aspereza, flexibilidad, rigidez, caída, opacidad, brillo, transparencia, durabilidad, entre otras características, que guían sus procesos creativos.

Las tramas, los hilados guardan secretos de antaño, relatos que invitan a develarse y a decodificar símbolos que trascienden el tiempo.

El textil atesora un gran poder simbólico provisto por las culturas ancestrales que habitaron estas tierras.

Los materiales se integran con conceptos estéticos y simbólicos junto con la habilidad creativa que tengan los creadores para lograr como resultado final prendas innovadoras.

Actualmente los aspectos industriales en la construcción de las prendas se fusionan con la sabiduría de las técnicas artesanales.

La manera en como la urdimbre y la trama se entrelazan para dar origen a un textil generará efectos visuales diversos.

Sobre la superficie de los tejidos se pueden aplicar diferentes procesos y acabados que terminarán por definir su aspecto final.

Los tratamientos sobre un tejido permiten un abanico de posibilidades de diseño a través de la aplicación de técnicas de producción que combinan materiales y símbolos diversos.

 

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Las ciudades también se convierten en una fuente inagotable de referencia para los diseñadores: el barrio y su gente, los rincones pintorescos que ofrece cada ciudad, la arquitectura, las expresiones populares, los colores, sonidos y aromas suspendidos en el aire, los hábitos, pasiones y complejidades, la historia y el arte se cuelan en el lenguaje de diseño.

La vida cotidiana de los habitantes cosmopolitas, las historias entretejidas en las calles y las expresiones artísticas, son referencias a experimentar para muchos diseñadores.

Los entornos urbanos se caracterizan por una enorme mezcla de estilos.

Se puede asociar a la ciudad de Buenos Aires con las tonalidades vinculadas a los edificios inmensos donde predominan los grises en sus diferentes gamas.

La sobria arquitectura de los pueblos originarios, los edificios coloniales, la huella de los inmigrantes europeos, los suntuosos palacios de estilo francés, los edificios inteligentes, entre otros, nos permiten pensar a las ciudades como fuente de gran inspiración para lograr recursos aplicables al diseño de indumentaria.

La sensibilidad del artista se relaciona con la capacidad de observar, de relacionar conceptos, de dialogar con el medio.

En cada territorio cada prenda fue pensada, sentida, creada según el escenario que influyó en la percepción de su autor.

Cada prenda afirma su identidad territorial.

La atracción que despierta la naturaleza abre caminos inspiradores a los diseñadores que habitan en las diferentes regiones de Argentina donde la diversidad es una constante.

Esa capacidad de recepción y asimilación de lo diferente es constitutiva de la cultura argentina.

La identidad se vislumbra en la diversidad de orígenes, tradiciones y saberes culturales que conforman la argentinidad.

La lectura de las prendas desde una visión geográfica y territorial es uno de los posibles caminos para leer los relatos que la vestimenta propone.

Cada época, cada generación hace surgir el talento de jóvenes diseñadores que crean y visten Identidades.

 

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10 Diseñadores argentinos que dibujan con extraordinaria creatividad la silueta femenina proponiendo nuevas formas, tonalidades y texturas

 

ALISE

La inspiración de Alicia Seoane, creadora de la firma Alise, se nutre de la ciudad y su arquitectura para crear una novedosa propuesta de diseño y también observa la naturaleza, especialmente las flores.

La diseñadora expresa su creatividad sobre una superficie textil imprimiendo formas que luego darán origen a diferentes piezas de indumentaria.

Egresada de la carrera de Artes Plásticas y Arquitectura, plasma dibujos abstractos a través de la técnica de serigrafía artesanal y tejidos Jacquard.

En la obra de Alise se destacan especialmente las gamas de colores, la superposición de figuras geométricas de diferentes tonos y la utilización de la cara interna de los tejidos generando un juego de diseño entre el derecho y el revés de una prenda.

Las siluetas son trabajadas a partir de moldes sencillos y lánguidos con énfasis en los estampados.

En su paleta de colores predominan preferentemente los grises y negros.

 

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CORA GROPPO

Diseñadora de Indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires.

Moldea sus prendas directamente sobre el maniquí, teniendo como eje de referencia su intuición y espontaneidad a la hora de plasmar su propuesta de diseño.

La técnica que utiliza consiste principalmente en experimentar con la forma de la vestimenta a partir de los contornos del cuerpo.

Explora tipologías diversas a través de una molderia de vanguardia.

En sus piezas se destacan las variaciones de volúmenes y largos, las estructuras de diseño envolventes, la superposición de capas, los plisados, frunces y recortes geométricos que dan como resultado prendas de diseño totalmente innovadoras.

Sus intereses adicionales pasan por el arte, la naturaleza y la fotografía.

Las colecciones proyectan un estilo urbano, austero y femenino con acento en los colores neutros.

Su propuesta de diseño consiste principalmente en el desarrollo de la forma de las prendas imprimiéndoles su inconfundible sello personal.

 

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GARZA LOBOS

Constanza Von Niederhausern y Rubén Troilo son el dúo creativo al frente de la firma de diseño Garza Lobos.

Su técnica de expresión se caracteriza especialmente por el desarrollo de la forma de la vestimenta y la experimentación con los textiles.

Las prendas desdibujan sutilmente la silueta y la desestructuran dando como resultado formas abstractas.

Sus piezas de diseño se destacan por oscilar entre figuras rígidas y orgánicas, por contornos fluidos e irregulares, planos que se curvan y variaciones de proporciones que señalan una fuerte atracción por las formas escultóricas.

La textura que caracteriza su estilo de diseño es el marmolado (efecto logrado mediante una técnica japonesa de teñido a base de un hongo) a la que se le suman lavados, estampas e intervenciones diversas sobre la estructura de los tejidos.

Los conceptos estéticos que surgen de sus colecciones de ropa rememoran las formas arquitectónicas, el arte y la decoración de interiores.

 

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JUANA DE ARCO

Mariana Cortés, diseñadora de Indumentaria egresada de la Universidad de Buenos Aires, fundó la firma Juana de Arco.

Su estilo personal fusiona el diseño, el arte y el trabajo artesanal.

Su inspiración surge a partir de la observación de la naturaleza, el conocimiento de las tradiciones, los valores latinoamericanos.

En la construcción de sus prendas integra recursos industriales con labores artesanales que le aportan identidad a su marca.

Retoma el trabajo artesanal a través de la técnica de atar nudos y colocar detalles en la vestimenta que será confeccionada a partir de materiales autóctonos como la lana.

El patchwork, la principal técnica que utiliza, le permite lograr combinaciones creativas al experimentar con múltiples colores, telas y avíos.

Reinterpreta tipologías de prendas, formas y texturas. Superpone piezas, varía de largos y juega con las asimetrías.

En sus prendas de diseño aparecen accesorios diversos como pompones, flores, cintas, lentejuelas, puntillas, ribeteados en diversos materiales, creando de esta manera variadas e inéditas texturas que acompañan a una paleta de colores saturados y vibrantes.

 

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MANTO

La identidad de la marca se originó a partir de los viajes realizados por Clara de la Torre y Diana Dai, sus creadoras, a la región del noroeste argentino, donde las características del lugar, su gente y su cultura fueron vitales para delinear un proyecto de diseño que revaloriza las técnicas de tejido.

Manto proviene de la voz quechua Anaqmanta que significa “del Cielo, de arriba”

Es una palabra que aún se escucha en los pueblos andinos que atesoran el arte textil como una técnica de trabajo y de construcción de su identidad.

Utilizan la técnica artesanal de tejido de lana en telares manuales incorporando además materiales y técnicas no convencionales.

Las diseñadoras integraron en sus piezas de diseño conceptos relacionados a la actividad urbana y a la naturaleza andina junto con los textiles y los estampados.

Las imágenes abstractas realizadas en serigrafía aportan originalidad a cada diseño, destacándose especialmente por el corte, la forma asimétrica y la construcción de las prendas a partir de la sastrería.

Cada diseño encierra la intención de albergar las historias de los artesanos de la Puna respetando su sabiduría ancestral, hábitos y costumbres.

 

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MARINA GRICYUK

Licenciada en Bellas Artes egresada de la Universidad Nacional de Rosario y con una formación autodidacta en la creación de vestuarios para teatro y cine, Marina Gryciuk confecciona prendas que enlazan conceptos, materiales y estéticas provenientes del mundo del arte y del diseño.

Su propuesta se basa en la resignificación de la materia prima, utilizando desechos textiles y materiales no convencionales.

En sus creaciones explora profundamente el universo textil entrecruzando diversas técnicas artísticas.

Mezcla telas, cueros, plásticos, papeles, bolsas de nylon y cintas, siempre buscando un equilibrio entre la funcionalidad y la estética.

De esta manera crea intensos contrastes de texturas acompañadas de paletas de colores saturados.

Con su trazo singular delinea ropa, objetos para el hogar, accesorios y joyería.

Genera así una propuesta de diseño que dialoga continuamente con el arte.

 

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MIN AGOSTINI

Formada en Arquitectura, Min Agostini se dedicó al diseño de Indumentaria con el objetivo de plasmar en su propuesta proyectual el concepto “envolvente”

Experimenta con las telas directamente sobre el cuerpo de una mujer a modo de escultura.

Su propuesta de diseño se caracteriza por tener escasas costuras, asimetrías, interacciones entre planos y volúmenes.

Los moldes geométricos y los textiles rígidos le permiten generar formas innovadoras que originan detalles en las prendas como plisados, drapeados, arrugados y recogidos que modifican el vínculo entre el cuerpo y el espacio con el objetivo de crear novedosas siluetas.

 

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PAULA LEDESMA

Graduada en diseño de Indumentaria y textil en la Universidad de Buenos Aires.

Delinea con destreza la figura humana y observa además la naturaleza en busca de conceptos de diseño que más tarde sintetizará a través de dibujos abstractos.

Sus prendas se asemejan a esculturas, donde la forma de una pieza va más allá de su característica funcional generando así una vestimenta de impacto.

Algunos de los recursos estéticos que utiliza para su propuesta de diseño son los contrastes entre líneas puras y envolventes, torsiones, volúmenes y planos textiles, variaciones en las proporciones, asimetrías.

Sus diseños amplían los límites de la anatomía humana proponiendo diferentes tipologías de prendas.

De esta manera se originan nuevas formas que destacan la silueta femenina.

Utiliza hilados de su propia manufactura en materiales como alpaca, lana, seda y una amplia variedad de mezclas textiles.

La paleta de color varía según la inspiración que rige cada colección, utilizando principalmente los tonos neutros.

 

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PABLO RAMIREZ

Contar historias a través de las prendas es el objetivo principal de Pablo Ramírez, diseñador de Indumentaria egresado de la Universidad de Buenos Aires.

Su singular propuesta de diseño tiñe las pasarelas de una atmósfera teatral y dramática.

Su inspiración se nutre de conceptos provenientes de temáticas como la inmigración, la educación, los grupos sociales, los usos y costumbres de la cultura argentina.

Desarrolla piezas de diseño confeccionadas a partir de cortes y estructuras complejas que llevan la impronta nostálgica de tiempos pasados.

La moldería utilizada en la construcción de sus prendas cobra importancia ya que utiliza recursos y métodos que provienen de la sastrería tradicional.

Las siluetas que propone este diseñador son atemporales, con énfasis en la oscuridad del tono negro acompañado por texturas naturales.

 

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SECO

Verónica de Miero es la responsable creativa y mentora de esta firma que continúa su expansión a través de piezas confeccionadas en punto para lucir durante los días soleados.

Pensada en su origen como una marca de paraguas, Seco se fue transformando con el correr del tiempo en un concepto de diseño especializado en prendas para llevar durante los días de lluvia.

Esta propuesta de diseño de autor se destaca por reinterpretar el estilo clásico, utilizando materiales impermeables como plástico, goma, PVC, o interviniendo una superficie textil de algodón con tratamientos de teflón, resinado.

Las prendas exhiben una amplia gama de colores saturados donde predominan los estampados florales y los patrones geométricos junto a dibujos que aluden al pronóstico del tiempo.

Los accesorios que acompañan esta colección incluyen botas texturizadas, gorros y bolsos impermeables, paraguas diversos con estampados novedosos y mangos con inspiración antigua adornados con lentejuelas o brillantina.

 

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CONCLUSIÓN

El propio discurso estético es lo que cada diseñador vuelca en su obra conformando un singular lenguaje de diseño.

Los diseñadores argentinos realizan antes de plasmar su propuesta creativa sobre una superficie textil una incansable tarea de observación, asimilación y transformación de las percepciones que reciben de su entorno geográfico y cultural.

Como relatos visuales inspirados en un territorio, el diseño de autor transciende su aspecto material para convertirse en un discurso que revela la pertenencia de una prenda a un espacio y tiempo determinados.

La innovación a partir del uso de las tecnologías actuales, la necesidad de trascender la escasez de recursos y el interés por expresar los diversos significados que llevan las prendas encuentran su cauce en el desarrollo continuo de la creatividad de los artistas.

Los escenarios donde los diseñadores desarrollan su actividad son referencias importantes de su lenguaje de diseño e influyen en las características simbólicas, estéticas y funcionales de las prendas.

 

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La vestimenta nos permite expresar todos aquellos aspectos que conforman nuestra Identidad brindándonos la oportunidad de expresar a través de cada pieza que llevamos nada más y nada menos que quiénes somos.

La lectura de los signos que portan esas prendas constituyen una invitación a explorar en la comunicación y en el lenguaje de la moda.

El desafío del diseño de autor argentino consiste en lograr como resultado final una vestimenta de carácter atemporal, ideal para ser heredada.

Sólo se heredan aquellas pertenencias que no pierden su función principal, su valor estético, simbólico, ni sus sentimientos asociados.

Indagar, explorar en las múltiples posibilidades que existen para lograr un diseño y crear nuevas propuestas de vestimenta inspiradas sobre todo en la diversidad, resulta una tarea habitual para quienes habitan la tierra argentina.

¿Ya descubriste qué diseñador potencia aún más el atractivo que tiene tu Estilo Personal?

 

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» La Moda es una actividad cultural y comercial, generadora de una serie de procesos que van de lo artesanal a lo industrial, con un alto componente de originalidad cuyo eje estético y creativo es la Identidad «

(Francisco Ayala)

 

 

 

Fuente: INTI mapa de diseño 101 diseñadores de autor / Alejandra Acosta. 1a ed. San Martín. Inst. Nacional de Tecnología Industrial – INTI, 2013.

¡La tela! origen, mitos, comunicación y diseño del cuerpo.

Descubre la trama que encierra la materia prima que compone la moda y cómo puedes moldear tu cuerpo y tu imagen personal a partir de la tela y sus texturas.

 

“La moda es la última piel de la civilización”

(Pablo Picasso)

 

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La palabra textil proviene del latín textus (tejido), del verbo texere (tejer, trenzar, enlazar).

Así, el verbo texere, nos aporta tejer y tejido en castellano.

Del mismo origen, es la palabra texto, que el Diccionario de la Real Academia Española, define como “enunciado o conjunto coherente de enunciados orales o escritos”.

Una obra literaria (novela, cuento o poema) también puede llamarse tejido. Es tejido por su autor.

Un texto desarrolla una trama, una historia.

La palabra trama también hace referencia a un conjunto de hilos horizontales, que al cruzarse con los hilos de urdimbre o verticales forman una tela.

Al igual que lo hacemos con un texto, podemos leer los signos que arroja una tela, y añadirles un significado.

Los tejidos se pueden leer. La superficie textil es un poderoso territorio de expresión. Comunica mensajes sobre quién los porta.

El efecto visual que refleja una tela proyecta el estilo personal, gustos, afinidades, edad, lugar de origen, inclinación política de una persona y su comunidad.

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Origen de la tela

El hilo del recuerdo nos transporta hasta nuestro origen.

Desde la primera inhalación, nuestra piel está en contacto con la tela, ya sea una sábana o manta para abrigar a un bebé, los creativos diseños de la ropa infantil hasta los estampados que llevamos cada temporada.

La necesidad de utilizar vestimenta primero se resolvió utilizando pieles de animales, hojas y cortezas de árboles que más tarde se transformaron en técnicas de hilatura y producción de tejidos.

Hace miles de años cuando todavía no se conocía la cerámica y los artesanos antiguos sólo contaban con sus propias manos vieron la luz los primeros hilados con fibras vegetales

Tuvieron grandes habilidades para atar, sujetar, anudar piezas y poder crear además, las primeras construcciones sólidas.

En las civilizaciones como la egipcia y en la antigüedad grecorromana, con una simple tela se construía un vestido envolviendo el cuerpo través de plegados y drapeados como es el ejemplo del chitón y peplos griegos.

Varias culturas diseñaron motivos decorativos que se plasmaron a través de técnicas como la pintura, el teñido, el estampado y el tejido.

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Las primeras tinturas fueron colocadas sobre la superficie corporal antes que en una tela. El tatuaje y la pintura corporal son antiquísimos.

La decoración es innata en el ser humano, especialmente sobre el propio cuerpo.

Embellecerse significaba diferenciarse, afirmar la individualidad y comunicar el grupo social al que se pertenecía.

La tela tenía una función mágica, religiosa y ornamental, cuya finalidad era aumentar la belleza y el encanto de una persona.

Una tela no sólo hace referencia a la materia prima que compone nuestro vestuario, sino que también aparece en otros escenarios como en la decoración de interiores o constituye un símbolo como es la bandera.

Cada sociedad ha tenido una tela que la ha identificado, como ocurrió con el lino egipcio.

La seda fue la tela más mimada de la historia de la moda.

Tal vez por tener un brillo elegante; porque ha vestido a los personajes más importantes de la historia; o por su versatilidad al ser combinable con otras fibras.

El hilo de seda se extrae del capullo de bombix mori, o gusano de seda.

Ya sea de origen vegetal como el lino o el algodón, o de origen animal como la seda y la lana, cada hilo que conforma una tela, teje la trama de la historia de nuestras prendas.

La tela ha sido desde su origen un canal de comunicación no verbal transmitiendo ideas y conceptos, es un territorio para desatar la creatividad y constituye un lazo entre las distintas comunidades.

La ruta de la seda es un ejemplo. Mediante esta red de caminos los pueblos tuvieron la oportunidad de intercambiar bienes y aportes culturales entre Oriente y Occidente.

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Si tela no existiría historia de la moda, no habría vestimenta que fuera testigo de la vida de otras épocas.

En tiempos isabelinos las clases sociales estaban experimentando una movilidad sin precedentes, sin embargo fue un período dominado por una estructura de clases.

Los hombres y mujeres no tenían permitido usar la tela ni los colores que quisieran, sino que el tono y los tejidos de su vestimenta eran dictadas según su posición social.

Las leyes que lo regían eran las llamadas Leyes Suntuarias, decretadas por la reina Isabel en 1574.

En ellas se especificaba qué estilo, materiales, adornos, y colores podían ser usados por cada clase y ocupación.

El objetivo era controlar los gastos del pueblo en cuanto a ropa y regular la importación de telas lujosas pero en realidad servía para mantener el sistema de clases, ya que inmediatamente se identificaba la posición social de una persona por la tela que llevaba o el color en su ropa.

Las sanciones ante el incumplimiento a la ley iban desde multas, pérdida de propiedades y títulos hasta la ejecución misma del infractor.

No sólo los materiales estaban restringidos sino también los tonos, ya que algunos colorantes para teñir las prendas eran muy costosos.

Los colores más comunes eran los tintes naturales como el marrón, gris, azul y verde.

La tela marrón y gris era económica y se asociaba a los pobres.

Los isabelinos que llevaban prendas confeccionadas en terciopelo, brocados, encajes, sedas eran inmediatamente reconocidos como miembros de la nobleza o perteneciente a las clases altas.

La seda púrpura y las pieles de armiño y de marta eran reservadas exclusivamente para la reina, el rey y sus familiares.

El terciopelo carmesí podía llevarlo la más alta nobleza: duques, marqueses y condes.

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Los paños de oro y de plata y los bordados de perlas, las pieles, el satén y el damasco estaban reservados para la nobleza incluyendo vizcondes y barones

Los colores más usados por los nobles eran el carmesí, blanco, negro, oro, en telas muy adornadas.

Los únicos que no pertenecían a la nobleza y tenían permitido el uso de una tela de este nivel de lujo eran las personas que servían a la reina o a los nobles.

Llevaban prendas azules principalmente y el verde era permitido para todas las clases sociales.

La gente de las clases bajas vestía ropa de lana, lino y piel de oveja.

La clase media trabajadora, los mercaderes y comerciantes usaban los mismos trajes que la nobleza pero en lana, lino y pana, con menos adornos.

Las únicas excepciones a las leyes suntuarias eran las del vestuario para el teatro.

Los actores podían usar en sus representaciones los trajes isabelinos sin ninguna restricción.

La escenografía era simple, mientras que el vestuario era el que focalizaba la atención de los espectadores sobre todo en la caracterización de las tragedias, donde los trajes eran esplendorosos.

Los actores utilizaban el vestuario como recurso para guiar a los espectadores en la comprensión del desarrollo de la obra.

Lucían trajes que permitían la identificación fácil del personaje como perteneciente a una determinada clase social, profesión o grupo familiar por el color de su vestimenta o por llevar una tela en particular.

Los trajes teatrales eran decorados con lazos, bordados, pasamanería, galones, incrustaciones de perlas y lentejuelas.

Las plumas y las joyas eran adornos normales en el vestuario teatral.

Los hombres llevaban siempre sombrero en las escenas de interiores.

Dado que el público estaba familiarizado con el significado de las prendas, tejidos y colores que exhibían los actores, los roles de los personajes resultaban muy evidentes.

Un espectador sabía quién era cada personaje antes de que hablara.

Cuando un actor aparecía en el escenario vestido de marrón, verde o gris, en lino o lana, el público sabía que el personaje era de clase baja o trabajadora mientras que cuando alguien aparecía vestido de blanco, índigo, dorado, en seda, brocato o terciopelo sabían que se trataba de nobles.

El terciopelo carmesí se vinculaba con la Iglesia, el rojo era el color del coraje, el negro simbolizaba el poder y la autoridad y el púrpura estaba reservado sólo para los reyes.

Tal era la comprensión del simbolismo de la tela y los colores de las prendas de vestir, que los dramaturgos de la época los utilizaban como recurso visual para acentuar el prestigio de los personajes de sus obras teatrales.

La tela es el medio a través del cual la vestimenta se materializa y un diseño ya sea urbano o teatral se puede hacer realidad.

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Tejiendo Mitos

La tela, además de otorgar protección contra la intemperie y ocultar la desnudez contiene también un aspecto simbólico y ritual.

En el origen de las culturas puede observarse que el tejido tiene un rol protagónico.

En algunas ocasiones fue asociado a alguna divinidad añadiendo poderes sobrenaturales a ciertas figuras femeninas que llevaban a cabo la acción de tejer.

Para los griegos, las tres Parcas eran Cloto (la hilandera), Laquesis (la que dispone el destino) y Átropos (la inexorable), que corta el hilo de la vida.

Las Parcas eran quienes hilaban, tejían y cortaban la vida humana convirtiendo la actividad de confeccionar tejidos en un símbolo de poder.

Siguiendo con los símbolos de las culturas antiguas, en la mitología griega, Aracné muestra esta conexión entre la tela y las divinidades.

Aracné significa araña y aludía a una excelente tejedora.

Ella alardeaba de superar en habilidades a Atenea (la diosa de la sabiduría, la guerra y el tejido).

Ambas deberían demostrar sus capacidades a la hora de tejer.

Mientras Atenea tejía la escena de su victoria sobre Poseidón, la creación de Aracné exhibía episodios sobre la infidelidad de los dioses.

Atenea ante esta osadía destruyó con su lanza el telar de Aracné.

La diosa la transformó en una araña y como castigo la condenó a tejer eternamente.

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En otro mito aparece la figura de Penélope, una mujer admirada en las obras de Homero por su rol de esposa fiel.

En la Odisea, Penélope permanece leal a Ulises a pesar de los veinte años de separación.

Ella teje y desteje, su tejido nunca se termina y esta tenacidad es recompensada con el feliz reencuentro.

También encontramos el mito de Ariadna.

Esta princesa le entrega un ovillo de hilo a su enamorado, para que encuentre el camino de regreso y pueda escapar del laberinto del Minotauro.

En América, para los mayas, Ixchel era la diosa de los trabajos textiles, del amor, de la gestación, de la luna y la medicina.

Se la representaba como una anciana vaciando un cántaro de agua sobre la tierra, o también tejiendo en un telar amarrado a un árbol.

Para la cultura maya fue la luna quien les enseñó a hilar y a tejer a las mujeres.

Para algunas sociedades el tejido tenía connotaciones mágicas y se convierte en un escudo de protección ante las fuerzas malignas como es el caso del bordado.

Se consideraba que el bordado tenía un poder protector, ubicándose sobre los bordes de las prendas, los cuellos, mangas y dobladillos para impedir el paso de las fuerzas malignas.

También se le atribuyen poderes benéficos apareciendo como amuleto para atraer la fertilidad en las mujeres recién casadas.

Incluso también acompañaba al difunto en su viaje al más allá, siendo parte importante en el atuendo funerario.

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Con inteligencia en la piel

Desde los primeros trenzados y entretejidos hasta la tela actual donde abundan las puntadas de tecnología han transcurrido miles de años de experimentación.

El sector textil, que fue uno de los motores de la Revolución Industrial, está transitando una segunda época de brillo con los llamados “tejidos inteligentes”.

Se están produciendo grandes cambios a nivel de Indumentaria que impactará en nuestra vida cotidiana.

En la actualidad hay tela para todos los gustos: geotextiles utilizados en ingeniería civil para la construcción de carreteras y vías férreas, los cosmetotextiles que ayudan a la piel a prevenir infecciones.

Existen textiles fotocromáticos, textiles que conducen la electricidad; tejidos luminiscentes; telas térmicas, textiles antimicrobianos, tela con protección ante la radiación ultravioleta; y textiles inteligentes, que permitan construir prendas que responden a las necesidades del cuerpo según el entorno.

Una tela también puede modificar ópticamente nuestra silueta: podemos proyectar altura y elegancia o, por el contrario, agregar volumen a nuestra figura corporal.

La silueta se puede agrandar, disminuir, ensanchar, alargar, acortar a través de una tela.

Podemos decorar nuestra ropa de flores, cuadros, lunares, rayas.

Gracias a los textiles podemos rediseñar visualmente nuestro cuerpo.

La tela viste, abriga, insinúa, oculta, diseña la moda, teje la trama de la historia.

Acompaña todas las edades del ser humano a través de todos los tiempos.

Consiste en un territorio listo para ser explorado, donde las nuevas tecnologías se unen a las técnicas textiles ancestrales para adaptarse al ritmo de la vida actual sin perder de vista el objetivo que es cubrir las necesidades humanas.

Para cada quién hay una tela y una tonalidad especial, es cuestión de experimentar con los diferentes tejidos y texturas.

En cuestión de telas, aún queda mucho de donde cortar.

 

¿Cuál esa tela que acaricia tu piel?

 

“La ropa no significa nada hasta que alguien vive en ella”

(Marc Jacobs)

 

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Telas y Comunicación

Textura es la característica, composición y apariencia de un diseño.

En indumentaria hace referencia a los géneros, los tejidos, las fibras, los estampados.

La textura es una especie de segunda piel, nuestro cuerpo la percibe de manera táctil y visual.

La elección de la textura adecuada a nuestra silueta influye en la comunicación de nuestra imagen personal.

Los estampados como las flores grandes, cuadros, lunares, pueden hacernos más voluminosas al igual que las telas pesadas como el terciopelo.

La seda y las telas suaves son más vaporosas, facilitan el movimiento, fluyen alrededor del cuerpo.

Un tejido acorde a nuestra estructura corporal puede ayudarnos a lograr una imagen más esbelta.

Los diseños textiles pueden modificar visualmente nuestra silueta. Ésta se puede alargar, ensanchar, disminuir, acortar.

Las prendas de tonalidad uniforme, lisas, transmiten profesionalismo, autoridad, realzan el rostro, son ideales para la vestimenta profesional.

La tela es la materia prima a partir de la cual se modifica la superficie del cuerpo. El textil lo cubre y lo descubre. Es una segunda piel.

Tacto y percepción suscitan diversas sensaciones.

Los tejidos rediseñan nuestro cuerpo. La superficie textil es un poderoso territorio de expresión que califica y da Identidad a un diseño.

En la moda se cruzan los brillantes con los sintéticos, los rudos y jaspeados, los tejidos artesanales y los artificiales.

El dinamismo de la vida moderna trae texturas y diseños confortables para todas las actividades cotidianas.

 

Haz clic sobre la siguiente diapositiva, descarga la presentación de Slideshare y descubre qué comunican las texturas y cuáles son las telas que más te favorecen de acuerdo a tu figura.

 

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En la siguiente infografía encontrarás una guía rápida para cuidar la tela y las texturas de tus prendas.

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La moda: ¿Qué es? Origen, Sistema de signos y Comunicación no verbal.

Conoce la moda como un lenguaje y descubre los mensajes que comunicas a través de las prendas que eliges ponerte cada día.

¡Añade a tu guardarropa un mundo de significados!

 

“La moda es la mejor herramienta para ayudarnos a soñar”

(Giorgio Armani)

 

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MODA proviene del latín modus, indicando en su significado más amplio “elección” o mecanismo regulador de elecciones realizados en función de criterios de gusto o de determinados caprichos.

La moda se define como: usos, modos o costumbres que están en boga durante un determinado período de tiempo, especialmente en los trajes y adornos, principalmente los recién introducidos.

El concepto Moda se relaciona con modernidad.

La palabra moderno se utilizó por primera vez en el siglo V, a fin de distinguir el presente que se había vuelto oficialmente cristiano, del pasado romano y pagano.

El término moderno apareció una y otra vez en Europa en aquellos períodos en que se formó la conciencia de una nueva época a través de un lazo renovado con los antiguos.

Mientras todo lo que está de moda quedará pronto atrás, lo moderno conserva un vínculo con lo clásico.

La moda atrapa lo que es actual aunque se nutre de lo que existió en otros tiempos.

 

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Toda la literatura incluyendo a filósofos, escritores, sociólogos, antropólogos, psicólogos y semiólogos han tenido en cuenta a la moda.

Hegel, por ejemplo la consideró una forma de vanidad, para el filósofo Kant significaba el placer por el cambio continuo, Walter Benjamín la define como “el eterno retorno de lo nuevo” y Mallarmé la llamó “la diosa de las apariencias”

Para Baudelaire era lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente.

Para todos, la moda era ni más ni menos que el signo de la modernidad.

 

Origen de la Moda

La aparición de la moda como tal surge cuando la sociedad deja de concentrarse en la tradición mirando continuamente hacia el pasado y le concede un lugar privilegiado a las nuevas formas y costumbres.

Su atractivo reside en la búsqueda de la novedad como antítesis de lo antiguo y permanente.

Aún cuando la moda rescata estilos del pasado, lo hace siguiendo un patrón de cambio constante.

La moda valora fundamentalmente el cambio hasta en los aspectos más cotidianos.

En su brillo fugaz es donde reside el poder tan atractivo que tiene.

La moda consiste en un proceso de renovación constante.

Con toda su magia y encanto es efímera, en tanto que transmuta permanentemente.

“Todo lo que está de moda pasa de moda” (Cocó Chanel)

 

 

La moda es un fenómeno social, una producción simbólica y cultural que debe mirarse bajo el prisma de la sociedad.

En la sociedad actual, la moda se filtra como generadora simbólica y creadora de cultura.

Se genera en un terreno social, histórico y cultural de la vida humana. En ella se expresan los valores y las características que definen a una época.

La moda es el reflejo de una sociedad cambiante. Surge como medio de expresión, comunicación e identificación social.

La sociedad habla directamente con sus vestidos, sus colores, con la diversidad de los estilos que aparecen cada temporada.

La moda lleva en si el cambio a nivel personal y grupal que se da en los patrones cotidianos de las sociedades contemporáneas.

 

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La Moda en Indumentaria

La moda en indumentaria es el resultado de diversos factores: estéticos, sociales, psicológicos, enmarcados por el gusto hacia todo lo que sea nuevo y la transgresión.

Los medios masivos de comunicación presentan imágenes llamativas, coloridas, atractivas que dotan de significados al vestido y lo elevan a la categoría de signo.

Desde siempre, el ser humano trató de diferenciarse mediante símbolos visible con los cuales distinguirse de los demás.

Así el vestido adquiere el poder de comunicar.

La moda ha sobrepasado su función original de proteger al cuerpo contra las inclemencias del tiempo y constituye un sistema de comunicación no verbal.

La moda permite cambiar y reinventar la propia apariencia.

Otorga la posibilidad de individualizar la presencia de las personas.

 

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La vestimenta constituye un sistema simbólico porque abarca territorios formados por telas y texturas que encierran conceptos y proporciona datos a través de diseños, colores y texturas que permiten conocer cómo es la personalidad de cada usuaria que lo luce.

La moda es el lenguaje universal a través del cual damos a conocer nuestra identidad y esto generará un impacto y una reacción frente a las personas que nos rodean.

Indumentaria y cuerpo crean un mensaje visual y expresivo que nos permite ocupar un lugar en el mundo.

Vestirse implica tener un cuerpo que actúa como soporte y un sistema de comunicación a través de la indumentaria, que funciona como lenguaje.

Somos seres sociales, cuerpos vestidos. La indumentaria que llevamos expresa nuestra pertenencia a un tiempo y lugar determinados.

 

 

La vestimenta nos permite expresarnos, marcar nuestra singularidad y cuando se logra, decimos que esa persona tiene un Estilo.

Estilo es aquello va mucho más allá de la moda.

Deja emerger partes profundas de nuestro ser. Está conectado con lo que somos, personas únicas, diferentes.

La personalidad se expresa a través del Estilo. A través del estilo personal cada uno va construyendo una narrativa sobre si mismo.

El estilo es la columna dorsal sobre la que elaboramos el guardarropa.

La atracción verdadera surge de una mujer que emana personalidad y estilo.

Con él construimos nuestra propia colección cada temporada, lucimos todas esas prendas que dejarán el perfume de nuestra marca personal.

En primera instancia se construye la identidad y a partir de allí se delinearán los colores, formas y signos del atuendo que elegimos.

Expresamos nuestro relato sobre quiénes somos alrededor de nuestro cuerpo. El vestir posee un valor funcional y un valor simbólico.

Cuando nos vestimos comunicamos quiénes somos y qué sentimos.

Las prendas que usamos tienen características decorativas, funcionales y simbólicas.

 

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Entre la moda y la comunicación existe un lazo: ambas ocupan un lugar destacado en las sociedades modernas y se han convertido en pilares fundamentales de la sociedad de la Imagen.

La moda cobra importancia como sistema de comunicación no verbal junto con el lenguaje del cuerpo y los gestos.

En la sociedad actual se deja de lado la palabra para rendir culto a la imagen.

La moda permite la inmersión en un universo de placeres; placer de complacer, sorprender, deslumbrar, placer por la novedad, la transformación.

Estar en contacto con la estética y la belleza produce bienestar, sumado a la creatividad que ofrecen las puestas en escena en los desfiles de moda, transportando a un mundo de fantasía donde los sentidos se exaltan ante la novedad.

El aspecto más artístico de la moda está normalmente ligado a su puesta en escena.

La Haute Couture se convirtió en parte de la industria del entretenimiento.

 

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El Lenguaje de la Moda

Nos vestimos principalmente a partir de 3 propósitos: decoración, pudor y protección.

El principal motivo para vestirnos parece ser la decoración: ya que existieron pueblos que no llevaron grandes atuendos, pero todos han exhibido alguna forma de adorno.

Algunos usos del vestido son:

  • Funcionalidad: la vestimenta surge a partir de la necesidad básica de abrigo, de protección contra el frío, contra el calor, (para evitar el impacto directo de los rayos solares) para protegerse contra los enemigos humanos y animales.
  • Protección esotérica: las prendas ofrecían protección contra los espíritus. malignos. Para los pueblos antiguos los males eran producto de la acción de ciertos espíritus. De ahí la importancia de llevar amuletos como las cintas rojas en la muñeca o el uso de gemas y piedras en collares y pulseras.
  • Protección contra el peligro moral: Los religiosos se protegen con trajes largos para evitar tentaciones; llevan ropa cerrada, rígida, de colores neutros. En muchos casos, esta vestimenta significa autocontrol. Cuanto más cubierto, el traje, denota mayor ascetismo.
  • Protección contra la hostilidad de la sociedad: Cuando nos sentimos desprotegidos, tendemos a abotonarnos el abrigo. Ocurre algo similar si nos encontramos entre personas que nos resultan incómodas, con quienes no deseamos relacionarnos.
  • Se trata de protección contra la frialdad emocional. Esta actitud de refugiarse en la ropa, pareciera ser un retorno a la protección materna. Existe un claro paralelismo entre la función de la ropa y del calor de hogar. Abrigo significa lugar de refugio, no sólo hace referencia a una prenda de vestir.

 

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  • Pudor: simbólicamente al ser arrojados del paraíso los seres humanos sintieron vergüenza y pudor cubriendo inmediatamente sus cuerpos desnudos.
  • El cristianismo sostuvo una oposición rigurosa entre el cuerpo y el alma y sus enseñanzas predicaban que la atención dirigida al cuerpo significaba un peligro para el espíritu.
  • Una de las formas más fáciles de lograr apartar los pensamientos del deseo y del cuerpo consistía en ocultarlo. El vestido servía para ocultar lo pecaminoso. Las personas usualmente se sienten inseguras al dejar al descubierto sus imperfecciones y el vestido serviría para ocultar las zonas del cuerpo que no se desean mostrar.
  • Atracción sexual: La función del vestido es producir bordes, cortes, discontinuidades sobre la superficie del cuerpo y de esa manera lo incorpora al enigma que es el deseo del otro.
  • El deseo de mirar y ser vistos permitió que la vestimenta se descubriera o rellenara según las partes del cuerpo que representaban un estímulo erótico en cada etapa histórica.
  • Este atributo aparece en la ropa actual: tanto el que diseña una prenda como el que la comercializa remarca el calce o rediseño que proporciona al cuerpo. Resultan especialmente provocativos los vestidos femeninos que enfatizan determinadas zonas del cuerpo de una mujer.

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  • Adornos como trofeos: Las civilizaciones primitivas conservaban recuerdos de sus cacerías y de sus victorias como por ejemplo los cuernos de un animal.
  • Adornos para aterrorizar: como es el caso de la pintura blanca de guerra que reproduce esquemáticamente la figura de una calavera.
  • Signos de rango, ocupación, pertenencia a un grupo social: la vestimenta permite establecer jerarquías como sucede con los trajes con significado político, los emblemas nobiliarios, ciertos colores y telas como prerrogativas reales.
  • El vestido descansa sobre códigos y convenciones muchos de los cuales son rígidos e intocables, defendidos por sistemas de sanciones. Algunos no permiten variantes como por ejemplo el código del vestido militar donde el usuario no puede hacer modificaciones.
  • Inclinación ideológica comunica su ideología quién lleva una boina o una chaqueta militar.
  • Sucesos alegres o dolorosos en la vida de una persona como pueden ser el uso del vestido de novia o el color negro para momentos de luto.
  • Ostentación de riqueza como la exhibición de pieles, oro, piedras preciosas. Se consume moda también por prestigio, status, exclusividad.
  • Adorno como extensión del Yo corporal, por ejemplo un bastón sería una extensión del brazo.
  • Diferenciación simbólica: se trata de expresar individualismo, el deseo de ser diferente. Las personas transmiten información sobre si mismas con su forma de vestir: nivel social, edad, origen étnico, profesión, estilo de vida. Intimamente a través del vestido lo que se desea lograr es una apariencia respetable, no protegerse.
  • Afiliación social: para ser parte de un grupo, las personas tienden a vestir de modo parecido. Se observa en algunas profesiones como por ejemplo, los abogados. De esta forma demuestran tener ideales y gustos semejantes con el fin de lograr la aprobación en un determinado grupo.
  • Autoestima: raramente encontraremos dos personas vestidas iguales. El aspecto psicológico de la moda está vinculado al miedo de pasar inadvertido.
  • Es a través de nuestra imagen que somos percibidos por los demás. Necesitamos reconocimiento y nos interesa aparecer de manera socialmente relevante.
  • La imagen personal va más allá de la simple apariencia.
  • No podemos querernos si no tenemos clara nuestra identidad y nos sentimos a gusto con ella. Así transmitimos atracción verdadera.
  • Gustarse es una de las bases del bienestar físico y psíquico. Sentirnos atractivos acrecienta la autoestima, fortalece el ánimo.

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Conclusión

La moda sirve como tarjeta de presentación e interacción social.

Permite a una persona distinguirse, contrastar, destacar, diferenciarse.

Es una forma de expresión con telas, y agujas. Es territorio de novedades, de caprichos y también de color y de creatividad innovadora.

La moda es un reflejo de lo actual, de lo cotidiano pero con derecho a la fantasía, a poder inspirarse y dejar volar la imaginación.

Las manifestaciones de la moda están caracterizadas por la breve duración de la estación del año a la que van asociadas, por el cambio continuo.

Tienen la  capacidad de saber retirarse, se abren a lo nuevo y a la diversidad de estilos.

La moda es belleza instantánea y transitoria, exalta el momento, seduce con lo nuevo, permite vivir el instante con intensidad.

En la moda se ha satisfecho desde siempre esa misteriosa necesidad de sensaciones nuevas.

 

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El ser humano busca desde siempre gustar, ser atractivo ante la mirada de los demás.

Vestir es comunicar quién eres. Lo que usamos es un reflejo de nuestra existencia.

Al elegir un atuendo, nos estamos describiendo a nosotros mismos.

Reflejamos nuestros gustos, valores, creencias en la forma en que vestimos.

Somos mensaje. Todo comunica. Pensar qué vestimos cada día es igual a pensar en cada palabra que decimos.

Hasta cuando permanecemos en silencio nuestra ropa habla, contando quiénes somos.

 

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Cuando nos vestimos estamos contando una historia sobre nosotros , qué hacemos, qué sentimos.

La palabra- prenda debe ser hablada, es decir vestida por una persona concreta.

No se concibe una prenda sin un cuerpo que lo habite.

El habito no hace al monje pero si lo significa y lo comunica.

La entonación varía según quién porte la prenda. El mismo atuendo no lucirá de la misma manera en dos personas.

Algunas variables que cambian la entonación son: edad, sexo, nivel socio-económico y los atributos físicos de una persona.

En nuestro guardarropa contamos con varias “palabras-prendas” que expresan una amplia gama de significados, ( elegimos prendas, clásicas, modernas, extranjeras, provocativas)

 

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Los distintos elementos de un atuendo están cargados de significado y caracterizados más por su valor simbólico que por su valor funcional, por ello se consideran como parte de un proceso de significación, asumen la función de signo.

La adquisición de cosméticos y de determinadas prendas de vestir no está motivada por su función sino por sus beneficios, su valor percibido, por la asociación que hacemos de manera inconsciente entre el producto con un valor simbólico como la belleza y la juventud.

Consumimos los objetos que mejor nos representan o que reflejan lo que pretendemos Ser.

Deseamos adquirir todo aquello con lo que alcanzamos una identificación, esto se relaciona con nuestros valores, sentimientos, emociones, recuerdos.

Buscamos profundamente un lugar propio, la aceptación de un grupo determinado pero manteniendo nuestra personalidad y la moda ayuda a cumplir esa función de distinción.

El  deseo de diferenciación y originalidad se basa en la necesidad que tenemos de afirmar nuestra individualidad, de integrarnos sin perder nuestra identidad.

 

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El aspecto físico cumple un rol importante en la calificación social.

Las mujeres principalmente no cesan de forzar los límites naturales del cuerpo para hacerlo más bello y deseable.

El cuerpo femenino a lo largo de la historia ha buscado distintas formas de cubrirse, velarse, y ésta es la esencia que encierra el  vestido y con ello la moda, pues inserta el cuerpo en un escenario de representación.

Las prendas permiten acentuar el erotismo en la medida en que ocultan por un lado y revelan o insinúa por el otro.

El vestido es un texto, un discurso que debe ser leído y que se dirige a alguien, es un lenguaje, un símbolo, una extensión de la piel.

La moda es discurso, un sistema de signos. Se ha convertido en el arte de lo femenino.

 

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Existe una estrecha relación entre la mujer y la moda tanto literal como metafórica.

A las mujeres se las ha relacionado durante mucho tiempo con la confección de vestidos y la habilidad que alcanzaron con el arte textil fue uno de los medios por los que se ensalzó su reputación en una época en la que tenían poca independencia económica.

Desde la preparación de los hilados  hasta la costura y el arreglo de las prendas, la confección estuvo durante siglos en manos de mujeres.

La moda danza a la par de nuestra letra, depende de nosotras ponerla a hablar.

La moda tiene un papel que jugar con la mujer, la ayuda a Ser.

 

¿Ya sabes todo lo que comunicas con tus prendas al momento de vestirte?

 

“La persona no es otra cosa que esa imagen deseada en la que el vestido nos permite creer”

(Roland Barthes)

 

la moda

 

Sumérgete en el mundo de la moda con la película » El diablo viste a la Moda»

 

 

¿Cómo será la moda del futuro?

 

Si deseas conocer más acerca de la Historia de la Alta Costura,  descarga  el libro del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

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